Artists Annette Vande Gorne

Following her classical studies at the Royal Conservatories of Mons and of Brussels, and her studies with Jean Absil, Annette Vande Gorne chanced upon acousmatics when on a training position in France. Instantly convinced, by the works of François Bayle and Pierre Henry, of the revolutionary nature of this art form (disruption of perception, renewal of composition through spectromorphological writing and listening conduction, historical importance of the movement), she took a few training positions to grab its basics, then studied musicology (ULB, Brussels) and electroacoustic composition with Guy Reibel and Pierre Schaeffer at the Conservatoire national supérieur in Paris.

She founded and manages Musiques & Recherches and the Métamorphoses d’Orphée studio (Ohain, 1982). She also launched a series of concerts and an acousmatics festival called L’Espace du son (Brussels, 1984; annual since 1994), after assembling a 60-loudspeaker system, an acousmonium, derived from the sound projection system designed by François Bayle. She is the editor of the musical aesthetics review Lien and Répertoire ÉlectrO-CD (1993, ’97, ’98), a directory of electroacoustic works. She also founded the composition competition Métamorphoses and the spatialized performance competition Espace du son. She gradually put together Belgium’s only documentation centre on that art form, available online at electrodoc.musiques-recherches.be

She gives numerous spatialized acousmatic music performances, both of her own works and the works of international composers.

Professor of acousmatic composition at the Royal Conservatory of Liège (1986), then Brussels (’87), and Mons (’93), she founded an autonomous Electroacoustic Music section at the latter, later (2002) integrated to the European graduate studies framework. Since 1999, she has been managing an international summer training session on spatialization and — since 1987 — on electroacoustic composition.

Her works can be heard in every festival and on every radio program presenting fixed media-based (previously ‘tape’) music. Her current work focuses on various energetic and kinesthetic archetypes. Nature and the physical world are models for an abstract and expressive musical language. She is passionate about two other fields of research: the various relationships to word, sound, and meaning provided by electroacoustic technology, and the composition of space seen as the fifth musical parameter and its relationship to the other four parameters and the archetypes being used. Her work falls essentially in the acousmatic category, including the Tao cycle and Ce qu’a vu le vent d’Est, which renews electroacoustic music’s ties with the past, with a few incursions in other art forms, including theatre, dance, sculpture, etc.

[English translation: François Couture, ii-18]

Annette Vande Gorne

Charleroi (Belgium), 1946

Residence: Ohain (Belgium)

  • Composer
  • Writer

avdg@musiques-recherches.be

On the web

Annette Vande Gorne [Photo: Bea Borgers, Brussels (Belgium), October 27, 2018]
Annette Vande Gorne [Photo: Bea Borgers, Brussels (Belgium), October 27, 2018]
  • Annette Vande Gorne [Photo: [Fair_Play BE], Vorst (Belgium), April 14, 2019]
  • Annette Vande Gorne [Photo: Bea Borgers, Brussels (Belgium), October 27, 2018]
  • Annette Vande Gorne, Elainie Lillios [Denton (Texas, USA), October 1, 2015]
  • Annette Vande Gorne [Photo: Didier Allard, Paris (France), February 28, 2010]
  • Annette Vande Gorne [Paris (France), February 11, 2010]
  • Annette Vande Gorne [Photo: Michel Vanden Eeckhoudt, Ohain (Belgium), 1999]
  • Annette Vande Gorne [Photo: Marie-Jeanne Wyckmans, Ohain (Belgium), November 1995]
  • Annette Vande Gorne [Photo: Marie-Jeanne Wyckmans, Ohain (Belgium), November 1995]

Selected works

Main releases

Tao
empreintes DIGITALes / IMED 1811, IMED 1811_NUM, IMED 9311 / 1993, 2018
Eau
empreintes DIGITALes, SONARt / IMED 1839, IMED 1839_NUM, IMED 9839, IMSO 9504 / 1995, 1998, 2018
Musiques & Recherches / LIEN 2018 / 2018
  • Temporarily out of stock
empreintes DIGITALes / IMED 17142, IMED 17142_NUM / 2017
Musiques & Recherches / LIEN 2017 / 2017
empreintes DIGITALes / IMED 0890, IMED 0890_NUM / 2008
Musiques & Recherches / LIEN 1991-11 / 1991

Appearances

Various artists
CEC-PeP / PEP 002 / 2000
Musiques & Recherches / LIEN 1988, LIEN 1998-11 / 1988, 1998
Musiques & Recherches / LIEN 1994-03 / 1994

In the press

Rencontre avec Annette Vande Gorne

Olivier Vrins, Crescendo, February 11, 2019

Dans le prolongement du concert du 30 janvier 2019 au Senghor ayant pour thème “Les Voies de la Voix Acousmatique”, dont nous nous sommes fait l’écho par ailleurs, nous avons pu nous entretenir brièvement avec la compositrice Annette Vande Gorne, qui porte haut l’étendard de la musique acousmatique en Belgique.

