electrocd

Francis Dhomont

L’électroacoustique sur orbite [7]

Francis Dhomont, Circuit, no. 3:1, March 1, 1992

Yves Daoust, Anecdotes: Suite baroque (Toccata, «Qu’ai-je entendu?», Les «Agrémens», L’Extase), Catherine Perrin, clavecin; Petite musique sentimentale, Jacques Drouin, piano; Adagio, Lise Daoust, flûte; L’entrevue, Joseph Petric, accordéon; Quatuor, pour bande seule.

Paradoxale, la personnalité de ce compositeur qui ne manque pas une occasion d’affirmer son attachement à l’orthodoxie de la musique concrète mais qui choisit, pour ce CD empreintes DIGITALes qui lui est consacré, un cycle de quatre œuvres mixtes (c’est-à-dire pour instruments solistes — cf le thème de la solitude — et bande) sur les cinq qui y figurent! Révélateurs, également, ses titres qui font appel à la terminologie instrumentale: suite, toccata, adagio, quatuor! On n’a pas oublié non plus valse, la gamme ou mi bémol.

Faut-il y voir, comme le suggère Yves Daoust lui-même, quelque nostalgie à l’égard de la tradition? Ou, comme chez Michel Chion, le désir, inconscient peut-être, de rappeler à un auditoire encore trop souvent sceptique la réalité musicale de ce nouvel art des sons? Ou plutôt une tentative pour réunir dans un même geste, mois parallèlement, les souvenirs d’une sage formation au conservatoire et ceux d’une folle rencontre de l’électroacoustique avec le langage narratif du cinéma? Un peu de tout cela, probablement.

Quoi qu’il en soit, la nostalgie est là. Discrète ou provocatrice, plus mélancolique que tragique, elle imprègne l’ensemble de ces pièces, même lorsqu’elle se dissimule derrière le sourire et la dérision. On y devine une intimité complice avec un monde en voie de disparition, une sorte d’adieu lointain à une culture poussée vers l’oubli par des mutations inexorables, comme une mémoire en lambeaux; et ceci explique peut-être, en le légitimant, cet «usage immodéré de la citation» (Daoust). Confrontation de deux univers apparemment antinomiques, l’un recouvrant l’autre sous les vagues d’une irrésistible marée. Bataille perdue, sans doute, mais on sait bien que «les chants désespérés sont les chants les plus beaux».

On découvre, à l’écoute de ces cinq œuvres, la permanence d’un style et d’un climat que Daoust avait déjà habilement résumés dans son électro-clip, Mi bémol. Parfois un peu systématique, la symbolique en est évidente dans les œuvres mixtes où l’instrument et une tumultueuse contemporanéité se côtoient en s’ignorant, dialoguent en se coupant mutuellement la parole (parti pris tout à fait clair dans Petite musique sentimentale, Adagio et L’entrevue). Du passé ferons-nous table rase? semble demander le compositeur. Ne mérite-t-il pas un dernier regard avant de disparaître à jamais? L’attitude se situe, on le voit, dans la mauvance posimoderniste mais la cohérence des intentions et l’habileté de la réalisation l’empêchent presque toujours de tomber dans le piège de la surenchère ornementale.

Et d’ailleurs le titre, Anecdotes, annonce d’entrée de jeu la couleur que l’auteur prend soin d’expliciter dans le livret: «[…] une tradition qui s’éteint, qui perd graduellement, dans le contexte de notre civilisation mass-médiatique, toute signification, se désagrège, se banalise, devient anecdotique.»

Applaudissons au passage le souci de concept thématique et de construction présent dans chacun des disques de la marque empreintes DIGITALes. Ici la triade Tradition/Nostalgie/Solitude. Très dynamique, aussi, cette idée de cimenter quatre œuvres en les reliant l’une à l’autre par chacun des mouvements d’une cinquième, la Suite baroque.

