Artists Cléo Palacio-Quintin

Constantly seeking new means of expression and eager to create, the flutist-improviser-composer Cléo Palacio-Quintin takes part in many premieres as well as improvisational multidisciplinary performances, and composes instrumental and electroacoustic music for various ensembles and media works. Since 1999, she extended these explorations into the development of the hyper-flutes. Interfaced to a computer and software by means of electronic sensors, these enhanced flutes enables her to compose novel interactive electroacoustic soundscapes and videos. Besides composing chamber music with electronics, she performs regularly as a soloist and improviser. Over the years her compositions have been performed in Belgium, Canada, Denmark, France, Italy, Norway, Sweden, Switzerland, The Netherlands, the UK and the USA, either by herself or various ensembles. She is the first women to own a Doctorate in electroacoustic composition (2012) from Université de Montréal. Active researcher at the Center for Interdisciplinary Research in Music Media and Technology (CIRMMT) at McGill University, she received the Director’s Interdisciplinary Excellence Prize 2008 in recognition of her having created an innovative bridge between scientific, technological and artistic domains. She was the composer in residence at the Chapelle historique du Bon-Pasteur in Montréal, from september 2009 to 2011. The Conseil québécois de la musique (CQM) awarded her the 2010-11 Prix Opus - Composer of the Year.

[viii-17]

Cléo Palacio-Quintin

Leuven (Belgium), 1971

Residence: Montréal (Québec)

  • Composer
  • Performer (hyper-flute)

cleopq@gmail.com

Associated Groups

On the Web

Cléo Palacio-Quintin, photo: Justine Latour, Montréal (Québec), September 2015
Cléo Palacio-Quintin, photo: Justine Latour, Montréal (Québec), September 2015
  • Ensemble SuperMusique, Bernard Falaise, Michel F Côté, Danielle Palardy Roger, Cléo Palacio-Quintin, Isabelle Duthoit, Jean Derome, Joane Hétu, photo: Céline Côté, April 29, 2018
  • Ensemble SuperMusique, Danielle Palardy Roger, Cléo Palacio-Quintin, Isabelle Duthoit, Jean Derome, photo: Céline Côté, April 29, 2018
  • Ensemble SuperMusique, Cléo Palacio-Quintin, Isabelle Duthoit, photo: Céline Côté, April 29, 2018
  • Cléo Palacio-Quintin, photo: Céline Côté, April 11, 2018
  • Cléo Palacio-Quintin, Philippe Lauzier, Cléo Palacio-Quintin, Philippe Lauzier, photo: Céline Côté, April 11, 2018
  • Cléo Palacio-Quintin, Philippe Lauzier, Cléo Palacio-Quintin, Philippe Lauzier, photo: Céline Côté, April 11, 2018
  • Ensemble SuperMusique during the public workshop, photo: Céline Côté, Montréal (Québec), May 7, 2017
  • Ensemble SuperMusique, during the public workshop, plays the piece Les états conducted by Joane Hétu, photo: Céline Côté, Montréal (Québec), May 7, 2017

Main Releases

Complements

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In the Press

  • Richard Simas, Musicworks, no. 109, March 1, 2011
    The story of my life is searching for the balance between how to work within the limits while continuing to expand possibilities

Articles Written

  • Cléo Palacio-Quintin, Circuit, no. 26:1, March 23, 2016
    … immergé dans des sonorités grandioses et lumineuses, plongé dans un état d’apesanteur à la fois déstabilisant et apaisant.
  • Cléo Palacio-Quintin, Circuit, November 27, 2014
    Toutes les interprétations et les enregistrements sont d’une qualité irréprochable et chaque œuvre nous révèle de purs moments de grâce.
  • Cléo Palacio-Quintin, Circuit, no. 23:2, October 9, 2013
    Ces musiques sont sans aucun doute porteuses d’une voix originale à découvrir, et à suivre…
  • Cléo Palacio-Quintin, Circuit, no. 23:2, October 9, 2013
    L’interprète est toujours en symbiose avec les extensions électroniques de son instrument qui dévoilent de multiples territoires sonores à explorer.

Nouveautés en bref

Cléo Palacio-Quintin, Circuit, no. 26:1, March 23, 2016

Établi à Montréal depuis 2001, le compositeur d’origine française signe ici sa première monographie en regroupant des œuvres électroacoustiques composées entre 2007 et 2010, dont une a été revisitée en 2014 à l’occasion de cette parution sur disque.

