Festival international de musique actuelle de Victoriaville: Day 3

John Kelman, All About Jazz, May 21, 2007

With a festival as inherently risk-taking as the Festival international de musique actuelle de Victoriaville (FIMAV), it’s a given that some shows will work better than others. There may also be failed experiments, but it’s to the festival’s credit that it doesn’t rely on the tried-and-true. Invariably, even the less-successful performances are, at the very least, worth checking out.

Day three of the 24th edition of FIMAV was all about operating without a safety net — and, as usual, within a wide array of musical contexts — with some of this year’s most and least successful shows yet. […]

Victoriaville matière sonore

Contrasting with Signal Quintet’s performance, Victoriaville matière was a strong idea on paper that didn’t always succeed in the implementation. The premise was good: construct a forum for a number of composers/sound artists to create individual pieces based on field recordings made around the Victoriaville area. Have the process overseen by renowned experimental blender of natural and industrial sounds, Francisco López, and link the pieces together into a single work with a broader overriding arc. In addition to López, Aimé Dontigny, Louis Dufort, Chantal Dumas, Steve Heimbecker, Mathieu Lévesque, Hélène Prévost and Thomas Phillips all contributed to the 90-minute show.

Similar to the Theresa Transistor performance on Day Two, but in the larger Colisée venue, the artists were placed in the center of the hall, surrounded on all sides by the audience and with a sound system facing in around the periphery of the hall. With the equipment setup on a riser with minimal blue lighting, there was little for the audience to watch, encouraging it, instead, to simply absorb the sounds without visuals and to find meanings on a more personal and imagination-driven level.

The eight pieces were linked by a nature recording of birds, used to allow one artist to leave the center stage so that the next could take his/her place. Other than FIMAV CEO and Artistic Director Michel Levasseur’s usual spoken introduction to the show, there was no applause between pieces, nor was there any announcement of order of events, so it was impossible to know whose pieces belonged to whom.

Intriguing sounds were many and diverse, ranging from the natural to the artificial, and there was considerable processing applied. Like Theresa, equal importance was given to where individual sounds appeared and to how they traveled around the aural landscape. The problem was that, to a large extent, the approaches used were obvious and often overly dramatic. Lacking the nuance of Signal Quintet (and, because these were solitary pieces, the interaction of the earlier performance), the overall levels were high, the sounds often overly dense and the collages often too busy for the listener to sense any sort of unified statement.

Sometimes it’s good to make the audience come to the music rather than the other way around, and a better balance of dynamics and more discernable narrative for each piece would have made the entire show more successful. Still, credit is due for an imaginative experiment that, some shortfalls notwithstanding, was well worth pursuing.

Intriguing sounds were many and diverse, ranging from the natural to the artificial, and there was considerable processing applied.

Label Feature

Ios Smolders, Earlabs, May 19, 2006

This is one of the early netlabels, starting in 1998, and one that still exists because it has a steady drive. It’s therefore only natural that it should be one of the first of series of feature articles on netlabels. I had an e-mail chat with Aimé Dontigny, the current director at No Type.

I have monitored the releases of No Type right from the beginning. When I first started thinking about a goal for my own internet activities (I had been a webmaster for a corporate for a couple of years) the obvious thing was to do something with music. Somehow I ran into No Type.com and was immediately captured by the cool metropolitan feel of the site. What was most interesting, apart from the look and feel and the slight of hand texts combined with professional design was that you could actually download music from the site. And not just a few short samples but complete ‘albums’. That was something that I wanted as well. I contacted webhost David Turgeon who generously allowed me to upload files on the server that he was using as well. We have not been in touch for quite a few years, but I initiated new contact because of this article.

David Turgeon is described as follows on No Type (it’s quite inaptly called a biography): “Obfuscationist composer, strategist of sonic vagueness, and sometimes even performer (Camp, Ensemble Camp, Asyncdrone, Period Three, L’Île de béton…), David Turgeon, founder of the No Type label, is also known as a graphic designer, DJ (as part of the 10,000 Teenage Girl Posse) inventor of arcane programming languages and the author of a graphic novel, La muse récursive, to be published in 2006.” That really doesn’t tell very much about his activities. For one, I know that he also works for the renowned Canadian label empreintes DIGITALes.