Dans cette dernière pièce, hommage humoristique aux arcanes d’un style très en vogue aujourd’hui, le talent de la claveciniste Catherine Perrin se double de celui de la comédienne, en particulier dans Les «Agrémens» où le choix des interventions parlées fait par le compositeur et l’invention du montage sont spécialement réussis.

Petite musique sentimentale, pour sa part, est probablement, avec L’entrevue, l’un des moments où solipsisme et vague à l’âme sant le plus saisissants. Les emprunts à Satie n’y sont certes pas étrangers, ni la vive sensibilité du pianiste Jacques Drouin. Musique potentielle, fragmentaire, en «standby,» où rien ne sera jamais achevé; musique de l’attente et du non-dit.

Dans Adagio, c’est le caractère brillant de l’instrument — très musicalement mis en scène par la flûtiste Lise Daoust — et de l’époque (XVIIIe - XIXe siècles) qui est exploré. Plus extravertie que les autres, cette pièce fait un usage un peu abusif d’emprunts au répertoire de la flûte et n’évite pas, malgré l’adresse du mixage, les risques inhérents au pastiche et au collage; les éléments perturbateurs (trafic, brouhaha, sonneries et autres scories de l’environnement moderne), trop hétérogènes, perdent leur pouvoir de suggestion et paraissent alors un peu convenus.

Avec L’entrevue, nous retrouvons le mystère et la force évocatrice de Petite musique sentimentale, mais, en quelque sorte, «élevée à la puissance.» Le caractère nostalgique de l’accordéon, confondu avec le souffle même de celui qui le fait respirer, y contribue assurément, ainsi que le jeu tout en nuances de l’interprète, Joseph Petric. L’utilisation de sa voix et des éléments textuels qui «contrepointent» les bouffées instrumentales, leurs divers «tuilages» mises en perspective, colorations, variations morphologiques sont autant d’objets sonores sans cesse renouvelés. C’est ovec cette entrevue-confrontation de deux différences que le discours instrumenial, émergeant de ce tissu langagier, prend toute sa dimension salutaire. Il n’est pas sans signification symbolique que le texte, ici, soit en anglais.

Reste Quatuor. J’ai envie de dire «pour la bonne bouche.» Non parce que je sous-estime les œuvres mixtes, on s’en sera rendu compte, mais parce que cette pièce, dans sa version acousmatique, réunit toutes les qualités précédentes à l’intérieur d’une exigence et d’une abstraction qui me semblent plus riches. Elle demeure, elle aussi, tout entière attachée au monde instrumental mais le transcende en repoussant plus loin ses limites. Aucun clin d’œil (ou tellement dilué!), aucun cliché, une adroite intégration des appuis référentiels, une marche à grandes enjambées où l’anecdote perd un peu ses droits, un phrasé généreux et, déjà (1979), ce regret évoqué d’une beauté peut-être perdue…

Yves Daoust, musicien de l’inquiétude discrète plante les décors sonores d’un monde qui est le notre, surexposé, bruyant, menacé d’entropie dans lequel il se cache pour y fredonner des airs d’autrefois et se «dépêche d’en rire avant d’avoir à en pleurer».

Quant à la qualité technique du disque et à la présentation des œuvres, elles sont, comme toujours pour ce label, irréprochables.

Yves Daoust, musicien de l’inquiétude discrète plante les décors sonores d’un monde qui est le notre, surexposé, bruyant, menacé d’entropie…

L’électroacoustique sur orbite [6]

Francis Dhomont, Circuit, no. 3:1, March 1, 1992

Daniel Scheidt, Action / Réaction: Obeying the Laws of Physics, Trevor Tureski, percussion; A Digital Eclogue, Claude Schryer, clarinette et clarinette basse; Stories Told, texte de Robin Dawes, Catherine Lewis, soprano; Norm ’n’ George, George Lewis, trombone; Squeeze, Lori Freedman, clarinette basse

Ce recueil nous propose cinq pièces mixtes et interactives. D’une façon générale, on peut dire que la tendance électroacoustique nord-américaine (Québec excepté) reste très attachée à la tradition instrumentale, c’est-à-dire des musiques plus grammaticales que morphologiques. Cette situation est particulièrement sensible dans beaucaup de musiques dites «interactives» où des instrumentistes vont «dialoguer» avec un système audio-numérique contrôlé par ordinateur qui capte et analyse des stimuli instrumentaux, puis y réagit en temps réel.

