Review

Montréal-based James O’Callaghan confirms his position as a world-class composer with the release of Espaces tautologiques, his first album on the Empreintes Digitales label. Composed between 2011 and 2015, the four acousmatic pieces on this fifty-minute recording are further proof of O’Callaghan’s remarkable technical proficiency and virtuosity.
Sounds are at war, ferociously whizzing from speaker to speaker. Recordings of the sounding bodies of guitars, pianos, and a string quartet are torn apart and crashed against outdoor soundscapes or dramatically ruptured by punchy thumps and propelled violin tremolos.
O’Callaghan has cited Bernard Parmegiani as an influence, and he shares with that late composer a fondness for sculpting sound, as he imperceptibly turns car horns into wailing cries and elsewhere refines the hidden musicality of a ticking clock. Indeed, amidst the shredded samples of instruments, the composer uses the click of a lamp switch, the drop of a pencil, and other anecdotal sounds in such a way as to impart a sense of soul, which is clear to the listener. Those quirky, stranger sounds are brought to life in a thickly layered polyphony. In-depth exploration of these compositions requires several listens.
While any one of these pieces is undoubtedly spectacular in concert, for listening to a string of four you need breathing space around each to fully appreciate them. The constant tension and density of the music make each composition an intense listening experience. Less would definitely be more for O’Callaghan’s next release.
Review

Concert électrochocs: poésie musclée
Jeudi soir, une cinquantaine de personnes s’étaient réunis dans la Salle multimédia du Conservatoire de musique de Montréal pour apprécier la musique de deux de ses professeurs. Enseignant tous deux la musique électroacoustique au Conservatoire, Louis Dufort et Martin Bédard offraient une programmation de quatre pièces, rassemblant deux styles très différents d’une musique acousmatique de qualité.
Champs de fouilles occupe une place particulière dans le catalogue de Martin Bédard. Cette commande pour le 400e anniversaire de la Ville de Québec, la plus saluée de toutes ses compositions, était l’occasion pour le compositeur d’avoir une approche moins abstraite que ce qu’il fait à l’habitude. Inspiré par les fouilles archéologiques menées à Québec durant sa visite, Bédard a intégré dans sa pièce des sons enregistrés dans la ville (marteaux-piqueurs, train de passage, vol des oies blanches) mais aussi des échantillons d’une pièce de Monteverdi datant de 1608, année de la fondation de Québec. Une fois ces sons transformés par des outils numériques et assemblés dans un logiciel, ce n’était pas une carte postale sonore qui était offerte, mais plutôt une métaphore musical, sorte de Québec rêvé. Très gestuelle, cette musique est marquée par des «croustillements» de métal, des blocs de sons virevoltant sur les haut-parleurs, des trames pesantes qui se subliment en vapeur d’harmonie, comme si l’on découvrait des trésors sonores enfouis sous la terre.
Avant de présenter Kissland, Bédard mentionnait, lors d’une conférence d’avant-concert, sa pièce Métal fatigue, composée en 2012. Il partageât avec nous les apprentissages découlant de cette pièce qui, malheureusement, pêchait par son excès de sons. Dans Kissland toutefois, en création ce soir-là, les gestes musicaux sont plus épurés et clairs. La musique respire et la ré-écoute confirmerait sans doute que l’œuvre a réussi là où Métal fatigue a manqué. Plus d’un aura remarqué le niveau de diffusion assez conservateur de la part de Bédard, de même que des graves plutôt envahissantes.
À l’inverse, Louis Dufort a opté pour un niveau sonore assourdissant mais des basses ciblées avec précision. Dans Into the forest my wounded arms wide open, Dufort met la table en nous malmenant avec un rythme de basse fantastique. Cet héritier de la musique électronique nous fait taper du pied énergiquement avec ses beats couillus, jusqu’à ce qu’un geste énorme et déchirant, comme un tutti d’orchestre, nous plonge dans un torrent d’instruments à cordes, de cui-cui d’oiseaux et de chuintements bruités. Ça éclate. Ça arrache. Ça sature, mais ce fou du son s’en fout. Ce soir, avec Dufort, on ne fait pas dans la dentelle!