Crescendo: Considérés comme des courants d’avant-garde au XXème siècle, les musiques concrète, électroacoustique et acousmatique ont-elles aujourd’hui dépassé le stade de l’expérimentation? Quelle est leur place dans le paysage musical actuel? Ne s’agit-il pas aujourd’hui de combats d’arrière-garde, alors que de nombreux compositeurs prônent un retour aux formations “classiques” ou à une nouvelle simplicité?

Annette Vande Gorne (AVG): La question est posée de façon négative, qui oblige à justifier l’existence même de la musique acousmatique, concrète et électroacoustique aujourd’hui… Son existence est au contraire pleinement active et, il est vrai, différente des «retours à» d’arrière-garde à la mode actuellement (tentative de récupération de public à bon compte?). Rien de plus ouvert et accessible que le concert et la musique acousmatiques!

Crescendo: Au regard des progrès technologiques des dernières décennies, les œuvres de Schaeffer, Henry, Reibel, voire les pièces électroniques de Berio ou de Xenakis, n’ont-elles pas “mal vieilli”? Leur portée n’est-elle pas, de nos jours, essentiellement documentaire?

AVG: Une fois encore, une approche négative. Se pose-t-on cette question à propos de Monteverdi, Bach ou Debussy? L’histoire fera le tri. Je suis pour ma part certaine que des œuvres comme «De natura sonorum» de Bernard Parmegiani, «L’expérience acoustique» de Bayle ou «L’apocalypse» de Henry passeront la rampe du temps. Je ne peux que constater le succès des œuvres et des outils analogiques auprès de la génération qui a 25 ans aujourd’hui.

Crescendo: Quelle est la place dévolue aux interprètes de musique acousmatique? Lisent-ils une “partition” ou sont-ils amenés à improviser lorsqu’ils spatialisent une œuvre?

AVG: L’interprète doit s’aider d’un relevé graphique qu’il réalise lui-même, selon son écoute et ses choix de stratégie, à moins qu’il ne connaisse l’œuvre de mémoire, ou en soit le compositeur.

Crescendo: Est-il possible de mal spatialiser une œuvre acousmatique?

AVG: Le seul concours d’interprétation spatialisée au monde, que nous organisons toutes les années impaires, prouve, par la nécessité pour chaque concurrent de jouer un imposé, combien le rôle de l’interprète est essentiel: il peut sublimer ou détruire par sa spatialisation l’œuvre pourtant fixée et composée en studio. Le concert acousmatique intègre l’étape de la spatialisation, là où le cinéma s’est arrêté (sauf au début de ses projections en public et, dans une moindre mesure, dans les cinéma IMAX). La réalité virtuelle, projetée en public, franchit le pas.

Crescendo: On décèle une réelle connivence entre votre monde sonore et les textes d’un Werner Lambersy, par exemple. Pourtant, vos créations déforment quelquefois ses vers, lesquels peuvent alors devenir inintelligibles. Comment réagissent les poètes que vous avez mis en musique à l’écoute de vos œuvres?

AVG: Très bien! C’est à la demande même de Werner Lambersy que j’ai illustré autant de ses textes et accepté de composer un opéra acousmatique [Yawar Fiesta, ndlr]. Plus que d’audibilité, il s’agit d’expressivité, chacun respectant l’autre. Une fois de plus, se préoccupe-t-on de cette question quand il s’agit de polyphonie complexe, ou d’un opéra contemporain?

Crescendo: Ligeti, Berio, Nono, Stockhausen, Zimmermann… Nombreux sont les compositeurs ayant “goûté” à l’électronique sans pour autant s’engager exclusivement dans cette voie. Verra-t-on un jour Annette Vande Gorne composer pour les instruments traditionnels, sans recours à l’électronique?

