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Justine: contrer la paresse auditive

Radioactivité, May 28, 1990
Monday, May 28, 1990 Press

Puisque la musique d’aujourd’hui subit inévitablement les rouages d’une véritable industrie, tout ce qui s’éloigne de ses structures est automatiquement taxé d’alternatif, d’avant-gardiste. Ainsi, parce qu’elles se sont toujours éloignées des modes, les quatre filles de Justine n’ont donc jamais reçues de diffusion équitable pour leur matériel. Leur seule issue à toujours été d’aller jouer à l’étranger. Ce qu’elles ont d’ailleurs fait régulièrement pendant les dix ans de l’aventure de Wondeur Brass. Maintenant avec une toute nouvelle entité musicale, et un premier disque sous ce nom, les quatre super-mémés de Justine comptent bien créer une nouvelle brèche dans notre paresse auditive…

D’emblée, Joane Hétu m’avouera qu’elle et ses comparses de Justine n’ont pas l’intention de changer leur démarche musicale pour connaître plus de succès au Québec; «On ne se considère pas commerciales du tout, on se sent davantage près de la recherche… On cherche à contrer une certaine paresse auditive… C’est un peu comme la première fois qu’on a vu un Picasso, on s’est demandé ce que s’était. Mais avec les années, on a appris à aimer ça… Ou comme le Festival International de Jazz; au début, ça faisait peur. Mais avec les années, ça devient une musique plus écoutable! Il faut juste faire l’effort d’écouter… Je n’ai jamais compris pourquoi on associait automatiquement la musique à une industrie, alors que quand on parle de théâtre, on pense tout de suite à un art…??? «S’inscrivant directement dans le courant de la musique actuelle, Justine est né de l’expérience de plus de dix ans du collectif Wondeur Brass. C’est la continuité de fond, le résultat des trois ou quatre dernières années du défunt groupe de fille. «Avec Justine on souligne la démarche musicale des trois ou quatre dernières années de Wondeur Brass… au moment ou on a décidé d’intégrer l’électronique. Puis, il faut bien dire qu’au début de Wondeur Brass, les cuivres étaient beaucoup plus présents. À cet époque, le nom collait mieux à la formation… Pendant 10 ans, en opérant ensemble on a subi 5 formations différentes ce qui a évidemment provoqué des changements d’orientation presqu’à chaque fois. On en était rendues à avoir plus de difficulté à s’associer au principe de base de Wondeur Brass qui était au départ celui d’une fanfare… Mais on a beaucoup appris avec les Wondeur Brass, même si c’était plus léger comme engagement musical… On a tout simplement voulut faire peau neuve au Québec, réactualiser notre démarche et reconquérir un nouveau public. Lancer un nouvel appel «explique la saxophoniste.

Ainsi, la volonté d’explorer de nouvelles avenues musicales est très manifeste chez les quatre filles de Justine. Elles ne s’embarassent nullement de savoir si oui ou non, leur musique peut s’inscrire dans le circuit normal de la diffusion de la chanson québécoise. Elle comprennent très bien que dans leur cas, ce n’est pas ce qu’il faut qu’elles visent. qu’elles n’y parviendront pas tant et aussi longtemps qu’il ne s’opérera pas un changement drastique dans l’environnement sonore du Québec; «On s’inscrit définitivement dans le courant de la musique actuelle… mais dans 80% du temps, ça nous oblige à jouer ailleurs Au Québec, on agit encore en colonisés; quand on arrive ailleurs, on a une couleur différente qui justement, les ravit. Ce n’est pas ce qu’ils ont l’habitude de voir, et c’est ça qui les stimule. Au Québec, on est plutôt mal à l’aise avec ça. Il n’existe pas encore de fierté par rapport à notre authenticité… Nous, ce qu’on cherche c’est quelque chose qui se marie bien à toutes les cultures… Nous faisons une musique vivante, qui se permet toutes les folies que les quatre musiciennes peuvent avoir à ce moment là. Notre musique n’est jamais statique, on se permet régulièrement des moments d’improvisation, on joue beaucoup avec l’indéterminé comme dans une montagne russe…». Comme elles le soulignent elles-mêmes dans leur communiqué; «Justine, c’est une musique hybride. Une musique ouverte el pluraliste où prédominent la cohabitation des paradoxes. De la gigue au numérique, du tango au bruitisme.» Après une telle description, que peut-on rajouter sinon que la musique de Justine vit d’elle même, et, à ce niveau, les textes deviennent sonores, presqu’une musique en soi: «Je n’ai pas l’impression qu’on tient un discours concret par rapport à une thématique quelle qu’elle soit… Les textes de nos chansons sont choisis pour leur qualité sonore. Notre musique parle vraiment d’elle-même. Ce n’est pas nécessaire de souligner le tout au trait rouge…» soutient Joane. Il est vrai que l’attitude même de la formation est suffisamment claire et sans ambiguïté, et que ça constitue justement une des forces de Justine On a qu’à les regarder aller, à écouter leur musique, pour comprendre toute la motivation qui les anime. Leur démarche ne peut certes pas être taxée de conformiste, ni de statique. La continuité de fond se ressent à tous les niveaux; de la formation, à la musique sans oublier les textes. Justine, C’est un tout!