What defines the No Type label? I really don’t know. Improvisational noise, rhythmical technoid, drones, punkish, (classically structured) electronic music, jazz, phonography; it’s all there. What combines it, is probably the edginess. It’s never easy, there is always excitement. Every release is something special. Where other labels sort of extrude a continuous stream of ambient techno dub produced with the same software again and again (Ableton Live… again…) 99% of the No Type releases hold a surprise. And if there is no music available that meets the standards, then there will be no release. Simple as that. Aimé Dontigny, current director: “The common denominator is: off the mark. We support: artists who are not at ease within their genres; musics that will never find a public with the exception of the adventurous and/or the snotty; ideas that are so revolutionary they must be encrypted in light-hearted idm or lo-fi folk; free improv that believes in freedom, not in idiom; noise that encompass the inaudible, the dramatic, the refined, the subtle; etc. etc. etc. And we also strongly support Beauty, Craftsmanship, Dedication, and Audacity.”

The No Type label started producing hardcopy releases as well, in 2002. To me, that was a very strange decision. Actually a jump back in time. But fortunately the online releases kept coming, as well. Dontigny explains: “We started releasing physical releases in order to better help our artists. Most of the time, mp3 albums don’t get you invited to festivals, don’t get you royalties, don’t get you print reviews, don’t get you a another record.”

I have seen the explosion of David’s energy wander off in 2004 and 2005. What about the future? Now that Aimé is director, what are his plans?

“First, restart a steady flow of mp3 releases, We’ll still see new names and some of our regular artists, but I will also try to give musicians from diverse experimental scenes outside of No Type an opportunity to release more personnal or perplexing works. So expect some surprises in the near future.”

“Also, we’ll re-focus our physical production. CD releases will be rarer, more unique, project-specific adventures (For exemple, like our 2003 Montréal Free 4-CD boxset of Montréal-based acoustic improv).”

“We’ll also be gradually leaving the CD format behind; expect some DVD-ROMs, multichannel DVD-Audio’s, and others. We will move beyond the ‘one medium collection’ and, in the short-term, even the mp3 releases will no longer be distinct from the other formats on our website. Of course, we’ll still release CDs when deamed appropriate by the artist and us, but, for the last 4 years, I think we lost too much energy in the ‘all-CD’ mentality.”

“Many artists have left No Type over the years (some temporarily, some others for good), and it’s a normal thing. Because we often support artists at the start of their careers, some have stopped making music after a while, and others have moved on to more successful careers on other labels.”

No doubt No Type will find new gems!

What defines the No Type label? I really don’t know. Improvisational noise, rhythmical technoid, drones, punkish, (classically structured) electronic music, jazz, phonography; it’s all there.

Morceaux de médias

Grégoire Courtois, Fluctuat, October 1, 2003

a_dontigny et Diane Labrosse, deux figures majeures de la nouvelle scène électronique canadienne, s’associent le temps d’un concert pour un troublant moment de symbiose électronique.

D’un côté nous avons Aimé Dontigny, membre actif du (net-)label montréalais No Type, fondateur du collectif Napalm Jazz et deuxième moitié du duo Morceaux_de_machines. De l’autre, Diane Labrosse, électron hyperactif qu’on a vu collaborer régulièrement depuis les années 80 avec des pointures comme Ikue Mori, Martin Tétreault ou d’autres musiciens du label Tzadik de John Zorn. Le résultat sur le papier promettait une double déferlante bruitiste mais c’est avec quatre pistes subtiles qu’on se retrouve, faites de chuintements, de larsen, de cracks et de sons blancs certes, mais paisiblement assenés comme autant de notes de musique. C’est ainsi très rapidement qu’on oublie le duo et ces deux voix surgies de l’échantillonneur de Diane Labrosse et de l’ordinateur de Dontigny se fondent en une seule, lancinante et d’une redoutable efficacité.

Enregistré à la Casa del Popolo le 20 avril 2002, ce concert est donc une vraie réussite, tant au niveau du rythme, très maîtrisé par les deux protagonistes, que du point de vue des sonorités exceptionnellement complémentaires.

Tout au long du disque, c’est en effet pétrifié que l’on assiste aux virages de la composition et aux enchaînements de timbres avec un plaisir d’autant plus important que l’on sait la totale improvisation de la performance. Sur ce point, la réactivité de Dontigny et de Labrosse force le respect et on comprend pourquoi Fragments, segments, séquences a été rebaptisé Télépathie.

