TJ Norris, Toneshift, October 25, 2018
Thursday, October 25, 2018 Press

Montréal-based composer Monique Jean offers two works on Troubles: T.A.G. (2013) and Out of Joint (2009). This is her third full-length effort with Canadian imprint empreintes DIGITALes, was mastered by Christian Bouchard. Let’s get started with T.A.G. — or (trottoir, asphalte, goudron: sidewalk, asphalt, tar), watch your step as we explore this twenty-five minute mysteriously synthesized work. It opens in a dark, fragile unpopulated urban space, save for the detritus left behind, like what sounds like rustling plastic shopping bags int he wind, and the rattle or tin roofing. The airy space and continuous drone sounds as though something has caved in and is falling fast into a cavernous black hole — like two worlds colliding in space.

The composition seems so free and tactile, rubbery screetching like a terrified rodent, frenetic effects and all. The actions like those of locomotives and other machines seem to be in reverse here. Perhaps this is a comment on the fragility of the precious Earth below our feet, how we cover it in a man-made layer just above the natural surface, the tension between the layers, and the intervention of Mother Nature…..

She layers pockets of fairly silent crusty rotations and rising, then disappearing pitch. This evolves into a most pleasantly strange set of effervescent tiny explosions and motorized reverb. A very active piece that rattles the rafters with experimental shifts that are delightfully unexpected. But these shifts are deliberate, and have a paced build, but the end results are abstract in design. The quieter moments add for expectation. With each pitter-patter the listener may wonder what exactly is happening under the hood. Though only Jean holds the master key, and this piece keeps you guessing like a classic thriller. As you may feel safe in the shallow darkness, watch your head as the final few minutes become a frenzy on sonic discordance.

The literary inspired Out of Joint follows and “is an essay in sound hybridization on Shakespeare’s Macbeth and the various silver screen adaptations, stagings and rewrites it inspired through time.” What starts to sound like footsteps on wet pavement suddenly becomes a dark cavern, another pocketful of mystery. This shaking, quaking sound is evocative of spray paint being readied for a proper back alley tagging, and the sudden roaring explosion leads to a distant thunderstorm. This reminds me of the weather of late in North Texas, going from a rather calm day into unpredictable, instant storm flashes. Not unlike a car crash, sudden, random. But Jean adds an uncertain panache that leaves you on edge. A distinct rumble, like she’s altering the rotation of the planet axis to move mountains. Though it’s the core of this drone that builds and froths with great control. And suddenly it stops to a simple refrain of broken microsounds.

It’s here at midpoint that the composer finds the wherewithal to deconstruct the cacophony, adding breathy billows of rolling effects that disguise the actual instruments. Instead she opts for the sounds of a ride at La Ronde (Christian Bouchard) and the brittle sounds of ice on frozen lake (Mario Gauthier). It’s a fascinating set of parameters without bounds. And flash to a whole flock of geese cackle away from fore to background. A breathtaking moment in this piece.

This is the type of work that will keep you thinking on your toes, scratching your head in observation of the wonderment of velocity and scope of imagination. In the end this crackles away into a small fire, and other daily field recording observances, perhaps even fumbling inside a pocket. This set of Troubles will leave most of you breathless.

This set of Troubles will leave most of you breathless.


Roland Torres, SilenceAndSound, October 22, 2018
Monday, October 22, 2018 Press

L’artiste multi-primé Åke Parmerud fait partie de ces personnes pour qui la musique est un outil de pensée, un vecteur de conscience et de réactivité. Depuis plus de 30 ans, il s’efforce de créer un univers qui allie tensions et beauté futuriste.

C’est une mini-anthologie que nous propose l’excellent label empreintes DIGITALes, véritable défricheur de pépites électroacoustiques surgies du passé. Grains tente, en quelques titres, d’offrir un aperçu du travail phénoménal d’Åke Parmerud, avec le regroupement les œuvres suivantes: Grains Of Voices, Jeux imaginaires, Les objets obscurs et Alias.