La musique de Georges Forget est intensément poétique et nous emmène naviguer sur les eaux troubles de l’âme humaine. Toujours en suspension, nous sentons le souffle et le cœur qui bat dans cette musique qui respire amplement, mais qui malgré cela, nous coupe le souffle par son intensité. Bien qu’elle soit empreinte de mélancolie et de fatalisme, voire parfois inspirée de thématiques sinistres (nuit, guerres, solitude), ce qui fascine le plus dans cette musique, c’est que l’auditeur se trouve toujours immergé dans des sonorités grandioses et lumineuses, plongé dans un état d’apesanteur à la fois déstabilisant et apaisant.

À travers six titres, Forget nous transporte de la noirceur resplendissante de la ville qui s’endort (Urban Adagio, 2010) au chant d’une enfant sur la plage et jusqu’en haute mer (L’appel, 2008), en passant par Une île (2009) aussi mystérieuse qu’une femme… Nous ne sommes pas étonnés que la majorité des notes du livret soient des textes poétiques ayant manifestement inspiré les compositions, comme cet extrait de Problèmes prosés de Wahed Gotref qui correspond si bien à l’esprit de l’œuvre Métal en bouche (2008):

Sans nous dérober à la vie, nous sommes-nous néanmoins jamais laissés entièrement aller à son onde, lâchés et souples, impassibles à demain? Pour nous qui n’avons jamais su rêver qu’au passé, demain fut toujours une menace. Et pendant ce temps, nous n’aurons fait que dérober aux choses un peu de leur éclat.

Dans Orages d’acier (2007), la forme est complexifiée par des juxtapositions de moments d’intensité violente et de moments que le compositeur qualifie de «longs espaces de vide», quoiqu’ils sont profondément habités et vivants. Sublimant ainsi, en musique, la violence et l’angoisse de la guerre, l’œuvre se termine sur un chant militaire parfaitement intégré. Charles Baudelaire embarque aussi dans cette odyssée musicale en étant cité dans le livret. L’œuvre révisée du programme, Seul et septembre (2008, rév. 2014), est accompagnée d’une citation de L’invitation au voyage de Charles Baudelaire, dont certains mots, à eux seuls, résument à merveille l’impression générale que nous laisse l’écoute de ce disque:

Là, tout n’est qu’ordre et beauté,
Luxe, calme et volupté.

… immergé dans des sonorités grandioses et lumineuses, plongé dans un état d’apesanteur à la fois déstabilisant et apaisant.

Critique

Cléo Palacio-Quintin, Circuit, November 27, 2014

Quatrième opus solo du compositeur québécois maintenant établi au Royaume-Uni, ce substantiel double CD regroupe cinq œuvres mixtes, composées par Pierre Alexandre Tremblay entre 2007 et 2013, dans lesquelles les solistes sont en constant dialogue avec les sons électroacoustiques. Incluant des traitements en direct et des sons fixés, les systèmes interactifs du compositeur donnent toujours corps à un discours vivant et naturel. Les excellents interprètes se fondent tous avec fluidité dans ses univers sonores audacieux et diversifiés pendant plus de 80 minutes de musique.

L’album débute par l’interprétation de la Canadienne Heather Roche, qui, avec sa clarinette basse, nous emporte dans quatre méditations raffinées sur nos «états métastables» dans La rupture inéluctable (2010-2011). Autant dans les passages plus dynamiques que dans les lentes mélopées, on ressent toujours la tension soutenue… l’impression d’être sur une ligne fragile… en extase au bord d’un précipice… près de 15 minutes avec l’impression de flotter béatement en apesanteur! Le tombeau des fondeurs (2008) met en valeur l’étrange son de cloche du piano Baschet-Malbos interprété par Sarah Nicolls. L’allégorie du fondeur de cloches est évocatrice, et tout comme lui, le compositeur sait «faire alliage, couler la forme, et peaufiner l’ébauche pour lui donner l’aura sonore rêvée», en amalgamant ses sons électroniques à ceux de ce piano particulier. L’œuvre, commandée par un des inventeurs de l’instrument, Pierre Malbos, rend un brillant hommage à «Messiaen, Stravinski, Varèse et autres fondeurs» à qui elle est dédiée. La plus récente composition Mono no aware (2013) clôt le premier CD avec un autre instrument inventé comme soliste, cette fois la table de Babel, interprétée par son concepteur québécois Jean-François Laporte qui a également commandé l’œuvre. Avec sa lente introduction plus sombre et plus posée — nous sommes bercés pendant plus de neuf minutes par de longues vagues, qui disparaissent alors pour revenir sporadiquement, transformées par diverses variations —, cette pièce au matériau limité expose clairement la maîtrise du compositeur de la grande forme. Il maintient notre attention pendant 17 minutes par la subtilité des textures qui colorent le parcours d’une grande ligne musicale presque monophonique.