AVG: J’ai composé de la musique instrumentale et vocale au sortir de mes études d’écriture au conservatoire, jusqu’à ce que je découvre cette nouvelle étape dans l’écriture musicale, dont les possibilités ont étés mises en exergue par Pierre Schaeffer, à partir de l’enregistrement sonore, de la «chose» elle-même, et non plus de sa représentation symbolique sur support-papier (ou parchemin à l’époque des neumes du Moyen-Âge), ni de sa transmission grâce à la mémoire humaine dans les cultures musicales non-écrites, comme celle des raga/tala de l’Inde millénaire.

Crescendo: Quelle destinée prédisez-vous aux musiques électroniques?

AVG: Les musiques électroacoustiques «savantes» resterons les laboratoires de recherche qui développent une musique inouïe et la technologie y afférente. Elles anticipent certaines musiques électroniques plus «populaires» au sens d’un public large, qui utilisent les mêmes technologies. Quelques étudiants de la section électroacoustique que j’ai fondée au Conservatoire Royal de Mons/Arts2, après avoir terminé leur master de 5 années d’études, sans prérequis en connaissance solfégique et avec 14 professeurs spécialisés dans cette section, continuent à composer des musiques électroniques grand public (installations sonores, théâtre, danse, vidéo, cinéma, mapping, etc.) en leur apportant une signature sonore bien plus élaborée.

Crescendo: Votre acousmonium, “Métamorphoses d’Orphée”, a jeté l’ancre depuis quelque temps déjà sur la charmante place de Ransbèche, en Brabant Wallon. Qu’y fait-on exactement?

AVG: J’engage vos lecteurs à consulter notre site musiques-recherches.be. On y voit un agenda de concerts organisés régulièrement, 2 festivals, des résidences de compositeurs invités, une base de données «electrodoc» de plus de 12.500 œuvres électroacoustiques et leur lien avec des livres et des articles grâce à plus de 7.000 compositeurs et auteurs dans le monde. On y donne des cours généraux de musique instrumentale et de musique électroacoustique ou de technologie, entre autres dans le cadre de la section électroacoustique du Conservatoire Royal de Mons, mais aussi pour les amateurs. On y édite une revue d’esthétique musicale [la revue LIEN, ndlr] et des CD…

Crescendo: La Cour de Justice de l’Union européenne se prononcera prochainement sur le droit des compositeurs de recourir au “sampling” (échantillonnage) dans leurs œuvres sans l’accord des ayants-droit sur les échantillons sonores empruntés. Dans son avis à la Cour du 12 décembre 2018, l’Avocat Général conseille à la Cour de dire pour droit que «le prélèvement d’un extrait d’un phonogramme afin de l’utiliser, sans l’accord du producteur de ce phonogramme, dans un autre phonogramme, constitue une atteinte au droit exclusif du producteur du premier phonogramme d’autoriser ou d’interdire une reproduction de son phonogramme». Dans l’hypothèse où la Cour de Justice suivrait cet avis, son arrêt aura vraisemblablement un impact considérable dans le domaine du hip-hop et du rap. Les auteurs de musique acousmatique en feraient-ils également les frais?

AVG: Dans une bien moins grande mesure, car les compositeurs acousmatiques font eux-mêmes leurs prises de sons, élaborent eux-mêmes leurs séquences en synthèse et leurs patchs informatiques, construisent souvent leurs propres outils sonores. Si sampling il y a, il est tellement transformé, retravaillé, qu’il devient une nouvelle matière, un nouveau son.

“Yawar Fiesta” projeté dans l’espace

Martine D Mergeay, La Libre Belgique, October 31, 2012

Dimanche soir, au Marni, la création de l’opéra d’Annette Vande Gorne Yawar Fiesta avait attiré le gratin international de la musique acousmatique: l’événement — qui fêtait les trente ans de Musiques et Recherches — clôturait le festival L’Espace du Son. Dans la foulée, on y proclamait les lauréats du concours d’interprétation des musiques acousmatiques, de quoi séduire autant les amateurs pointus de musique expérimentale que les simples “auditeurs sans qualité”. Parce qu’un “opéra acousmatique”, jusqu’ici, nul n’en avait vu ni entendu. Au final, on l’aura surtout entendu, le visuel se limitant au spectacle — impressionnant en soi — de la compositrice aux prises avec son tableau de commandes, et aux lumières de Pierre Gallais.