2e preuve à l’appui: Tombeau de Claudio Monteverdi, sa seconde pièce de la soirée. Inspiré par les œuvres de Monteverdi, compositeur du XVIe-XVIIe siècle, Dufort présentait une pièce électronique rappelant la proposition de Necropolis — City of the Dead, composée par le suédois Åke Parmerud. Dans les deux cas, les compositeurs se sont plus à passer dans le hachoir des extraits de pièces classiques afin de les ré-arranger et se les ré-approprier. Ainsi, avec des mélodies de synthétiseur bien cheesy à la Tron et des coups de kick viandeux, Dufort nous concocte un cheeseburger techno facilement digérable et surtout très satisfaisant. La fin, plus douce, repose sur des rythmes de voix fragmentées. Apprêté à la sauce électronique moderne, ce segment respire, se superposant avec d’autres trames éthérées qui rappellent justement l’écriture contrapuntique propre à la musique de la Renaissance et du baroque.
Critique
C’est au printemps dernier qu’Empreintes digitales, le label de musique électroacoustique montréalais, annonçait une promo tout à fait alléchante. J’admets que mon cœur n’a fait qu’un bond en voyant cette offre exceptionnelle de 5 CDs pour le prix de 4, et la page n’avait pas finie de télécharger que mon numéro de carte de crédit était déjà rentré. Si certains oseraient juger cet excès consumériste qui m’a envahi, qu’ils sachent que les nouveaux arrivages du printemps avaient de quoi impressionner: des albums des compositeurs Åke Parmerud, Adrian Moore, Hans Tutschku, Gilles Gobeil et Georges Forget. En bref, une «attaque à 5» électroacoustique pour le moins exceptionnelle.
Afin de souligner l’occasion, j’ai invité un de mes collègues-rédacteurs, Philippe Desjardins du webzine Canal auditif (lecanalauditif.ca), afin de discuter de deux de ces albums: Growl du suédois Åke Parmerud et Le dernier présent du français Georges Forget. Privilégiant la formule «discussion informelle», nous vous présentons nos coups de cœur de montréalais. Une formule deux pour le prix d’un, ça fait toujours saliver, surtout lorsque la première est gratuite!
Pierre-Luc: difficile de décrire la musique de Forget sans parler de romantisme. C’est clair dès la première lecture de la note programme pour Métal en bouche. D’ailleurs, longtemps j’ai été hanté par celle-ci. Cette férocité, cette rage qui jaillit, et en même temps cette poésie qui sourd de la musique. C’est vraiment une très belle pièce. Cela dit, à force d’écoutes répétées, j’ai l’impression que la pièce aurait pu être encore plus sauvage.
Philippe: oui, la pièce se tient bien, mais je suis resté sur ma faim. Je m’attendais à plus d’impact, de contraste.
PL: ensuite, il y avait Une île, celle avec ses «craquements de bois».
Philippe: c’est ma préférée. Tu ressens pratiquement le volume du bois, même si je doute que ce soit bel et bien du bois dont il s’agisse. Malgré tous les traitements numériques, c’est impressionnant d’en arriver à quelque chose d’aussi organique, de simuler la sensation qu’on est à proximité de la matière.
PL: le début me semble un peu lent. C’est vraiment au 3/4 de la pièce qu’elle devient plus dynamique. Les impacts sont d’une grande énergie, et, tout d’un coup, la pièce devient très engageante. Orages d’acier suit un peu la même forme. L’attente se fait tout de suite sentir avant d’exploser à répétitions, et on se sent plonger dans l’œuvre d’Ernst Jûnger, des tranchées et des tirs d’artillerie, mais ce que je trouve fantastique, c’est le jeu sur les hauteurs. Il y a un sens de la mélodie, de la densification, du crescendo, et le tout est extrêmement musical… un peu comme un lied électroacoustique…
Philippe: et après ça commence à chanter! Pour moi, le chant de la fin vient briser tout ce que j’avais imaginé durant l’écoute. En un instant, je suis projeté dans une brasserie de matelots. La partie s’intègre peut-être bien dans la thématique, mais d’un point de vue strictement musical, je remets en question ce choix.
PL: il s’agit des Oies sauvages, un chant de la Légion étrangère française. Il y a peut-être un sens caché qui nous échappe, humbles Québécois… C’est peut-être très français comme décision! Enfin, j’aimerais conclure avec Seul et septembre qui est ma préférée. C’est sûr qu’avec des phrases lyriques passées dans un vocodeur, on fait dans le mignon, et c’est exactement pour cette raison que j’aime cette pièce. C’est tellement reposant et paisible… On écoute, et puis tout va bien. C’est une chanson d’amour que je ne peux qu’aimer d’amour, sans rationalité aucune.
Philippe: il y a une beauté très romantique à la pièce. Un plaisir tout simple, comme être étendu dans un pré… Tout le contraire de Growl!, la chanson heavy métal de Parmerud!