Ces titres survolent avec justesse la diversité de son travail, mais aussi de sa personnalité, très portée par les nouvelles technologies et l’emploi de vocaux samplés, créant des ambiances cinématographiques aux balancements étranges et déviants.

L’œuvre d’Åke Parmerud bien qu’abstraite et cérébrale, n’oublie pas de titiller les sens, bousculant sans cesse l’espace sonore dans lequel il se déploie, défiant constamment l’auditeur à prendre de la distance pour mieux se précipiter à l’intérieur de sa musique, aller-retour dans l’espace et le temps, les oreilles vissées du coté des artistes du GRM. Très fortement recommandé.

Très fortement recommandé.


Giuseppe Pisano, Toneshift, October 17, 2018
Wednesday, October 17, 2018 Press

David Berezan is a notorious and well acclaimed Canadian electroacoustic composer. Teaching at the University of Manchester, where he also founded Mantis: a loudspeakers orchestra designed to perform electroacoustic music, he boasts an exceptional background. Everything in his career, from his studies with legendary personalities such as Jonty Harrison up to the many residences in famous studios and institutions around the globe, becomes solid grounding which places his well rounded, and clear aesthetic statements in the form of beautiful compositions that display all the skills and craft behind the sculpting of each sound.

Cycle nautique is by all means no different from his other records. Released like the previous ones on Empreintes DIGITALes, a label that seriously needs no presentation being home for the most iconic electroacoustic composers in history (Denis Smalley, Francis Dhomont, Åke Parmerud, Michel Chion to name a few), this work is straight walking the path to become a modern classic.

The album is mostly a collection of compositions produced 2011 and 2017, bound together by the reference to the sea world. Boats, ships, docks and the unexplored underwater depths blend together to give us an all-inclusive overview of the different aspects of the marine sound, and the many diverse and well defined moments we go through while listening provide us with abstract perceptions that feel somehow dystopian but, holding strong bonds to the sound sources, do not result in a proper Utopia.

The use of high quality, crispy and fresh sound materials together with David’s undoubted skill in the use of granular synthesis, keep his work unsullied, untouched by popular culture, hip musical tricks or references to a particular music wave or scene. What we listen to is a true and pure sound art piece, perfect in his balance. A fashionable and timeless evergreen, like a tailor-made suit. But Cycle nautique is not only an exceptionally well-composed work, with an interesting distribution of spectral components, a good balance of nice and full sound washes, overwhelming ambiences and sparse constellations — it is also an impressive demonstration of good spatial distribution.

Throughout this work, David plays with different planes of proximity and rapidly shifts between them integrating both heavily processed sound materials and plain field recordings. Even listening over only a pair of stereo loudspeakers we can appreciate the very complex sound environment he creates and the way we feel completely immersed, and I can’t dare imagining how empowered these compositions would sound by being performed over more complex speaker systems for spatialization.

A special mention would go to my favourite piece of the batch, Offshore. A great example of processing acoustic instruments’ sounds, being in fact constructed entirely with bass clarinet recordings of Marij van Gorkom and turned into streams, winds and far vessels buffs, then into stones clattering and clinking together. And again with pointy bio-luminescent creatures inhabiting the bottom of the sea, while sonars and morse signals deploy communication among the humans exploring that darkness.

… an exceptionally well-composed work…


Roland Torres, SilenceAndSound, October 16, 2018
Tuesday, October 16, 2018 Press

Musicien et plasticien originaire de Marseille, eRikm propose trois titres qui nous entrainent dans des espaces où la plasticité de l’espace, puise ses ressources dans le field recording et l’imaginaire, dans l’enfance et la géographie, la pensée et la sensibilité, l’urbanisme et la science-fiction.

Mistpouffers circule entre nos oreilles avec une fluidité qui nous fait presque oublié que nous sommes les auditeurs de cette œuvre, captivé que l’on est par ces enchainements de sons enregistrés et assemblés, qui prennent le temps de nous transporter sur des sillons bousculés par le vent et secoués par les feux d’artifices, réchauffés par les voix et oubliés dans l’immensité du monde.

eRikm alterne les ambiances tout en respectant une certaine ligne directrice, qui voit les objets prendre des allures poétiques, enfantant d’instants de suspension troublés par les mots et les bruissements d’existences multiples, aux formes mutantes. Voyageur.