Le deuxième disque met en scène un court opéra de chambre de 14 minutes pour une chanteuse. Cette histoire «d’attente en vain, d’espoir, de doute, d’impatience, de haine…», Still, Again (2012-2013), est tout en contraste avec une grande variété de sons fixés qui dialoguent énergiquement avec la voix. Cette magnifique voix chantée, parlée, onomatopée, parlée, hachurée est d’une grande versatilité et interprétée avec brio par la soprano Peyee Chen. Les sons de basse (d’une grande richesse timbrale) et de claviers, accompagnés de «glitch» nous transportent dans un univers qui évoque des genres musicaux populaires, intégrés ici avec intelligence et sophistication: du vrai travail d’orfèvre. La pianiste Sarah Nicolls clôt le programme au piano dans Un clou, son marteau, et le béton (2008-2009), œuvre qu’elle semble avoir commandée immédiatement après sa première collaboration avec le compositeur. Ici encore, Tremblay démontre la maîtrise de son art en maintenant l’intérêt de l’auditeur pendant plus de 22 minutes. La forme, beaucoup plus complexe, alterne entre des moments énergiques et de lentes progressions de basses, d’accords ou de trilles au piano. Les sons électroniques colorent toujours le tout avec tact et subtilité, qualités manifestes également dans le jeu de la pianiste.

Toutes les interprétations et les enregistrements sont d’une qualité irréprochable et chaque œuvre nous révèle de purs moments de grâce. En somme, ces musiques sont comme une grande marée qui nous emporte et dans laquelle nous souhaitons replonger à de multiples reprises.

Toutes les interprétations et les enregistrements sont d’une qualité irréprochable et chaque œuvre nous révèle de purs moments de grâce.

Critique

Cléo Palacio-Quintin, Circuit, no. 23:2, October 9, 2013

Ce premier disque monographique de la compositrice britannique Manuella Blackburn (1984) nous permet de découvrir six de ses œuvres composées entre 2007 et 2011, dont la plupart ont été finalistes ou primées à d’importants concours internationaux. On ne s’en étonne pas, à l’écoute de ces œuvres acousmatiques, empreintes d’une fraîcheur et d’une vitalité réjouissantes. Sa biographie nous informe que la compositrice, diplômée de la University of Manchester a également produit plusieurs œuvres pour instruments et électronique, ainsi que pour la danse. Elle fait aussi régulièrement des performances d’improvisation sur ordinateurs portables avec son duo The Splice Girls depuis 2006. Ces influences de la performance en direct sont probablement liées à l’impression de dynamique gestuelle bien présente dans toutes ces pièces réalisées en studio. On sent toujours le mouvement, le souffle, le phrasé… ces musiques respirent et coulent naturellement. Il y a quelque chose de sincère et de naturel dans les sonorités, souvent peu transformées, et qui ainsi conservent leur présence originale. Les formes sont effectivement bien audibles.

Vista Points (2009), entièrement composée à partir de sons de guitare électrique, est une œuvre résolument colorée, dont les contrastes entre les moments d’activité et les moments de vide sont parfaitement équilibrés. Switched on (2011) est un fabuleux montage de sons de commutateurs, cadrans et boutons enrobés de fourmillements électriques. Les sons courts «regroupés en grappes complexes, cascades et explosions» créent un monde ludique et animé. On a l’impression qu’Alice au pays des merveilles est entrée dans une boîte à musique! Le style imaginatif de la compositrice se laisse aussi bien entendre dans son exploration de sons captés à Tokyo, dont des enregistrements d’instruments traditionnels. Ces emprunts culturels sont savamment articulés par les stratégies créatives de la compositrice, développées à partir de la spectromorphologie de Denis Smalley. C’est également le langage spectromorphologique qui a alimenté la réflexion et le développement des procédés structurels de création de Kitchen Alchemy (2007), pièce dans laquelle les sons d’une panoplie d’ustensiles de cuisine et d’appareils électroménagers sont transformés en sonorités sophistiquées et dès lors méconnaissables. La pièce Cajón! nous entraîne dans une combinaison très réussie des sons de l’instrument espagnol du même nom, de claquements de mains (palmas de flamenco) et de textures bruitistes. Le résultat est décidément rythmique et enjoué, dans un élan gestuel qui se renouvelle constamment.