PL: c’est vrai, sa pièce pour quatuor vocal de chanteurs death métal! La signature electronica de Parmerud est très claire sur ce matériau «métal», qu’il a hybridé avec une bonne dose de techno. Je connais très bien l’univers du métal, et c’est curieux, car je ne trouve pas la pièce si métal que ça. L’idée me plaît énormément. La pièce a du souffle, et c’est peut-être la mieux composée de l’album, mais j’aurais souhaité plus de vitesse, et d’agressivité, et surtout de batterie déchaînée qui prend toute la place!
Philippe: j’ai bien ri dans les premiers instants de la pièce, mais ma préférée demeure la toute première pièce de l’album. Dans La vie mécanique, on comprend tout de suite comment Parmerud construit ses rythmes, omniprésents tout au long de l’album. Elle et Grooves, la 2e pièce, sont vraiment fortes, d’autant plus qu’elles me sont familières, car elles empruntent beaucoup de sonorités à des groupes du genre industriel: Skinny Puppy, Frontline Assembly… Il y a des références, des gestes qui semblent tout droit sortis de ces musiques.
PL: la fin de La vie mécanique est particulièrement prenante, et c’est clairement une pièce faite pour le concert, où les gestes sont magnifiés par la diffusion extrêmement active de Parmerud. Toutefois, Grooves demeure ma pièce fétiche de l’album. Le minimalisme de la pièce a déjà de quoi impressionner: 9 minutes de musique obtenues grâce au craquement d’une aiguille déposée sur un disque vinyle… Sous la main de Parmerud, ce geste sonore infime est démultiplié, transformé en un torrent de bruit écrit de façon très sensuelle.
Philippe: il y a peut-être un certain réconfort à écouter les craquements d’un vinyle. Comme un feu de bois.
PL: on parle souvent des mythes d’audiophile, comme quoi le vinyle sonne plus «chaleureux». Ça vient peut-être de là!
Critique
«Un sympathisant de gauche, qui éprouve un froid mépris envers les méthodes et idéologies actuelles de l’industrie, […] mais qui a aussi l’oreille qui regimbe à l’écoute des constructions sonores expérimentales et engagés de certains camarades.»
Et vlan! C’est avec cette savate verbale que Dominique Bassal se présentait en décembre 2002, dans son écrit La pratique du mastering. Ingénieur du son reconnu pour son expertise unique en musique électroacoustique, c’est en tant que compositeur que Bassal lançait, en janvier 2014, son deuxième album sur l’étiquette montréalaise Empreintes digitales, la même étiquette pour laquelle il effectue la pratique délicate de «masteriser» les pièces des compositeurs depuis près de 15 ans. Ainsi, égalisation, correction de la dynamique, volume et autres traitements sont apportés afin de «normaliser» au possible l’écoute. De votre salon aux baffles de votre bagnole, la pièce sonnera «pareil».
Avec 13 ans d’expérience et cinquante albums masterisés sous la cravate, Bassal a développé une opinion très critique des conditions d’écoutes et de la faible qualité de production des musiques électroacoustiques. Non seulement la qualité de production de cette musique n’a pas suivi les avancées observées dans la musique pop, mais en plus, le conformisme académique derrière sa réalisation en ont fait un genre répudié par le grand public. C’est donc une véritable croisade idéologique et esthétique à laquelle se livre Bassal, une lutte au nom de laquelle il s’est détourné de l’esthétique purement acousmatique propre à son tout premier album Ubiquités (2009).
«Le second album Poupées mathématiques (2014) représente l’aboutissement d’énormément de questionnement de ma part sur la viabilité réelle de la musique électroacoustique. Pourquoi on fait ça? Pour qui compose-t-on? Sur le plan technique, il faut absolument trouver un format universel haute qualité qui rende justice au contenu, mais il faut également changer le contenu et sortir de notre tour d’ivoire.»
Pour la haute qualité, Bassal a donc choisi de rendre sa musique disponible grâce à un disque Blu-Ray, capable de contenir les 6 pièces de l’album à 96 kHz, 24 bit, et ce, en format stéréo, 5.1 et 7.1. Et pour l’esthétique choisie?
«Il s’agit de rendre le tout plus attrayant pour l’ensemble des gens. Pour faire ça, et j’admets que le processus n’est pas tout à fait abouti, j’ai intégré plusieurs éléments de musique conventionnelle que je composais moi-même et que je modifiais afin qu’il y ait ce cadre mélodique au sein d’un univers électroacoustique. Il y a des bouts de mélodies et de séquences rythmiques en soutien à cette trame narrative qui évoque la science-fiction, les espaces éclatés, tout ce qu’on peut imaginer.»