C’est ce que le public pourra constater cette semaine, alors que Justine effectuera le lancement de son nouvel album au Bar Théâtre Les Loges à Montréal, mardi (29 mai). Par la suite, les quatre musiciennes nous donneront un aperçu de leur nouvelle entité en spectacle, alors qu’elles se produiront sur la même scène les 30 et 31 mai, ainsi que les 1 et 2 juin. Pour ceux et celles qui recherchent l’inusité et qui n’en ont que pour tes innovations, c’est sûrement un spectacle à ne pas rater. Comme pour tous les autres aussi! C’est une question de paresse auditive à contrer!!! On doit faire de la place dans notre environnement musical, pour la nouvelle chanson française d’ici…

Pour ceux et celles qui recherchent l’inusité et qui n’en ont que pour tes innovations…

Fleurs carnivores: Justine’s musical flights of fancy kill two albatrosses with one stone

Andrew Jones, Montreal Mirror, May 24, 1990
Thursday, May 24, 1990 Press

Never let it be said that the members of Justine aren’t prepared to improvise at the drop of a hat. When it seemed impossible to tape our chat because the erase lugon the cassette tape of awful corporate rock we were taping over had been punched out, keyboardist Diane Labrosse came to the rescue. She produced a band-aid.

The four members of Justine —Labrosse, saxophonist Joane Hetu, bassist Marie Trudeau, and drummer Danielle Palardy Roger — have never been reticent to try something new, either in studio or in concert. In their ten-year slint as Wondeur Brass and its hipper, more impulsive sister, Les Poules, their brazen, fresh collages of mood, style, and song helped set the standard for Québec’s new music movement, musique actuelle.

Now, as Justine, the Montréal quartet have shorn themselves of the "brass" (a lone saxophone remains) and started a new. Justine is about to unveil a new project thal both destroys the peception of a "woman’s group" as an albatross and creates breathtaking new musical possibilities in a brave new genre whose absence of borders can be just as problematic as limitations. Soon Justine will reap the harvest of a year’s work, but be careful. Justine’s musical blossoms are no ordinary flowers—they’re mone like fleurs carnivores.

By any other name

"When we started working on this new music, this new project, we knew that we were going to produce it under a new name. " says Labrosse. "We wanted to have a whole new repertoire of fresh air, liberated from the old Wondeur Brass. "

We’re sitting in a casse-croute around the corner from Justine’s east-end practice space, a cramped basement studio shared with Jean Derome, Pierre Tanguay, and "Serge l’ Accordéoniste," a mysterious figure no one ever sees. Outside, Masson street serves as a drag sirip— a praclise space for bikers.

But a rose by any other name is just a flower. Just how different will Justine he from the old Wondeur Brass?