Pur médium

Le disque s’ouvre sur le morceau t.s.f., inquiétantes variations autour de nappes de cordes et de grésillements blancs. La détérioration progressive de ce qui semble être un sample extrait du groupe de violons d’un orchestre, méthodiquement dévoré par des craquellements feutrés de plus en plus envahissants, dessine un paysage noyé dans les volutes de fumée d’une catastrophe passée et ce que notre oreille reconnaît comme une orchestration classique prend le statut de débris, de reliquat d’un monde perdu.

Ainsi on pourra interpréter le titre du morceau, soit l’un des premiers appareil de diffusion radiophonique à entrer dans les foyers, à la fois comme le témoignage fidèle des perturbations d’ondes qu’on pouvait entendre à cette époque, mais aussi comme l’idée que ces interventions du hasard sur la matière sonore sont aujourd’hui révolues, polies par la perfection d’un matériel haute-fidélité.

A part l’homme éveillé, qui est encore en mesure de stopper ou modifier le message publicitaire vertical directement de l’émetteur au récepteur? C’est l’une des questions posées tout au long de l’album, aux accents glitch même si la perturbation de signal est ici totalement maîtrisée et ne laisse que très peu de place au hasard.

Grondement du monde

Engagé par ce premier morceau en guise d’introduction thématique, le concert ne s’écartera jamais de sa problématique médiatique, tantôt bouillonnant d’une sombre agitation, carnaval de particules sonores déchaînées se mettant à envahir le spectre musical comme autant de voix électroniques interceptées alors qu’elles fonçaient autour du globe (antenne parabolique), tantôt grondement para-humain des appareils, révélant la vie propre des systèmes de mesure et de quadrillage de notre environnement (photo satellite), gospel hermétique de ces nouveaux esclaves de circuits imprimés à qui nous demandons tout sans jamais prendre la peine de les écouter.

Les ambiances développées dans la seconde partie du live deviennent ainsi progressivement tragiques, presque mélancoliques et c’est aussi lors de ces moments de tension retenue que les deux musiciens parviennent à cette symbiose surnaturelle dont nous parlions plus haut.

Offensive radiophonique

A ce titre, c’est le dernier morceau, média tactique, qui est le plus troublant, tant les voix de Labrosse et Dontigny parviennent à totalement se fondre l’une dans l’autre avec un aplomb rageur qui prolonge un discours introductif provenant visiblement d’une émission de radio et vantant la liberté de consommer du cannabis.

Orientées par la seule citation du disque, les variations abstraites qui suivent acquièrent donc paradoxalement un sens à la fois militant et neutre, prônant à demi-mot la ré-appropriation du mass-media, le droit à la subversion politique et musicale (un sample de reggae méconnaissable termine l’album) et concluent dans l’espoir ce panorama de la suprématie médiatique en apportant la preuve indéniable que tout objet invisible lancé dans la foule des hommes est sujet à sa ré-interprétation, que celle-ci soit effectuée par les aléas d’une technique pensante ou bien par l’esprit critique de quelques hommes échangeant leurs points de vue.

Une force mystique empêcherait-elle l’humanité de sombrer dans l’uniformisation imposée par la technique? C’est de toute évidence l’hypothèse doucement sous-entendue par cette miraculeuse télépathie.

… une vraie réussite, tant au niveau du rythme, très maîtrisé par les deux protagonistes, que du point de vue des sonorités exceptionnellement complémentaires.

Les clés télépathiques

Grégoire Courtois, Fluctuat, October 1, 2003

Au départ prévue pour être collective, cette interview a finalement été préparée avec les deux protagonistes séparement… afin de vérifier si un lien télépathique les unissait vraiment.

Fluctuat: Même si vous vivez tous les deux à Montréal et que vous travaillez chacun dans le même registre de la nouvelle musique électronique, pouvez-vous nous préciser comment s’est passé votre rencontre et ce qui vous a amené à décider de ce concert en duo?

Diane Labrosse: Aimé m’a proposé de jouer avec lui et même si je ne connaissais pas beaucoup son travail, l’idée m’a plue immédiatement. J’aime beaucoup jouer avec de nouvelles personnes et surtout dans une rencontre autour de l’improvisation. Alors, en fait, notre rencontre, la vraie, s’est passée sur la scène de la Casa del Popolo.

a_dontigny: J’avais le désir d’improviser avec Diane depuis 1998. À l’époque je n’étais pas à Montréal mais à Québec. Depuis 1995, j’animais avec Érick d’Orion une émission de radio hebdomadaire, consacrée à la superposition de tout ce qui nous tombait sous la main - de Coltrane à Autechre - ce qui était alors Napalm Jazz dans sa version primitive.