À l’écoute, on trouve effectivement bien des choses que le compositeur promet. Chaque pièce est traversée par une panoplie d’instruments (carillon, ensemble de jazz et de cordes, violon, contrebasse et j’en passe) tout en étant drapée d’un tissu sonore, parfois enveloppant (merci à la version 7.1) parfois en trame de fond. Bien que le compositeur ait pris l’habitude d’écrire ses notes de programme après la composition, on tisse facilement les liens entre les titres et les univers qu’ils créent. Dans Choraal, un halo de voix désincarnées jaillissent et s’élancent en pétillant, et tout cela semble d’une terrible beauté. Il y a également un jeu important sur les clichés: La main visible est un égarement dans le jazz d’une Noir York City ou du film Birdman, Babylone les regrets est ouvertement une parodie des films américains kitsch aux gros violons et même Broto et sa z’complice est en référence aux vieux films de science-fiction avec ses sonorités plus datées.
Avec cet à-cheval entre musiques acousmatique et instrumentale, plusieurs questions se posent, notamment par rapport à la prochaine direction à prendre. Le compositeur le dit lui-même, il s’agit d’une démarche temporaire, et il souhaiterait que le côté avenant et ouvert de sa musique soit généré par autre chose que des mélodies. En effet, certaines mélodies pourraient être plus recherchées, et les élans acousmatiques volent parfois la vedette par leur force et leur caractère magistral. S’il est vrai que de faire l’équivalence entre accessibilité et mélodie peut sembler naïf, il faut reconnaître que la démarche est sincère, la musique, bien faite, et surtout qu’elle «donne à voir».
Sera-t-elle assez acousmatique pour séduire les puristes? Cela reste à voir, mais le plus important sera de voir si elle ouvre la porte à tous les auditeurs en quête d’une musique à la fois abstraite et accessible.
Critique
La réputation de Robert Normandeau n’est plus à faire dans le monde de l’électroacoustique. Compositeur récompensé à d’innombrables reprises pour ses pièces, il aura fait entendre ses œuvres plus d’une centaine de fois partout à travers le monde, sans compter ses nombreuses collaborations pour la musique de scène.
Dômes est son plus récent recueil d’œuvres, distribué sous la fameuse étiquette montréalaise empreintes DIGITALes. Les pièces, composées pour dôme de haut-parleurs, un dispositif donnant une impression de tridimensionnalité du son, ont été réduites en stéréo tout en conservant leur caractère immersif. Ainsi, on se sent comme baigné dans un liquide sonore, flottant à la dérive vers un «ailleurs imaginaire».
En ouverture, on débute avec La part des anges, et on sait que c’est du sérieux. Un boom profond rythme l’évaporation des voix. La musique nous emporte vers les hautes strates de l’atmosphère, comme si nous n’étions plus qu’une vapeur ondulant vers un éden stellaire, et toute notion du temps s’envole, perdue parmi les souffles distillées. À regarder dans le noir, les yeux fermés.
Pluies noires, c’est de la corporalité et du viscéral. Les multiples couches de saxophone merveilleusement orchestrées sont en lente effervescence, sorte de machine organique qui se délecte de méchanceté. Qu’on ne surprenne que la pièce de théâtre Blasté de Sarah Kane aie servi de source d’inspiration. «Toutes ces pluies ne peuvent que difficilement laver la noirceur de l’âme humaine lorsqu’il est en guerre, spécialement à propos de celle de Bosnie à laquelle la pièce fait implicitement référence.» Une longue respiration de cruauté, celle d’une monstrueuse beauté.
Hamlet-Machine without Actors (à distinguer de la version «avec les acteurs» sur Puzzles du même compositeur) puise dans la trame sonore composée pour la pièce Hamletmachine, mise en scène par Brigitte Haentjens à Montréal en 2001. Véritable mécanique vivante, les bruits de métaux et de chaîne se mêlent aux sons plus introspectifs, des chants qui semblent observer le monde à travers les rouages d’une machine en marche.
Pas de doute, ces trois pièces sont des bijoux où se rencontrent beauté, intensité et une sensualité qui flirte avec la lascivité! […]
[…] Dômes comporte des moments fantastiques, un véritable vermeil sonore. À entendre en concert dans un dôme près de chez vous.