Artists Pierre-Luc Senécal

A composer and a sound designer, Pierre-Luc Senécal is piecing together his reputation as curious and dashingly passionate about sound. A jack-of-all-trades, he composes electroacoustic compositions as well as for theater, dance and film. Deeply inspired by rock, pop and heavy metal, he infuses in his electronic pieces his sensitivity for lyricism, poetic and untamable energy. His work Urban Gardens has been awarded the JTTP 2017 third prize, the SIME 208 third prize, and was presented during the MA / IN Festival 2017. His work has been presented in the United States, Canada, Monaco, Germany, Russia, Sweden and South Korea. After studying with Robert Normandeau at Université de Montréal (QC) and Pierre Alexandre Tremblay in University of Huddersfield (UK), he is now completing a master’s degree in acousmatic mixing and mastering.

Pierre-Luc Senécal

Residence: Montréal (Québec)

  • Composer
  • Performer (voice)

On the web

Appearances

Various artists
Musiques & Recherches / MR 2018 / 2019
[Independent] / ER 2017 / 2017

Articles written

  • Pierre-Luc Sénécal, Musicworks, no. 126, September 1, 2016
    The constant tension and density of the music make each composition an intense listening experience.
  • Pierre-Luc Senécal, Musicworks, no. 125, July 1, 2016
    Lest we forget, the final instants of Hymne, where Ida’s anthem concludes our travel, brings us, humble sound explorers, a bit closer to the stars.
  • Pierre-Luc Senécal, Voir, April 15, 2016
    … deux styles très différents d’une musique acousmatique de qualité.
  • Pierre-Luc Senécal, EtherREAL, September 9, 2015
    … ce geste sonore infime est démultiplié, transformé en un torrent de bruit écrit de façon très sensuelle.

Review

Pierre-Luc Sénécal, Musicworks, no. 126, September 1, 2016

Montréal-based James O’Callaghan confirms his position as a world-class composer with the release of Espaces tautologiques, his first album on the Empreintes Digitales label. Composed between 2011 and 2015, the four acousmatic pieces on this fifty-minute recording are further proof of O’Callaghan’s remarkable technical proficiency and virtuosity.

Sounds are at war, ferociously whizzing from speaker to speaker. Recordings of the sounding bodies of guitars, pianos, and a string quartet are torn apart and crashed against outdoor soundscapes or dramatically ruptured by punchy thumps and propelled violin tremolos.

O’Callaghan has cited Bernard Parmegiani as an influence, and he shares with that late composer a fondness for sculpting sound, as he imperceptibly turns car horns into wailing cries and elsewhere refines the hidden musicality of a ticking clock. Indeed, amidst the shredded samples of instruments, the composer uses the click of a lamp switch, the drop of a pencil, and other anecdotal sounds in such a way as to impart a sense of soul, which is clear to the listener. Those quirky, stranger sounds are brought to life in a thickly layered polyphony. In-depth exploration of these compositions requires several listens.

While any one of these pieces is undoubtedly spectacular in concert, for listening to a string of four you need breathing space around each to fully appreciate them. The constant tension and density of the music make each composition an intense listening experience. Less would definitely be more for O’Callaghan’s next release.

The constant tension and density of the music make each composition an intense listening experience.

Review

Pierre-Luc Senécal, Musicworks, no. 125, July 1, 2016
Lest we forget, the final instants of Hymne, where Ida’s anthem concludes our travel, brings us, humble sound explorers, a bit closer to the stars.

Concert électrochocs: poésie musclée

Pierre-Luc Senécal, Voir, April 15, 2016

Jeudi soir, une cinquantaine de personnes s’étaient réunis dans la Salle multimédia du Conservatoire de musique de Montréal pour apprécier la musique de deux de ses professeurs. Enseignant tous deux la musique électroacoustique au Conservatoire, Louis Dufort et Martin Bédard offraient une programmation de quatre pièces, rassemblant deux styles très différents d’une musique acousmatique de qualité.