Diane travaillait alors avec Michel F Côté sur un projet du metteur en scène Robert Lepage (dont les bureaux et les studios sont basés à Québec) mais une première tentative d’improviser en direct à la radio ne s’est pas concrétisée.

En 2000, j’ai déménagé vers Montréal et, peu de temps après, j’ai commencé à travailler pour les deux piliers de la nouvelle musique au Québec, empreintes DIGITALes (musique acousmatique) et Ambiances Magnétiques (musique actuelle). Après plusieurs concerts et parutions sur No Type, me sentant plus en confiance, j’ai tout simplement noté le numéro de téléphone et appelé Diane. Elle a un horaire assez chargé mais nous nous sommes entendus sur un soir disponible à la Casa del Popolo.

J’étais très enthousiaste!

Fluctuat: Vous êtes tous deux attirés par l’improvisation, de manière plus ou moins cadrée. Dans quel mesure avez-vous préparé ensemble ce concert?

Diane Labrosse: De façon très spontanée. Ni un ni l’autre n’a proposé de se voir à l’avance et d’élaborer des cadres ou de structurer la soirée. Personnellement, je me méfie des soirées structurées mais pas vraiment répétées. Souvent ça agit comme un carcan.

a_dontigny: 3 minutes avant de monter sur scène, nous nous sommes demandés comment débuter le concert et elle m’a simplement dit: «commence, toi». Nous avions fait nos soundchecks séparément parce que nous ne finissions pas de travailler à la même heure (c’était un jeudi soir, je crois). Nous avions parlé un peu avant le concert, mais de Martin Tétreault. Tout ça pour souligner que cet enregistrement est le résultat le plus près possible d’une improvisation totale.

Fluctuat: Le résultat esthétique de Télépathie est beaucoup plus «calme» que la plupart de vos travaux respectifs en solo. A quel moment de votre travail le choix de cette sensibilité moins bruitiste s’est-il imposé?

Diane Labrosse: Ca devait appartenir à une belle soirée d’avril. Avec une petite brise printanière. Ou bien on s’était tous les deux défoncés musicalement et décibellement ailleurs et on avait envie de calme ce soir là.

a_dontigny: Le résultat est tel, non pas parce que c’est une décision préméditée, non pas parce qu’il y avait un quelconque concept directeur, mais bien parce que Diane (tel qu’elle est) et moi (tel que je suis) ressentions ce présent-là de cette manière. Nous avons a posteriori nommé cette rencontre Télépathie justement pour souligner à quel point nous étions nous-même surpris par la cohésion et l’équilibre de l’ensemble, tout comme de l’étendue de nos affinités.

Fluctuat: Avec quel type de matériel travaillez-vous en concert?

Diane Labrosse: J’utilise simplement un échantillonneur et je travaille le bruitisme et les effets.

a_dontigny: C’est toujours en rapport direct avec le projet. Avec Érick d’Orion (morceaux_de_machines) c’est toujours le plus «cru» possible - ordinateurs, oscillateurs, feedbacks, lecteurs CD. Pour Napalm Jazz (avec Érick et le saxophoniste Philémon et presque toujours un invité différent) c’est une tendance plus «analogique» - tables-tournantes, synthétiseur pour enfant, vieux effets de guitare électrique.

Pour ce concert avec Diane - et aussi à Mutek en mai dernier - j’ai utilisé mon gros IBM beige, le shareware Audiomulch et les freeware de IXI.

Je n’ai jamais été tenté par les «grosses pointures» (du type Max/Msp). Ma musique ne dépend pas des plugins que j’utilise mais de ma capacité de tirer la plus large palette sonore possible d’une instrumentation adaptée à la situation. Que ce soit un lecteur CD branché dans une distorsion de guitare, un lecteur de cassette et un vieux synthétiseur, le studio de ma radio communautaire ou un micro dans ma bouche. C’est le compositeur/l’interprète qui doit performer, pas l’algorithme.

Fluctuat: Est-ce que pour un concert de ce type, au-delà de la qualité du matériel de diffusion et de ce que l’on peut entendre sur le disque, vous avez travaillé sur la spatialisation de vos compositions? Si non, est-ce que ce type de recherche vous intéresse?