"Musically we wanted to integrate more electronics,"says keyboardist Labrosse. "It’s almost a cross between what Wondeur Brass used to do and what Les Poules did. Wonder Brass went into the studio very much prepared, very much structured, and Les Poules did a lot of improvising. So we wrote the music—themes, arrangements. And then we went in the studio. We recorded some material, changed it around and shaped it more through improvising. Soit’s a bit of a blend. And that’s what makes our new sound. "

"We used the studio and the recordig process—montage, cuting, and editing— as if it was another musical instrument," says drummer Roger, as another Harley rips up the street. "We literalIy transformed our sound in the studio. It was the first time it took close to a whole year to record an album. It gave us time to reflect and to let the music become much, much more intricate. Not that the other albums aren’t intricate, but Justine is more so. "

Roger admits that dwindling finances curlailed this luxurious fine-tuning. "lt’s always a question of money, and we had to decide it was finished. But this record is just one step in the direction of this music, and we are still continuing that direction," says Roger. "In Les Poules we were always in the process of re-evaluating the evolution of our music. So, yes the record is done, but our music is far from finished. "

Listening to Justine is like getting a free ticket to an old amusement park once run by Carla Bley, ravaged by Alben Ayler, and rebuilt by John Zorn. Every kind of music ever made by humankind is in here, plundered, sifted, gutted, rearranged, then stitched and carefully glued into place.

The funhouse starts with Le monstre, an odd Noh-style cabaret with a strong sense of dynamics. The tunes that follow pulse with a moody, see-saw organ or twitch with herkyjerky calliopes reminiscent of Bley. Most have swift, abrupt changes in mood, tempo, and musical style, going from rippling keyboard runs to free saxophone squalls. Some songs, like the double blast of J’ai perdu le temps and J’ai perdu le sommeil, throw away the boundaries altogether.

"It is going a step further," says Labrosse. We usually switch around our music very fast, but this time we’re pushing it even further. But then again, we’ve never produced anything that’s easy to listen to, that you can put on and have dinner at the same time.

"We based ourselves from the beginning on the classical suite, which has different movements. And we wanted to build the record this way, with different movements within the tracks. The whole record isn’t one piece as such, unless you look at it as one piece with very different moods and colours and textures."

The sound of the female voice figures prominently on Justine, but not just in song. Justine uses its four voices percussively, rhythmically, and melodically. On L’Intelligence du coeur, massed or disembodied radio voices seep through the savage, free jazz keyboard bluns. Elsewhere they shriek, whisper, caress, laugh, and yelp. "We always said that we were not authentic golden voices with pristine range," says Labrosse. "We’ve always integrated the voice as another instrument. This is why everyone sings; none of us is more accomplished than the other. Something new is that everybody sings on the same tune. We throw the ball at each other much more than we did before. Before Joane would sing cinema, Danielle would sing les amours, but now in one song it goes around to everybody. "

Justine also enlisted the aid of New York’s resident electric harpist, Zeena Parkins, as well as Tenko Ueno, the Japanese queen of onomatopoeic jazz and member of Mizutama Shobodan —The Polka Dot Fire Brigade. ’ We found definite similarities in the energy, and in their way of working," says Labrosse. We all seem to have a craft in sounds," adds Roger.

Musical gender

The stunning complexity of the new release may free Justine from the strictures irilposed by a society that emphasizes genderover musicianship. "That’s changed primarily in our own minds," says Labrosse. "At some point you stop focusing on gender, and in the last years we focused on the fact that we are musicians. Of course the rest of us comes along, like everyone’s personality comes into your work. That in itself is a fresh perspective. We don’t need to spell it out. "

Roger concurs. "More and more our collaborations, whether within Justine or with others, are approached on a musical level, and everyone has to pull their weight. "

As for the mysterious new name, it doesn’t come from anywhere in panicular. Roger does offer this explanation: "It’s a name that’s direct, plain, but at the same time reverberates with possible significances."

Listening to Justine is like getting a free ticket to an old amusement park once run by Carla Bley, ravaged by Alben Ayler, and rebuilt by John Zorn.