Champs de fouilles occupe une place particulière dans le catalogue de Martin Bédard. Cette commande pour le 400e anniversaire de la Ville de Québec, la plus saluée de toutes ses compositions, était l’occasion pour le compositeur d’avoir une approche moins abstraite que ce qu’il fait à l’habitude. Inspiré par les fouilles archéologiques menées à Québec durant sa visite, Bédard a intégré dans sa pièce des sons enregistrés dans la ville (marteaux-piqueurs, train de passage, vol des oies blanches) mais aussi des échantillons d’une pièce de Monteverdi datant de 1608, année de la fondation de Québec. Une fois ces sons transformés par des outils numériques et assemblés dans un logiciel, ce n’était pas une carte postale sonore qui était offerte, mais plutôt une métaphore musical, sorte de Québec rêvé. Très gestuelle, cette musique est marquée par des «croustillements» de métal, des blocs de sons virevoltant sur les haut-parleurs, des trames pesantes qui se subliment en vapeur d’harmonie, comme si l’on découvrait des trésors sonores enfouis sous la terre.

Avant de présenter Kissland, Bédard mentionnait, lors d’une conférence d’avant-concert, sa pièce Métal fatigue, composée en 2012. Il partageât avec nous les apprentissages découlant de cette pièce qui, malheureusement, pêchait par son excès de sons. Dans Kissland toutefois, en création ce soir-là, les gestes musicaux sont plus épurés et clairs. La musique respire et la ré-écoute confirmerait sans doute que l’œuvre a réussi là où Métal fatigue a manqué. Plus d’un aura remarqué le niveau de diffusion assez conservateur de la part de Bédard, de même que des graves plutôt envahissantes.

À l’inverse, Louis Dufort a opté pour un niveau sonore assourdissant mais des basses ciblées avec précision. Dans Into the forest my wounded arms wide open, Dufort met la table en nous malmenant avec un rythme de basse fantastique. Cet héritier de la musique électronique nous fait taper du pied énergiquement avec ses beats couillus, jusqu’à ce qu’un geste énorme et déchirant, comme un tutti d’orchestre, nous plonge dans un torrent d’instruments à cordes, de cui-cui d’oiseaux et de chuintements bruités. Ça éclate. Ça arrache. Ça sature, mais ce fou du son s’en fout. Ce soir, avec Dufort, on ne fait pas dans la dentelle!

2e preuve à l’appui: Tombeau de Claudio Monteverdi, sa seconde pièce de la soirée. Inspiré par les œuvres de Monteverdi, compositeur du XVIe-XVIIe siècle, Dufort présentait une pièce électronique rappelant la proposition de Necropolis — City of the Dead, composée par le suédois Åke Parmerud. Dans les deux cas, les compositeurs se sont plus à passer dans le hachoir des extraits de pièces classiques afin de les ré-arranger et se les ré-approprier. Ainsi, avec des mélodies de synthétiseur bien cheesy à la Tron et des coups de kick viandeux, Dufort nous concocte un cheeseburger techno facilement digérable et surtout très satisfaisant. La fin, plus douce, repose sur des rythmes de voix fragmentées. Apprêté à la sauce électronique moderne, ce segment respire, se superposant avec d’autres trames éthérées qui rappellent justement l’écriture contrapuntique propre à la musique de la Renaissance et du baroque.

… deux styles très différents d’une musique acousmatique de qualité.

Critique

Pierre-Luc Senécal, EtherREAL, September 9, 2015

C’est au printemps dernier qu’Empreintes digitales, le label de musique électroacoustique montréalais, annonçait une promo tout à fait alléchante. J’admets que mon cœur n’a fait qu’un bond en voyant cette offre exceptionnelle de 5 CDs pour le prix de 4, et la page n’avait pas finie de télécharger que mon numéro de carte de crédit était déjà rentré. Si certains oseraient juger cet excès consumériste qui m’a envahi, qu’ils sachent que les nouveaux arrivages du printemps avaient de quoi impressionner: des albums des compositeurs Åke Parmerud, Adrian Moore, Hans Tutschku, Gilles Gobeil et Georges Forget. En bref, une «attaque à 5» électroacoustique pour le moins exceptionnelle.

Afin de souligner l’occasion, j’ai invité un de mes collègues-rédacteurs, Philippe Desjardins du webzine Canal auditif (lecanalauditif.ca), afin de discuter de deux de ces albums: Growl du suédois Åke Parmerud et Le dernier présent du français Georges Forget. Privilégiant la formule «discussion informelle», nous vous présentons nos coups de cœur de montréalais. Une formule deux pour le prix d’un, ça fait toujours saliver, surtout lorsque la première est gratuite!

Pierre-Luc: difficile de décrire la musique de Forget sans parler de romantisme. C’est clair dès la première lecture de la note programme pour Métal en bouche. D’ailleurs, longtemps j’ai été hanté par celle-ci. Cette férocité, cette rage qui jaillit, et en même temps cette poésie qui sourd de la musique. C’est vraiment une très belle pièce. Cela dit, à force d’écoutes répétées, j’ai l’impression que la pièce aurait pu être encore plus sauvage.