Diane Labrosse: Je pense que nous travaillons tous les 2 beaucoup sur la spatialisation «live». Donc, sans concertation, il peut arriver beaucoup de choses surprenantes, complémentaires comme en opposition. J’aime beaucoup ce que la spatialisation permet. J’ai d’ailleurs fait un projet avec 3 confrères français (Xavier Charles, Jean-Christophe Camps et Carole Rieussec) et mon collaborateur de longue date (Martin Tétreault) au Festival International de Musique Actuelle de Victoriaville en mai dernier. Une installation sonore de 10 hauts-parleurs en pourtour de salle avec musiciens au centre et public entre les musiciens et les hauts-parleurs. Ça donnait des résultats étonnants.

a_dontigny: Dans le cas de Télépathie, non. Mais cette recherche m’intéresse: En plus du récent enthousiasme pour le Montréal-electronica (Mutek, Montréal Electronic Groove, l’arrivée des bureaux nord-américains de Ninja Tune et de Force Inc.), la tradition de musique-concrète est, depuis les années 80, très vivante à Montréal avec les Dhomont, Normandeau et Daoust qui enseignent et produisent des concerts. Il y a trois importantes institutions électroacoustiques basées à Montréal: l’Association pour la création et la recherche électroacoustiques du Québec (ACREQ) qui organise le festival Elektra, l’étiquette de disque empreintes DIGITALes et la société de concert Réseaux. Réseaux organise des concerts acousmatiques depuis 10 ans, les «Rien à voir». Depuis plusieurs années, il y a deux séries de concerts par saison, avec tous les visiteurs de marque que cela implique (Parmegiani, Smalley, Oswald, Parmerud, Harrison, Bayle). Depuis décembre 2001, No Type organise une partie des événements «Rien à voir», particulièrement une série de concerts «off» qui donnent aux jeunes compositeurs d’electronica, de bruitisme et d’improvisation la chance de diffuser leurs compositions sur acousmonium.

Fluctuat: Pour nos lecteurs, majoritairement français, vous pouvez nous parler de la Casa del Popolo, le lieu d’enregistrement de ce concert? Il accueille souvent ce type de performance?

a_dontigny: Oui, beaucoup! À la fois restaurant végétarien, petite salle de concert et bar, la Casa del Popolo a été fondée en 2000 par Mauro Pezzente (du groupe Godspeed You! Black Emperor) et sa partenaire Kiva Stimac. Dès sa création, il était clair que la Casa servirait de podium pour les scènes alternatives les moins bien représentées de Montréal (spoken word, folk-post-rock, free-jazz, etc.). La Casa devint rapidement le plus important nexus de toutes les musiques marginales de la ville, avec un festival international annuel maintenant dans sa deuxième année (Suoni Per Il Popolo - pour lequel beaucoup de musiciens de free se déplacent; on y a vu Peter Brotzmann, Evan Parker, William Parker, les sœurs Zeena et Andrea Parkins, Gerry Hemingway et tant d’autres!).

Diane Labrosse: La Casa del Popolo est un lieu très particulier qui a vraiment redonné une vie aux musiques actuelle et improvisée à Montréal. Je l’explique du fait qu’il y ait des concerts à tous les soirs, et qu’il y ait aussi une grande variété de genres musicaux et de musiciens(nes); en plus, les prix d’entrées sont raisonnables. Bien que ce soit petit comme place, on y voit même des artistes internationaux de passage à Montréal.

Fluctuat: Comment pouvez-vous qualifier le public montréalais? Il s’agit de spécialistes ou bien cette musique réussit à percer chez des amateurs aux sensibilités moins pointues?

Diane Labrosse: Je trouve qu’il y a présentement un rajeunissement et une ouverture du public au Québec. Et ceci contribue à la vitalité de la musique actuelle et improvisée ici. Beaucoup de jeunes musiciens curieux et créatifs s’inventent des instruments, se fabriquent des machines et cela favorise le développement de la musique bruitiste et électronique. La musique d’invention!

a_dontigny: Le public montréalais est comme tous les publics, borné et enthousiaste à la fois. Imprévisible dans ses coups de cœur mais aussi très souvent aiguillé par les médias de masse. Par contre, c’est surtout que la vie à Montréal est assez différente de partout en Amérique du nord. Il n’y a pas de paranoïa anti-drogue, pas de paranoïa patriotique, il y a peu de violences ethniques, le coût de la vie y est encore plus pas que presque partout au Canada, ce qui explique sûrement pourquoi tant d’artistes américains et canadiens, toutes tendances confondues, s’y retrouvent.