Mistpouffers circule entre nos oreilles avec une fluidité qui nous fait presque oublié que nous sommes les auditeurs de cette œuvre…

Trouver la beauté dans les sons sauvages

Philippe Papineau, Le Devoir, October 15, 2018
Monday, October 15, 2018 Press

Le compositeur, explorateur du son et pionnier de la musique électroacoustique Francis Dhomont a toujours voulu faire des opéras, «mais sans chanteurs, sans instruments. Des musiques qui, néanmoins, racontent une histoire. Pour moi, c’est évident: tous les éléments techniques du son et de la musique que je peux connaître et que j’ai approfondis n’ont qu’un but: traduire une pensée, une émotion.»

Un homme modeste, Francis Dhomont, à qui on parvient néanmoins à soutirer ceci: «J’étais moi-même très convaincu d’avoir quelque chose d’intéressant à dire, et donc je l’ai dit avec assez de conviction pour convaincre d’autres personnes, professeurs et étudiants, qui ont fait croître cette musique. À ma manière, et avec plusieurs autres, j’ai contribué à faire de Montréal — enfin, du Québec en général, mais de Montréal en particulier — un centre important de la musique électroacoustique.»

Et c’est pour cela que le festival Akousma lancera au Gesù ce soir sa quinzième édition, avec d’abord une causerie dirigée par le directeur artistique du festival, Louis Dufort, puis un concert durant lequel le compositeur français, pionnier de ces musiques pour orchestre de haut-parleurs, présentera en première nord-américaine une sélection de ses œuvres récentes – qui ne comprendra cependant pas Le cri du Choucas, terminée il y a deux ans, dernier volet d’un triptyque amorcé en 1982 avec Sous le regard d’un soleil noir, possiblement sa plus importante composition. «C’est une œuvre qui a beaucoup compté pour moi, explique Dhomont. Comme Forêt profonde et Le cri du Choucas, elle a pour base des écrits de psychanalyse; ce sont les œuvres qui, je crois, me représentent le mieux.»

Retour à Montréal

En vérité, c’est comme si l’organisation dédiait la quinzième édition d’Akousma à Francis Dhomont, de retour au Québec après neuf ans d’absence. «Ça me fait très plaisir, d’abord parce j’ai beaucoup d’amis ici, beaucoup d’anciens étudiants, beaucoup de souvenirs de la Faculté», explique celui qui a enseigné la musique à l’Université de Montréal de 1980 à 1996. Le compositeur, qui aura 92 ans le 2 novembre prochain — «Naître le jour de la fête des morts!» souligne-t-il en riant —, continue d’enrichir son œuvre de nouvelles explorations dans cet univers sonore qu’il a largement défriché, celui des musiques sur support pour orchestre de haut-parleurs.

Lorsqu’il est arrivé à Montréal en 1978 après être passé par le célèbre Groupe de recherches musicales de Paris fondé vingt ans plus tôt par le père de la musique concrète, Pierre Schaeffer, il a vite fait connaissance avec les fondateurs de l’Association pour la création et la recherche électroacoustiques du Québec, parmi lesquels la compositrice et pédagogue Marcelle Deschênes.

«À la Faculté, on venait d’ouvrir une classe de musique électroacoustique. Marcelle m’a demandé quelque temps après si j’accepterais de donner quelques cours, puis quelques autres, et j’ai fini par en donner beaucoup. Et c’était très bien. J’ai eu beaucoup de plaisir parce que j’ai eu affaire à des étudiants très motivés et très sympathiques», dont son ami Robert Normandeau, compositeur chevronné devenu professeur à la Faculté de musique de l’UdeM et grand spécialiste de l’œuvre de Dhomont, dont l’influence sur le développement des musiques acousmatiques et électroacoustiques au Québec fut déterminante.