Le disque se termine sur Spectral Space (2008), œuvre inspirée des qualificatifs de l’espace spectral tel que décrit par Smalley. La présence de Denis Smalley se fait ici directement entendre. Les matières sonores sont toutes dérivées de fichiers sonores fournis par le compositeur, ceux-ci ayant préalablement servi à la création de sa pièce Wind Chimes en 1987. Les sons de carillons de céramique et autres sons métalliques d’origine avaient été transformés par Smalley à l’aide du système numérique du studio 123 au Groupe de recherche musicale (GRM) à Paris. Leur qualité sonore et leur clarté étaient remarquables malgré les limitations des outils de l’époque. Manuella Blackburn revisite élégamment ces matériaux en les disposant très habilement dans l’espace spectral. Le tout s’amalgame en couleurs chatoyantes. Malgré les matériaux très distincts utilisés dans chacune des œuvres, on reconnaît toujours aisément la touche de la compositrice. Ces musiques sont sans aucun doute porteuses d’une voix originale à découvrir, et à suivre…

Ces musiques sont sans aucun doute porteuses d’une voix originale à découvrir, et à suivre…

Critique

Cléo Palacio-Quintin, Circuit, no. 23:2, October 9, 2013

Interprète et compositrice, Terri Hron explore autant les sons acoustiques qu’électroniques dans des contextes de musiques écrites et improvisées. Ce deuxième disque, consacré à des créations pour flûtes à bec et électronique, fait suite à celui enregistré en 2008 à Banff avec Daniel Porter. Elle avait alors collaboré étroitement avec six compositeurs (Jim Altieri, Ronald Boersen, Peter Hannan, Juan Parra Cancino, Laurie Radford, Peter Swendsen) pour créer des œuvres pour ses flûtes à bec de divers formats, combinées avec des dispositifs informatiques interactifs. Elle récidive avec cette nouvelle cuvée, où elle a invité huit compositeurs à créer des œuvres pour diffusion électroacoustique sur huit canaux. Malgré le fait que ce soit toutes des œuvres solo, l’interprète considère plutôt qu’elle joue en trio, puisque le son acoustique des flûtes entre en relation avec celui des haut-parleurs et avec l’espace de diffusion. La réalisation actuelle du CD est admirablement mixée en stéréo par Amandine Pras du cirmmt, mais afin de mieux rendre cette notion d’espace, d’autres versions des enregistrements ont aussi été réalisées en format ambiophonique 5.1, format malheureusement encore difficile à distribuer. Trois des œuvres (LeBel, Miller et Matthusen) ont été présentées lors d’un concert live@CIRMMT à Montréal le 18 octobre 2012, sur un système complet de huit pistes qui est évidemment privilégié pour toute présentation en concert.

La flûtiste s’entoure ici d’une panoplie de compositeurs aux profils variés qui explorent donc différents aspects du jeu, allant de l’écriture précise à l’improvisation, et développent des systèmes de traitement audionumérique distincts. Plusieurs compositeurs sont à la fois instrumentistes et présents sur la scène new-yorkaise, soit Daniel Blake (saxophoniste et compositeur), Jorrit Dijkstra (saxophoniste et compositeur) et Elliot Sharp (compositeur et multi-instrumentiste), figure centrale de la scène de musique expérimentale de New York. Le réputé compositeur de musique électroacoustique Robert Normandeau est du nombre, ainsi que deux jeunes compositeurs canadiens qui se sont illustrés ces dernières années, soit Darren Miller et Emilie Cecilia LeBel. Deux autres voix new-yorkaises, féminines cette fois, se font aussi entendre sur ce disque: Paula Matthusen et Jenny Olivia Johnson. Chacun des compositeurs explore à sa façon le média électroacoustique, allant du traitement de signal pur (Miller) aux multiples pistes préenregistrées (Johnson), en passant par toutes les combinaisons possibles de sons fixés et traités en direct. Le disque se termine sur une méditation contemplative de Johnson, dans laquelle la flûte flotte sur une riche polyphonie préenregistrée. Avec ses interprétations et improvisations convaincantes, Terri Hron nous prouve avec brio à quel point la flûte à bec, méconnue de bien des auditeurs et créateurs actuels, est un instrument qui mérite vraiment que l’on s’y attarde. L’interprète est toujours en symbiose avec les extensions électroniques de son instrument qui dévoilent de multiples territoires sonores à explorer.

L’interprète est toujours en symbiose avec les extensions électroniques de son instrument qui dévoilent de multiples territoires sonores à explorer.

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