Fluctuat: Votre disque est l’un des nombreux exemples de collaborations et recoupements d’influences qui semblent se multiplier de votre côté de l’Atlantique. En fait, vu d’ici, la scène montréalaise semble très soudée, comme si il ne s’agissait que d’un seul gigantesque collectif. Personne ne déteste donc personne?

Diane Labrosse: Elle est bien bonne celle-là! Oui, effectivement il y a une forte notion de «collectif» mais je pense que c’est le style de musique et le fait que cette musique ne rejoigne quand même pas la majorité des gens qui favorise cela. Cela crée une sorte de confrérie de musiciens et d’auditeurs. D’ailleurs on fonctionne souvent dans une sorte de géométrie variable et d’interchangeabilité!

a_dontigny: Oh, il y a bien toutes les petites chicanes habituelles entre artistes, mais c’est surtout entre producteurs que c’est plus délicat. Les ventes de CD sont globalement basses, les salles de spectacles disponibles pour la nouvelle musique sont peu nombreuses… Même dans les segments plus marginaux de l’industrie, il y a toujours une certaine diplomatie obligatoire, mais dans le cas de No Type, nous avons la chance d’être à la fois sarcastiques et incompris!

Fluctuat: Comment est-ce que vous ressentez, et plus généralement les musiciens «indépendants» canadiens, la proximité géographique avec les Etats-Unis? Les majors vous semblent-elles avoir une influence importante sur la création musicale?

Diane Labrosse: Tout d’abord, Les musiciens «canadiens» sont très différents des musiciens québécois. Eh oui! C’est la pure vérité. Les canadiens sont certainement plus proches des américains because la langue, of course! - et donc certainement plus influencés par cette culture. Et la musique de création (improvisée ou non) est à des années lumières des majors de tout acabit! Et c’est bien tant mieux! Les américains, et les majors influencent les gens qui recherchent le succès, la vente de million de cd, le vedettariat!!! Les musiciens québécois que je connais sont tout à fait affranchis de la culture américaine, ne la recherche pas du tout et même la conteste!

a_dontigny: La proximité et l’influence sont deux problématiques distinctes. Géographiquement, les villes canadiennes sont assez éloignées l’une de l’autre pour que, dans la plupart des cas, il soit plus simple à un musicien canadien de se produire dans une ville américaine que dans la ville canadienne la plus proche. Un exemple simple serait la scène techno qui s’est constituée dans la ville de Détroit (Michigan) constituée en partie de canadiens de Windsor (Ontario), le plus connu d’entre eux étant Richie “Plastikman” Hawtin. Pour ce qui est de l’influence des majors, je la discerne surtout dans la production. J’oserais même affirmer que, présentement, les producteurs hip-hop des majors sont une source d’inspiration «technique» très importante. Je pense à Timbaland, par exemple, qui a frappé l’ouïe de tout ceux qui produisent de la musique électronique; il a créé un impact pop très fort avec des moyens techniques accessibles pour beaucoup. J’ajouterais que la scène a été réchauffée par le phénomène du «bootlegging» (ces remix maison non-autorisés) et les travaux d’échantillonnage plus largement diffusés des Kid 606, Akufen…

J’ai personnellement été beaucoup plus influencé par les Marclay, Tétreault, Ground Zero et consorts, mais dans une perspective beaucoup plus large je dirais que le hip-hop est ce qui fait évoluer le plus la production ces temps-ci — un peu comme la vague du heavy rock a fait évoluer l’équipement de studio dans les années 80.

Fluctuat: Aimé, de ton côté, tu participes activement au net-label No Type depuis sa création. Est-ce l’un et l’autre vous pensez que la diffusion gratuite en ligne est une alternative viable à l’omniprésence médiatique de l’industrie du disque?

Diane Labrosse: Ça peut peut-être faire connaître des musiques qui autrement resteraient dans l’ombre. Mais ça n’enrichit certainement pas les compositeurs et créateurs qui font des disques à leurs frais.

a_dontigny: Hum, j’ai quelques difficultés avec la formulation de la question mais je vais essayer d’être clair.

Je n’ai jamais considéré l’édition en ligne comme une alternative. C’est une forme de diffusion, comme la radio ou les supports physiques. Présentement, internet est légèrement plus accessible que la plupart des supports physiques mais cela peut changer d’ici peu. Je ne serais pas surpris que la diffusion internet soit éventuellement si réglementée (comme la télévision, par exemple) qu’il soit de nouveau plus simple pour les musiciens de publier un CD ou une cassette audio plutôt que d’offrir des fichiers au téléchargement public.