Donner vie à la musique

«J’ai apporté une chose, ici, et c’est [la notion de] la spatialisation de la musique, qui était une technique essentiellement française», abonde le maître, vif et généreux malgré le décalage horaire. La spatialisation sonore, où l’art de travailler le son pour «donner l’impression de décrire des trajectoires dans l’espace, de se situer dans un univers sonore en relief», pour reprendre le mot du compositeur français Edgard Varèse, un autre pionnier dans le domaine.

«Dès mon arrivée, j’ai commencé à donner de petites présentations, avec un petit nombre de haut-parleurs; on commençait avec pas grand-chose, mais c’était déjà un début, poursuit Dhomont. Ça permettait de donner à cette musique de haut-parleurs un aspect moins statique, une vie. Et progressivement, cette façon de projeter la musique électroacoustique est devenue très actuelle ici, alors je suis très fier d’avoir semé cette petite graine qui a poussé.»

Et qui a même réussi à pousser hors du registre des musiques dites savantes, estime Francis Dhomont. «Il y a une chose dans certaines musiques populaires, notamment dans la musique techno: c’est que ces musiciens utilisent des instruments et des équipements qui ressemblent beaucoup à ce que nous utilisons nous-mêmes dans nos studios. Donc, on a tendance à retrouver certains sons qui nous sont communs. Mais il y a aussi certains compositeurs de ces musiques qui connaissent le travail des créateurs électroacoustiques. Ils n’en font pas eux-mêmes, mais ils connaissent les œuvres et s’en inspirent, quelquefois.»

«Dans la musique électroacoustique, comme on prend tous les sons qui existent dans la nature, autant ceux qui existent que ceux qu’on peut créer avec des appareils, tous ces sons peuvent se rapprocher de ce qu’on appelle le bruit. Certes, ce sont des sons un peu plus sauvages, mais on peut les organiser pour qu’ils soient plus agréables à l’oreille, ou plus agressifs, si c’est bien l’intention. Donc, il faut évacuer l’idée de départ que c’est du bruit. Il faut arriver à admettre que l’on peut faire de la musique avec autre chose que des instruments d’orchestre. Si on arrive à franchir cet obstacle, alors je pense qu’on peut vraiment trouver de la beauté.»

À ma manière, et avec plusieurs autres, j’ai contribué à faire de Montréal […] un centre important de la musique électroacoustique.


Frans de Waard, Vital, no. 1153, October 15, 2018
Monday, October 15, 2018 Press

[…] Of course eRikm, as he loves to spell his name, is someone who is no stranger to these pages, ever since he first surfaced as a turntablist in the mid 90s. He works as an improviser, expanded to using vinyl, CD, mini discs and finds his own narrative, which is not unlike that of say Luc Ferrari. A particular highlight was his LP L’Art de la fuite (Vital Weekly 1000), even when that was an earlier work. The three pieces here deal with the past, his own past, in Switzerland, which he calls ’his other homeland’, but also using a traditional Icelandic text in the first piece Draugalimur, meaning ’phantom limb’. In that piece eRikm combines field recordings with text and with some instrumental sounds, while in Poudre he uses many recordings of new year’s fireworks in Berlin, with it’s many reflections of the buildings and perhaps also from history. In the third piece, L’aire de la Moure 2 there is also a text, by Paul Eluard and I must admit reading the description didn’t make things clearer for me. Here there are quite a few field recordings, mainly birds I believe, along with insects and wind, with what seems to me a minimum of processing here and there, but not a lot, or at least: not throughout the entirety of the piece. eRikm doesn’t follow Ferrari’s more linear approach to the use of field recordings but it seems to me it is all bit more of an anarchist approach; see where sounds fit and then use them accordingly, which I would think is the best approach. This too is not really the sort of things one expected from Empreintes Digitales, and for instance more at home on Gruenrekorder, but here too I thought the label does a smart move and venture into something new. In the past I may have been a bit (too) sceptical, but with these two the label is back on track. For eRikm I would say this is another highlight.

… I would say this is another highlight.

By continuing browsing our site, you agree to the use of cookies, which allow audience analytics.