Comme nous l’avons déjà écrit dans ces colonnes, Annette Vande Gorne s’est inspirée pour son opéra d’un texte, devenu livret pour la circonstance, du charismatique poète belge Werner Lambersy (présent ce soir-là). Ce livret, suscité par un article publié dans Le Monde, décrit une corrida traditionnelle péruvienne où le dernier combat voit s’affronter un taureau et un condor, d’où le titre Yawar Fiesta, la Fête du sang. Scène forte et suggestive, chargée de puissants symboles, dont on comprend qu’elle fascina les auteurs. Ceux-ci parlent de trois actes. N’était la structure annoncée — pour chaque acte, un chœur d’hommes alternant avec le coryphée et, à la fin, un chœur de femmes — rien ne permet de suivre une narration, ni même une évolution dramatique dans le déroulé qui est proposé. Au premier acte, les textes sont engloutis dans une matière sonore riche et mouvante, tournoyant autour de l’auditeur selon sa propre logique et son propre dramatisme; parfois surgit un mot ou une bribe de mot, mais rarement assez pour entraîner la perception d’une image ou d’une action; au second acte, le linguistique prend un peu de couleurs mais accuse, du même coup, les faiblesses d’interprétation des chanteurs ou diseurs, laissés libres d’improviser (ces improvisations ont été enregistrées et retravaillées par la compositrice) et y réussissant de façon inégale; le troisième acte est le moins opératique mais le plus équilibré: texte et musique y trouvent à se déployer et à entrer en écho, certaines phrases chocs se distinguent et font mouche, et l’émotion affleure…

Le langage acousmatique — branche radicale de la musique électroacoustique — reste à apprivoiser et l’oreille entraînée y entend infiniment plus que n’en perçoit le néophyte, mais il est sûr que, tel que nous l’avons entendu, Yawar Fiesta n’est pas encore abouti, du moins en tant qu’“opéra”. L’étourdissante virtuosité d’Annette Vande Gorne ne compense pas l’absence d’histoire (du moins à un stade intelligible) et le manque global de tension. L’artiste convenait, dans sa récente interview, qu’elle ne rejetait pas l’idée d’un contrepoint visuel, y compris sous la forme d’un film. C’est une piste à suivre. Encore faudra-t-il trouver un partenaire à la hauteur!

… une matière sonore riche et mouvante, tournoyant autour de l’auditeur selon sa propre logique et son propre dramatisme…

Les artisans du son

Khadija Chatar, L’Express, August 4, 2009

Un festival électroacoustique sur le son environnant! Cela peut paraître assez futuriste et pourtant cela fait 11 ans qu’à Toronto se tient le Sound Travels Festival of Sound Art présenté par New Adventures in Sound Art. Les 7 et 8 août, au Artscape Wychwood Barns (601 rue Christie), plusieurs francophones, dont Nicolas Bernier, Annette Vande Gorne et Hervé Birolini, viendront divulguer leurs nombreux talents à jongler avec tout ce qui fait du bruit!

«Le 7 août, je vais présenter deux spectacles, Courant.air et Les arbres. Dans Courant.air, il s’agit de combiner une couleur folk avec de la musique électroacoustique que j’aurais déjà préalablement enregistrée et sur laquelle Simon Trottier jouera en plus de sa guitare acoustique», annonce le Montréalais Nicolas Bernier.

Dans les enregistrements, M Bernier a pensé à inclure quelques éléments spécifiques au titre, Courant.air, comme le bruit du vent. «Le vent a été réellement l’inspiration. Je voulais que l’on se rende compte de son existence. C’est comme de la musique que l’on ne voit pas. Il est pourtant là, et il est créatif. Il fait des vagues et des formes», dit-il.

Son deuxième spectacle intitulé Les arbres est un projet qui lui tient très à cœur et pour lequel il a consacré de nombreuses années sans pour autant estimer l’avoir encore achevé. Cette pièce, généralement, présentée avec violon et violoncelle, aura une petite touche qui se veut plus «post-rock», comme Nicolas Bernier aime à le dire.

«Ce sera une nouvelle version avec guitare électrique. C’est un drôle de mix qui travaille sur le son et sa matière. Je dirais que c’est un peu intellectuel d’un côté et pas du tout de l’autre.»

Autre point, le concert Les arbres sera présenté avec une projection vidéo réalisée par un certain Urban9, avec qui Nicolas Bernier travaille depuis longtemps sur le projet.