A Creating Fringe Keeps Electronic Music Alive and Compelling

Arthur Kaptainis, The Gazette, May 12, 1990
Saturday, May 12, 1990 Press

Robert Normandeau will make a better impression on listeners who prefer (or demand) the lucidity and linearity of good non-electronic music.

Not that allusion is lacking: Ligeti-like choral clusters, church bells, trains and slot machines all make appearances in Jeu, the longest work. Yet there is real forward momentum, and the result is nomadic in the good sense.

Also impressive is Memoires vives, a 16-minute requiem of haunting echoes set in a vast cathedral space. This is serious music.

Normandeau’s aims in Rumeurs are more impudent, but even this miscellany of loon ealls, door slams, bush fires and flushing toilets manages not to bore.

The Impossible Orchestra

Andrew Jones, Montreal Mirror, May 3, 1990
Thursday, May 3, 1990 Press

Think of the fun Mozart would have had with a harpsichord retrofitted with MIDI ports. The musical instrument digital interface, with which one can score, arrange, and play any number of instruments from a lone trigger instrument — keyboard, drums, guitar — would have freed Mozart’s lightning-fast mind to compose works that would make complex and brilliant operas like Cosi Fan Tutte seem like child’s play.

Today, MIDI has become an inexpensive way to get an impossible orchestra sound from just a single instrument. Just ask Alain Thibault. A founding member of the Canadian Electroacoustic Community, the 34-year old Montréaler composes with a Macintosh mouse and music software rather than quill and quire. Thibault, who taught electroacoustic music at Université de Montréal for four years in the late ‘80s, has heard his music performed by the SMCQ, the Nouvelle Ensemble Moderne, Synthèse in France, and New Music Concerts in Toronto.

“While the syntesizers are programmed to play sounds which are familiar to orchestral ears — a harpsichord or a trumpet — the articulation is something that we couldn’t accomplish with real musicians,” says Thibault of his 1989 work Concerto a For MIDI Piano, which pits pianist Jacques Drouin against a MIDI-fied orchestra that he can control with his 88 keys.

“The advantage for Jacques is that he has the touch and feel of a real piano, and he can control an entire orchestra in real time. He doesn’t play against or inside the computer, it’s more like a dialogue between them.

“But it’s not like performing with other musicians. When you perform a concerto with a symphonic orchestra, the conductor will adjust for individual tempos. Because the orchestra was generated with a computer, the tempo is unbelievably rigid. If you miss, you’re finished.”

Concerto For MIDI Piano appears on Thibault’s new recording, Volt, the third compact disc to be released on the empreintes DIGITALes label, which has been offering recordings of consistently high quality by local composers working in the champs magnetiques of electroacoustic music.

The first release, Christian Calon’s Ligne de Vie: Récits Électriques (Lifeline: Electric Stories) are gossamer sound sculptures with silence as perhaps the most important element. Although Calon thanks Bataille, Joyce, Baudelaire, and Artaud, the corruscating prose hallucinations of those famous literary pioneers are merely the inspiration for dreamy and terrifying sonic landscapes that sound like a possessed version of Brian Eno’s ambient series.

Robert Normandeau’s Lieux inouïs, (Unheard-of-Places), on the other hand, combines the playfulness of Carl Stone and the layered sound of Zoviet France. His brilliant Jeu begins with a chant that’s split, phased, and processed until it’s completely unrecognizable. Thematically working with metaphors of game and chance, Normandeau takes pure sounds, shifting and shaping them until a juke box resembles a shower of cobalt, and wobbly fragments of sound trigger deep memories.

Thibault parts company with his label mates is in his dynamic sensibility. While many electroacoustic composers steep their work in overlapping ambience and extended atmospheres, Thibault is more interested in rhythm, something he gotfrom growing up with the devil’s music, rock’n’roll. It’s no mistake that Concerto For MIDI Piano sounds like a cyberpunk Prokofiev.