Philippe: oui, la pièce se tient bien, mais je suis resté sur ma faim. Je m’attendais à plus d’impact, de contraste.

PL: ensuite, il y avait Une île, celle avec ses «craquements de bois».

Philippe: c’est ma préférée. Tu ressens pratiquement le volume du bois, même si je doute que ce soit bel et bien du bois dont il s’agisse. Malgré tous les traitements numériques, c’est impressionnant d’en arriver à quelque chose d’aussi organique, de simuler la sensation qu’on est à proximité de la matière.

PL: le début me semble un peu lent. C’est vraiment au 3/4 de la pièce qu’elle devient plus dynamique. Les impacts sont d’une grande énergie, et, tout d’un coup, la pièce devient très engageante. Orages d’acier suit un peu la même forme. L’attente se fait tout de suite sentir avant d’exploser à répétitions, et on se sent plonger dans l’œuvre d’Ernst Jûnger, des tranchées et des tirs d’artillerie, mais ce que je trouve fantastique, c’est le jeu sur les hauteurs. Il y a un sens de la mélodie, de la densification, du crescendo, et le tout est extrêmement musical… un peu comme un lied électroacoustique…

Philippe: et après ça commence à chanter! Pour moi, le chant de la fin vient briser tout ce que j’avais imaginé durant l’écoute. En un instant, je suis projeté dans une brasserie de matelots. La partie s’intègre peut-être bien dans la thématique, mais d’un point de vue strictement musical, je remets en question ce choix.

PL: il s’agit des Oies sauvages, un chant de la Légion étrangère française. Il y a peut-être un sens caché qui nous échappe, humbles Québécois… C’est peut-être très français comme décision! Enfin, j’aimerais conclure avec Seul et septembre qui est ma préférée. C’est sûr qu’avec des phrases lyriques passées dans un vocodeur, on fait dans le mignon, et c’est exactement pour cette raison que j’aime cette pièce. C’est tellement reposant et paisible… On écoute, et puis tout va bien. C’est une chanson d’amour que je ne peux qu’aimer d’amour, sans rationalité aucune.

Philippe: il y a une beauté très romantique à la pièce. Un plaisir tout simple, comme être étendu dans un pré… Tout le contraire de Growl!, la chanson heavy métal de Parmerud!

PL: c’est vrai, sa pièce pour quatuor vocal de chanteurs death métal! La signature electronica de Parmerud est très claire sur ce matériau «métal», qu’il a hybridé avec une bonne dose de techno. Je connais très bien l’univers du métal, et c’est curieux, car je ne trouve pas la pièce si métal que ça. L’idée me plaît énormément. La pièce a du souffle, et c’est peut-être la mieux composée de l’album, mais j’aurais souhaité plus de vitesse, et d’agressivité, et surtout de batterie déchaînée qui prend toute la place!

Philippe: j’ai bien ri dans les premiers instants de la pièce, mais ma préférée demeure la toute première pièce de l’album. Dans La vie mécanique, on comprend tout de suite comment Parmerud construit ses rythmes, omniprésents tout au long de l’album. Elle et Grooves, la 2e pièce, sont vraiment fortes, d’autant plus qu’elles me sont familières, car elles empruntent beaucoup de sonorités à des groupes du genre industriel: Skinny Puppy, Frontline Assembly… Il y a des références, des gestes qui semblent tout droit sortis de ces musiques.

PL: la fin de La vie mécanique est particulièrement prenante, et c’est clairement une pièce faite pour le concert, où les gestes sont magnifiés par la diffusion extrêmement active de Parmerud. Toutefois, Grooves demeure ma pièce fétiche de l’album. Le minimalisme de la pièce a déjà de quoi impressionner: 9 minutes de musique obtenues grâce au craquement d’une aiguille déposée sur un disque vinyle… Sous la main de Parmerud, ce geste sonore infime est démultiplié, transformé en un torrent de bruit écrit de façon très sensuelle.

Philippe: il y a peut-être un certain réconfort à écouter les craquements d’un vinyle. Comme un feu de bois.

PL: on parle souvent des mythes d’audiophile, comme quoi le vinyle sonne plus «chaleureux». Ça vient peut-être de là!

… ce geste sonore infime est démultiplié, transformé en un torrent de bruit écrit de façon très sensuelle.

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