Pour permettre à l’auditeur d’entrer davantage dans l’univers électroacoustique, les deux musiciens, Nicolas Bernier et Simon Trottier, ont pensé à se placer en plein milieu de la salle. «Notre but c’est que le public ne s’attarde qu’au spectacle. Nous voulons qu’il entre dans le son sans se laisser divertir par les gestes des musiciens», confie-t-il pour terminer.

D’autres artistes francophones venus cette fois-ci d’un petit peu plus loin seront aussi présents au Artscape Wychwood Barns.

Le 7 août toujours, le Français Hervé Birolini s’aventurera à bercer les auditeurs à l’aide des mélodies coupées et recoupées de son saxophone.

Son concert qui s’appelle Ozone promet d’en intriguer plus d’un, selon le directeur artistique du Sound Travels Festival of Sound Art, Darren Copeland. «C’est une pièce écrite à partir de différents sons enregistrés qu’il transforme pour en recréer de nouveaux. C’est assez spécial comme musique», dit-il.

Le samedi 8 août, la Bruxelloise Annette Vande Gorne, artiste plus traditionnelle et plus scientifique présentera Two Portraits. «Nous sommes très contents qu’elle soit là avec nous. Elle a publié plusieurs ouvrages importants sur la composition électroacoustique et a enseigné pendant très longtemps sur le sujet», déclare M. Copeland.

À son concert l’auditeur aura donc l’occasion d’écouter mais aussi d’observer le son sous une autre facette.

L’atmosphère ambiophonique créée par les 20 haut-parleurs permettront à Annette Vande Gorne de transformer la salle en un laboratoire où le public deviendra l’outil de mesure et le son, le sujet d’étude, rien que ça…

Le Sound Travels Festival of Sound Art se poursuit jusqu’au 31 octobre avec plusieurs autres spectacles et concerts.

Nicolas Bernier, Annette Vande Gorne […] viendront divulguer leurs nombreux talents à jongler avec tout ce qui fait du bruit!

Concierto electroacústico en 5.1

Josep Lluís Galiana, Levante-EMV, May 10, 2008

El ciclo de conciertos Primavera Electroacústica a València 2008 continuó su programación el pasado jueves en la Galería del Palau. Organizada por la Asociación de Música Electroacústica de España (AMEE), la selección de composiciones que, bajo el título genérico Obres de Llarg Hàlit, se pudieron escuchar tenían como mayor aliciente su presentación en el sistema de grabación y por tanto de difusión Surround 5.1 Dolby Digital. Este sistema proporciona sonido digital mediante seis canales independientes: tres canales frontales (izquierda/centro/derecha) que posibilita claridad y nitidez y una ubicación precisa de los sonidos, mientras que los canales envolventes gemelos (trasero izquierda/trasero derecha) rodean al público sumergiéndolo en un verdadero océano de materia sonora.

Este placer se hizo tangible durante la escucha de las tres obras seleccionadas para la ocasión. Tres importantes compositores del actual panorama internacional en este género y procedentes de diversos países. La compositora belga Annette Vande Gorne (Charleroi, 1946) mostró su vertiente más expresiva y detallista con su obra Figures d’espace (2004). Espacializada por el compositor valenciano y miembro de la directiva de la AMEE Vicent Gómez, la pieza conjuga con transparente y eficaz contrapunto los sonidos de la Naturaleza con los producidos mecánicamente en una suerte de Rondeau. De auténticas dimensiones épicas se podría catalogar la obra aportada por el histórico compositor canadiense Gilles Gobeil (Québec, 1954). Ombres, espaces, silences… (2005), inspirada en la polifonía más temprana (Ars Antiqua, Ars Nova), revisita el universo sonoro de los primeros siglos de la Era Cristiana. La resultante es una música de texturas brutales como si se tratase de grandes placas tectónicas de ricas y ancestrales sonoridades a la deriva. Finalmente, la joven compositora británica Natasha Barrett (1972) presentó su Prince Prospero’s Party (2002), basada en el relato corto de Edgar Allan Poe, The Mask of the Red Death. Se trata claramente de una música programática. Narra con gran fidelidad la acción del relato, dividiendo el discurso sonoro en siete secciones y pasando de las risas al grito más aterrador de los personajes de esta insólita composición electroacústica.

Este placer se hizo tangible durante la escucha de las tres obras seleccionadas para la ocasión.

Blog

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    Friday, February 6, 2015 / In concert
  • Annette Vande Gorne [Photo: Bea Borgers, Brussels (Belgium), October 27, 2018]

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    Wednesday, October 1, 2014 / In concert
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