“I come from the electroacoustic boom of the ‘70s,” explains Thibault. “I was interested in the richness of the sounds I could get from tapes and synthesizers. The aesthetic at the time was to not use any parameters familiar to instrumental music, like notes or rhythm. But in the ‘80s I broke away from that, and went back to notes and rhythms. Rhythm is the most important parameter for me. I need rhythm, the propulsion of time.”

Thibault’s rhythmic arsenal is best heard in two multi-media works also found on Volt. E.L.V.I.S. (Electro-lux Vertige Illimité Synthétique) is a deliciously sly work that has the Montréal Saxophone Quartet exploring Timothy Leary’s headspace and finding The King in a Henry Cow groove.

OUT, a science-fiction video opera composed on the Fairlight CMI, won Keyboard’s Sound Page Competition for 1986. Taking place in the year 2084, OUT tells the story of hapless souls lost in the “psychic immigration spaces” of a world governed by a computer-generated simulacra of Ronald Reagan. “I was reading a lot of Philip K Dick books, and Reagan was still president at the time,“ confesses Thibault.

“I think Dick was one of the greatest writers in science fiction. His conception of the future was determined by the drugs he experimented with, the music he listened to, the religion and culture of the times he lived in. That’s not science fiction that’s reality.“

Volt, the third compact disc to be released on the empreintes DIGITALes label, which has been offering recordings of consistently high quality…

Le manifeste du musicien

Maurice Lachance, Spirale, May 1, 1990
Tuesday, May 1, 1990 Press

Le Trésor de la langue de René Lussier est un disque choc. Il y a longtemps qu’un enregistrement n’avait eu sur moi l’effet d’un tel coup de foudre. Est-ce dû à son originalité? son humour? son engagement politique? C’est grâce à tout cela que ce disque impressionne tant et, de plus, parce qu’il révèle enfin la musique de la langue. Il s’agit bien, comme le dit le titre de l’album, d’un véritable trésor sonore.

René Lussier, guitariste, multi-instrumentiste, électro-acousticien, s’est fait une réputation de chercheur de sons. Avec son fidèle partenaire Jean Derome, il a toujours travaillé à dé- et recontextualiser les sonorités de notre environnement. Plutôt que de créer des sons nouveaux à l’aide de synthétiseurs, il puise à même notre habitat musical. S’il y a des voyeurs, Lussier est, quant à lui, un écouteur. Son oreille guette le moindre bruit dans le but de le relocaliser et de lui donner, par le fait même, une signification insoupçonnée. Le Trésor de la langue est donc en quelque sorte l’aboutissement d’une recherche commencée il y a déjà une dizaine d’années; cette fois, la perversion de l’écouteur aura trouvé un objet de rêve: la parole.

Du bon travail?

Lussier a fait parler les gens de la rue et les a enregistrés, il a réécouté des paroles politiques fort connues, il a interviewé les petites gens et leurs frustrations. Cette banque langagière a ensuite été transcrite sur partitions musicales de façon à rendre les mélodies, les motifs, les rythmes propres à ces paroles. Une fois ce travail accompli, Lussier a orchestré ces partitions en y superposant des instruments comme la guitare sèche, le violon ou le trombone qui suivent, grâce à un synchronisme parfait, le débit de ces paroles. Le résultat est fascinant puisque nous entendons un chant jusqu’alors imperceptible. On ne peut s’imaginer toute la musique qui se cache derrière des paroles, même fort insignifiantes.

Ce qui vient d’être décrit demeure avant tout intéressant pour le musicien sensible à la technique de son art. On est frappé par la précision de la dictée musicale, par l’intelligence de l’orchestration, par la qualité du mixage, mais ce beau travail n’aurait été qu’un beau travail, rien de plus, s’il n’avait relevé le défi de découvrir, par la musique, un sens à ces paroles.