Lorsqu’on aborde ce domaine, il ne parait pas superflu de considérer sa philosophie. Por son goût de l’aléa et son refus de toute fixation, elle se situe à l’opposé de l’option acousmatique. En outre, c’est l’une des nombreuses manifestotions du retour en force de l’interprète auquel on assiste depuis une vingtaine d’années et de sa patiente revanche sur la «dictature» du compositeur darmstodtien. Sur cet état de choses et sur la soudaine humilité des compositeurs, il y aurait fort à dire. Mais cela est une autre histoire.

Et puis il y a l’interprète-simulacre: l’ordinateur. De façon superficielle, on peut voir dans cette délégation de pouvoirs à la machine par le compositeur, une fois qu’il l’a programmée, une forme d’abdication de ses choix compositionnels. Mais, plus symboliquement, on peut aussi considérer qu’insuffler son propre esprit à une matière inerte pour en faire un partenaire «animé,» (c’est-à-dire possédant une âme) s’inspire du geste prométhéen. Qu’est-ce en effet que la conception d’un logiciel sinon la transmission, à la mémoire d’un autre organisme, d’un savoir que l’on possède et des mécanismes qui le régissent? On trouvera d’ailleurs un signe révélateur de l’anthropomorphisme qui s’établit parfois entre l’homme et sa «créature» dans la présentation française de Squeeze: «Cette délicate exploration des hauteurs […] peut-on lire, demande une très grande concentration de la part de l’ordinateur.»

Parmi les multiples tentatives du genre, peu m’ont paru jusque alors concluantes. Le rôle de l’ordinateur y demeure souvent obscur pour l’auditeur et le tour de force technique provoque rarement chez lui l’extase artistique. Daniel Scheidt évite le piège. Les prouesses informatiques auxquelles il se livre ne sterilisent pas ses idées en les sacrifiant à une technicité gratuite. L’enregistrement en administre la preuve en «acousmatisant» l’écoute, c’est-à-dire en occultant le spectacle, car il met ainsi en évidence le seul contenu musical et en accentue les subtilités. Certaines matières sonnent un peu «brut de synthétiseur,» mais l’ensemble est à la fois fort et raffiné. Il va sans dire que la qualité des interprètes auxquels Scheidt s’est adressé pour ce jeu interactif personnalise chacune de ses pièces. S’il fallait n’en choisir qu’une, ce serait peut-être Stories Told pour l’ingéniosité du dialogue entre les événements sonores et les inflexions de la voix. Dans ce genre qui ne figure pourtant pas ou hit-parade de mes préférences, c’est une des meilleures expériences qu’il m’ait été donné d’entendre.

… c’est une des meilleures expériences qu’il m’ait été donné d’entendre.

L’électroacoustique sur orbite [5]

Francis Dhomont, Circuit, no. 3:1, March 1, 1992

Électro clips, 25 instantanés électroacoustiques.

Au départ une excellente idée et un défi: commander vingt-cinq miniatures électroacoustiques de trois minutes exactement à vingt-cinq compositeurs d’Amérique du Nord et du Mexique. Pari gagné. Bien sûr, ces micro-compositions ne sont pas toutes d’égale valeur mais leur parcours est très vivant et donne une excellente idée des actuelles tendances canadiennes, sinon américaines. Si la personnalité des compositeurs n’est pas toujours clairement révélée par ces instantanés (n’est pas japonais qui veut, tel qui excelle dans l’épopée échoue dans le haïku), beaucoup néanmoins ont su aller très vite à l’essentiel.