La seule alternative à l’omniprésence médiatique des majors serait d’avoir nous aussi des millions de dollars US à dépenser. Mais c’est impossible. Il coûte plus cher de promouvoir un CD que de le fabriquer. Les publicités dans les journaux sont hors de prix, beaucoup de magazines requièrent l’achat de publicités pour que les albums y soit critiqués, etc. C’est pourquoi les zines, les émissions de radio étudiantes ou communautaires (ou pirates!) mais surtout les concerts et les tournées sont encore les seules façons de rejoindre le public.

Une dernière chose. Je n’ai jamais supporté les fourre-tout de type mp3.com. Je considère personnellement qu’une certaine finalité dans la présentation est une forme de respect envers le public. Nous avons dit de No Type, à sa création en 98, que c’était un «net-label» justement pour souligner qu’on y proposait des «albums», des projets finis que l’artiste offrait avec une intention de réalisation égale à celle des productions professionnelles — ou, si l’artiste optait une structure mouvante, une assurance de soins dans la réalisation; par exemple: les Variants de Tomas Jirku, où les pièces proposées changeaient de jour en jour. Nous n’avons jamais dilué nos objectifs artistiques. Et ces objectifs ne sont pas principalement esthétiques mais essentiellement politiques. C’est pourquoi ces multiples genres musicaux cohabitent effrontément sur No Type.

Fluctuat: Je vois sur la pochette de votre disque qu’il a reçu le soutien de la SODEC. Est-ce que les instances culturelles vous paraissent soutenir suffisamment vos recherches?

Diane Labrosse: La SODEC apporte une «participation» à la mise en marché que nous ne négligeons pas. Il y a aussi les Conseils des Arts du Canada et du Québec qui apportent régulièrement leur soutien à l’enregistrement, à la production et aux tournées. Ceci est pour nous indispensable et permet de tenir le coup!

a_dontigny: C’est l’ensemble de nos productions québécoises (empreintes DIGITALes et No Type réunis) qui ont reçu du soutient de la SODEC. Ce n’est qu’une goutte face aux dépenses de production et de promotion. Les politiques culturelles au Québec ont des objectifs qui peuvent sembler satisfaisants mais leur budget est si anémique… Cela fait plus de 40 ans qu’il a été recommandé de hausser l’aide culturelle pour qu’elle représente 1% du budget global de la province et ce ne fut jamais atteint.

Fluctuat: Pour finir, vous pouvez nous parler de vos projets, à court ou long terme?

Diane Labrosse: Comme je disais j’ai fait un projet avec ce quintet ad hoc qui a présenté un très bon concert à Victoriaville. Nous espérons remettre ça en Europe en 2004, en France et en Suisse peut-être. Par ailleurs j’ai un duo avec Martin Tétreault (tourne-disques) qui tourne régulièrement. Nous allons au Japon en novembre, en Australie en février. J’ai aussi des concerts avec le trio Les Poules (Joane Hétu, Danielle Palardy Roger). Nous revenons de la Californie et serons en Espagne le mois prochain. Cette année je veux faire un disque en solo et je suis en train d’écrire la musique pour un quintet autour de la thématique animale.

A long terme, bien vivre avec mon amoureux, bien bouffer avec les amis, faire beaucoup de musique, jouer plus d’accordéon, aller plus souvent à la campagne, boire du bon vin. Bon, ça va, j’arrête!

a_ dontigny: Je consacre mon temps principalement à trois projets. Mon duo avec Érick d’Orion, morceaux_de_machines. Notre deuxième CD, Estrapade, sera publié sur No Type en février 04. Nous serons également en spectacle avec Martin Tétreault et Otomo Yoshihide à la fin de ce mois-ci. Je suis aussi le commissaire d’une petite section de No Type, Sine Fiction. C’est une série d’adaptation musicale de classiques de la science-fiction: http://www.notype.com/sine/. Mais ce qui me procure beaucoup de plaisir depuis cet été est de jouer régulièrement avec le compositeur Paul Dolden. Nous nous réunissons chez moi deux fois par mois pour improviser cordes versus ordinateur (Paul est un très bon instrumentiste - guitare électrique, violoncelle, violon).