Politique et musique

Le Trésor de la langue s’organise à partir d’une quête: celle de deux individus en voiture qui demandent aux gens la direction pour aller à Québec. De plus, ils leur posent une question cruciale: est-ce important de parler français? Une première répondante, par hasard Française, dit qu’elle ne comprend pas le «dialecte québécois» et qu’elle aimerait bien qu’on «s’adresse à elle en français». Dès le départ, Lussier annonce ainsi ses couleurs: si la musicalité de la langue m’intéresse, je dois inévitablement aborder la «politicalité» de cette langue. C’est, à mon avis, ce qu’il y a de fort dans ce disque: la politique et l’histoire du Québec sont revues et corrigées par un musicien. Un musicien pour lequel l’humour est fondamental. Ceux qui l’ont vu sur scène savent combien il sait faire passer des idées musicales avant-gardistes et souvent difficiles au moyen du rire. Le Trésor de la languene fait pas exception, ainsi que le montre cette séquence, entre cent, où une Anglaise de Québec indique à nos deux voyageurs comment se rendre au centre-ville. La non-communication entre les deux peuples n’a peut-être jamais été montrée de façon aussi ironique.

On le voit, le choix des paroles (le Référendum, de Gaulle, le manifeste du F. L. Q. , la Française, I’Anglaise, etc. ) implique une position politique. Ce que Lussier a pressenti et qui devient de plus en plus évident à l’écoute de son disque, c’est que la musique, utilisée de cette façon, est bien plus qu’un simple support à un projet politique, elle en constitue peut-être même l’essence.

Le Trésor de la langue de René Lussier est un disque choc.

Alain Thibault, de Janet Jackson à Stockhausen

Alain Brunet, La Presse, April 29, 1990
Sunday, April 29, 1990 Press

«Ça fait du bien de mettre ça à jour», lance Alain Thibault, compositeur électroacoustique. Bien qu’il n’eût pas encore endisqué depuis le début de sa carrière, son travail a toutefois été suivi par les médias. Le caractère spectaculaire et punché de ses œuvres y est pour quelque chose.

Lancé sur la nouvelle étiquette empreintes DIGITALes, le disque Volt est en quelque sorte le résumé de cette demi-décennie de création.

Disséquons rapidement. Dans la pièce E.L.V.I.S., le Quatuor de saxophones de Montréal (dont les arrangements sont signés Walter Boudreau) peut se juxtaposer à un amalgame hautement technologique. D’autre part, la soprano Pauline Vaillancourt bien connue dans les milieux institutionnels, combine ses talents vocaux à l’œuvre Le soleil et l’acier. Par ailleurs, le pianiste Jacques Drouin s’exécute dans trois mouvements d’une pièce intitulée Concerto pour piano MIDI; ce nouveau concept de liaison entre un piano de concert et des synthétiseurs sophistiqués semble très séduisant. Outre cette «bi-énergie» (humaine et technologique), des œuvres comme Volt et Out révèlent les facettes exclusivement synthétiques de Thibault. On sait qu’une portion de ces œuvres ont été crées pour des événements multimédia. Sans les images, on peut maintenant évaluer leur autonomie.

«En début de carrière, je ne jurais que par les machines. Mon souci était d’abord de faire une création avec les nouvelles technologies de studio. Maintenant, je mise aussi sur l’élément humain. Les musiciens participent à mes compositions, j’aime sentir leur présence», soutient le créateur, qui s’associe dorénavant aux instrumentistes classiques pour étoffer son travail.

Thibault a aussi collaboraé avec des créateurs en art visuel, en danse et en théâtre. Il a récemment signé des musiques pour la troupe Carbone 14.

D’entrée de jeu, le compositeur se démarquait des autres électroacousticiens, surtout par le caractère rythmique de son travail. Les références en musique pop trouvaient une niche dans une approche pourtant soutenue par les milieux institutionnels de la musique dite sérieuse.

Thibault fait partie de cette nouvelle génération de compositeurs qui n’ont aucun scrupule à mêler les enseignèments de Pierre Boulez, György Ligeti, Karlheinz Stockhausen, Frank Zappa, Jimi Hendrix, Yes ou Miles Davis. L’artiste de 32 ans apprécie même le travail compositionnel de Janet Jackson!

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