On se doute qu’il ne saurait être question, dans les limites de cet article, de consacrer à chacun la place qui lui revient, mais peut-être, après tout, qu’en toute insolence confraternelle… À œuvres-flashes, portraits-express: 1) Michel A Smith: rigolard et bien portant. 2) Craig Harris: piano fantôme. 3) Jean-François Denis: subtile histoire d’un tremblement. 4) John Oswald ou l’échantillonneur bien tempéré. 5) Yves Daoust: résumé des chapitres précédents. Bien joué! 6) Claude Schryer: à l’écoute du monde ou de ce qu’il en reste. 7) Martin Gotfrit: presque riens et chuchotements doux d’une machine onirique. 8) John Oliver: l’envers des funérailles. 9) Zack Settel: fascination et sortilèges des fonctions de transfert. 10) Stéphane Roy, un musicien du tressaillement intérieur, 11) Daniel Scheidt: charmes cagiens d’une construction en abime. 12) Bruno Degazio: le fractal lambda 0,900 - 0,901534 a encore frappé! 13) Richard Truhlar: pauvre Baudrillard! 14) Gilles Gobeil: description d’un combat (relire Kafka) ou Gobeil tel qu’en lui-même. 15) Robert Normandeau: «Kinderszenen,» terreurs pour rire et comptine très tendre. 16) Laurie Radford: le mal des profondeurs. 17) Calon-Schryer: le «tube» de l’année. 18) Hildegard Westerkamp: «The big sleep.» 19) Amnon Wolman: sous des ponts pavés de bonnes intentions. 20) Francis Dhomont: autocensuré. 21) Roxanne Turcotte: sueurs froides. 22) Christian Calon pose la question libertaire. 23) Dan Lander ou la fraîcheur du retour aux sources. 24) Javier Álvarez: un morceau en mille morceaux. 25) Charles Amirkhanian répond à la question libertaire. Avec toutes mes excuses à ceux qui ne possèdent pas ce disque compact (une raison supplémentaire pour eux de se le procurer).

Pari gagné.

L’électroacoustique sur orbite [4]

Francis Dhomont, Circuit, no. 3:1, March 1, 1992

Alain Thibault Volt: Concerto pour piano MIDI, Jacques Drouin, piano; Le soleil et l’acier, Pauline Vaillancourt, soprano; OUT; ELVIS (Électro-lux, vertige illimité synthétique) Quatuor de saxophones de Montréal, arrangement de Walter Boudreau

La réponse nord-américaine aux deux disques précédents, qui s’inscrivent plutôt dans la mouvance électrocacoustique européenne, est apportée par Volt, le disque compact d’Alain Thibault. Avec ces œuvres, nous nous tournons résolument vers les musiques mixtes, multi-média et/ou pour instruments MIDI. Certes, je me sens moins à l’aise ici, le domaine de Thibault étant mitoyen de l’esthétique rock qui n’entre pas précisément dans le champ de mes compétences. Je me garderai donc de porter un jugement sur ces pièces en les considérant du point de vue des musiques populaires. En revanche, je m’interroge sur la validité de tels métissages dont je ne suis pas sûr, en dépit d’une mythologie très en vogue, qu’ils apportent à la musique contemporaine en crise d’identité la panacée qu’elle recherche. Mais d’autres ne partagent pas ce doute et pensent que le salut viendra de la «pèriphèrie». Réponse dans quelques décennies.

Des cinq œuvres proposées, OUT, la plus juvénile, reste à mon sens la plus inventive et la plus audacieuse. Est-ce parce qu’elle choisit sans fausse pudeur l’univers populaire du «space opera» dans lequel le compositeur se sent, de toute évidence comme un poisson dans l’eau? Ou parce que l’efficacité du son et de ses traitements atteste une enviable maîtrise des moyens du studio? Qu’importe, le courant passe. Je n’en dirai pas autant des autres pièces, bien que le Concerto pour piano MIDI, œuvre inégale, contienne des moments assez prometteurs. Il n’en demeure pas moins qu’Alain Thibault est un compositeur doué et très professionnel; il lui reste à occuper un terrain qui soit vraiment le sien.