Mutek 2003 review

Schepper, Grooves, no. 11, August 1, 2003

As in previous years, the range of artists and genres represented at Mutek 2003 was considerable. With over 70 artists from around the world appearing, one had the opportunity to see ‘marquee’ acts like Pole, Coil, and Richie Hawtin, as well as uncompromising artists like Pita, Kevin Drumm, and T. Raumschmiere. Unlike past Muteks, DJ sets were almost entirely absent at this year’s festival (although, for the record, past DJ sets had often been used to bridge the gaps between non-DJ performances). And, in comparison to last year’s ambitious potpourri of concerts, panel discussions, films, and design displays, the 2003 incarnation limited itself to concerts and panel discussions, with seven of the latter. In short, this year felt like a satisfying consolidation of past festivals’ strengths instead of grandiose risk-taking.

There were label showcases by Mego, No Type, and Minus/Plus 8, and sets of dubby microhouse from EGG (Julien Roy and Guillaume Coutu-Dumont), smooth minimal techhouse from Robin Judge and Jeff Milligan (aka Algorithm and Revolver label head), hard-hitting minimal techno by Ototo (Dimitri and Filip), Jeremy Caulfield, and Matthew Dear (aka False), the latter’s music evoking classic Chain Reaction stylings in its treble and bass detailing. Drone and ambient musics were presented, the most notable instance being the appearance by Thomas Köner and Asmus Tietchens (performing as Kontakt Der Jünglinge) who sculpted a slowly unfurling glacial soundscape. Other artists in this genre included Gary Joynes (aka Clinker), who built a singular drone-like piece of slowly metamorphosing waves, and [sic] (Jen Morris), who created ghostly dronescapes against a diptych backdrop of enigmatic photographs. Electroacoustic sets were offered by the nuanced Coin Gutter (Graeme Scott and Michael Hendrix) and sampling artist Diane Labrosse and Aimé Dontigny, whose collaboration resulted in a tactile, improvisatory dialogue. Set Fire to Flames’ member Christof Migone generated a 45-minute stream of body-generated scraping and whirring sounds accompanied by a video triptych that showed a gaping mouth at left, what appeared in the middle to be a tomato encased within a block of ice lodged within a salivating mouth, and, at right, the nighttime silhouette of a cityscape and bridge. There were infectious jazz-inflected funkhouse from Cobblestone Jazz and celebratory Latin techhouse by Mambotur. Chicago-based Telefon Tel Aviv (Joshua Eustis and Charles Cooper) presented a heavy microdub funk of chiming synths and massive bass drum and snare patterns. But, overall, the most memorable performances were turned in by veterans like Pole, Coil, Richie Hawtin, Monolake, and Señor Coconut.

In a Saturday afternoon performance that paid tribute to turntable pioneer Raymond Gervais, four turntable titans — Philip Jeck, Marina Rosenfeld, Martin Tétreault, and Martin Ng — provided an hypnotic set that included extended group collaboration as well as individual spotlights. Ostensibly, the proceedings were directed by Tétreault but his was certainly a benign dictatorship; if anything, the pieces often evolved with the others responding to Jeck’s looping grounds. They began by constructing a beautifully measured collage of scraping and scratching sounds amidst ghostly strains of melody. Immediately following this auspicious beginning, they created an equally effective second piece of whistling tones and bell-like percussion effects. While the concert predominantly featured the four playing together, there were brief duos, trios, and solos. Naturally, as is to be expected in an improvisatory setting, some tentative moments emerged when it seemed as if each of the four was waiting for someone to take the lead, but these registered as not unwelcome moments of brief stillness. Each took solo turns: Jeck, using two turntables, one for 12 inch lps and the other for 45s, drowned the sitar from Stoked in showers of surface noise; Rosenfeld’s solo offered a turntable adagio of sorts filled with treble glissandoes, looped crackling patterns, and phantom melodies; Tétreault’s initial musical quotation was gradually buried under huge slabs of static and hiss, his turn ending with furious scratching and a physical attack on his lps; finally, Ng’s solo impressed less as an exercise in musicality and more as one of physical athleticism. To close, the four collaborated upon a carefully sculpted elegiac piece. In sum, this session was engrossing and nuanced—a demonstration of sensitive listening and collaboration by its participants.

Electroacoustic sets were offered by the nuanced Coin Gutter and sampling artist Diane Labrosse and Aimé Dontigny, whose collaboration resulted in a tactile, improvisatory dialogue.