… l’efficacité du son et de ses traitements atteste une enviable maîtrise des moyens du studio.

L’électroacoustique sur orbite [3]

Francis Dhomont, Circuit, no. 3:1, March 1, 1992

Robert Normandeau: Lieux inouïs: Jeu, Mémoires vives, Rumeurs (Place de Ransbeck), Matrechka, Le cap de la tourmente.

Ce deuxième disque est consacré à un autre acousmate convaincu et convaincant qui a le bon goût de revendiquer son choix et dont le talent ne cesse de s’affirmer. Chez Robert Normandeau, le souci de la syntaxe est évident en dépit — ou peut-être à cause — de la complexité de son vocabulaire. Je pense notomment à Jeu et à Rumeurs (Place de Ransbeck) (ainsi qu’à La chambre blanche, absente sur le disque) qui articulent avec virtuosité, selon une dialectique permanence/variation, un abondant corpus sonore d’éléments contrastés ou récurrents qui renouvellent sans cesse le discours tout en lui conservant une solide cohérence. Mémoires vives, comme La disparition de Calon, puise dans le réservoir des musiques du passé la plupart de ses éléments constitutifs. Elle est ainsi plus accessible, étant plus reconnaissable mais ce n’est peut-être pas une bonne raison. Néanmoins ne boudons pas notre plaisir, le son y est d’une telle qualité et le lyrismé si persuasif qu’on aurait tort de chipoter. Matrechka et Le cap de la tourmente appartiennent à une première manière, moins maîtrisée mais généreuse (dont on retrouve des traces dans Mémoires vives), très révélatrice d’une personnalité qui refuse de rester unidimensionnelle. Une oreille aux aguets, un style robuste, une pensée chaleuleuse très bien servie par une habileté technique qui sait se faire oublier. À écouter d’urgence.

Une oreille aux aguets, un style robuste, une pensée chaleuleuse très bien servie par une habileté technique qui sait se faire oublier. À écouter d’urgence.

L’électroacoustique sur orbite [2]

Francis Dhomont, Circuit, no. 3:1, March 1, 1992

Christian Calon: Ligne de vie: récits électriques: Portrait d’un visiteur, La disparition, Minuit.

Premier en date de la série, ce triptyque acousmatique regroupe les œuvres majeures du compositeur, trois narrations sonores à la fois expressionnistes et intimes que je ne peux m’empécher d’entendre (comprendre?) comme trois échos d’un même monologue intérieur. Certes, La disparition, plus que Portrait d’un visiteur et Minuit qui l’encadrent, paraît tendre l’oreille à d’autres voix venues du temps et de l’espace; c’est, en tout cas, ce qu’affirme l’auteur. Ces emprunts à l’avant et à l’ailleurs confèrent à la pièce un parfum postmoderniste qui, pour beaucoup, n’est sans doute pas étranger à sa séduction. Je demeure pour ma part convaincu que la force et l’émotion de cette pièce sont enfouies plus profondément, dans les doutes et les hésitations, peut-être, plus révélateurs d’une sincérité qui s’interroge. Car ces «éléments» et ces «éclats» d’autrui ne sont que des prétextes Christian Calon en nourrit ses intuitions et leur prête sa langue, l’une des plus chatoyantes de la jeune école acousmatique montréalaise. Traversée d’anacoluthes et de «montages-catastrophes» (Bayle), elle prend appui sur le jaillissement de l’invention sonore et sur la ponctuation du phrasé pour atteindre parfois une grande intensité dramatique et devenir alors, dans une heureuse adéquation entre la forme et le fond, génératrice du musical. En résumé, trois témoignages d’un authentique tempérament de compositeur.

Christian Calon […] leur prête sa langue, l’une des plus chatoyantes de la jeune école acousmatique montréalaise.