Blog

Le premier disque de Robert Normandeau

Alain Brunet, La Presse, April 1, 1990
Sunday, April 1, 1990 Press

Lieux inouïs, le disque de l’électroacousticien Robert Normandeau, était lancé dans un lieu incongru. Pas nécessairement inouï, mais inusité.

Le concept est intéressant: goûter de savants brassages sonores au Planétarium Dow, dont le nom rappelle des brasseurs autrefois célèbres…

Sous les étoiles et les dispositives du Planétarium, on plane. On risque certaines turbulences, mais on plane quand même. Évidemment, tout dépend du point de vue où l’on se place.

«Je tiens à cueillir mes sons moi-même, souligne Normandeau. Chacun d’entre eux ont une histoire. Je ne me sers presque pas des synthétiseurs». Surprenant, pour un genre qui semble embrasser les plus neuves technologies.

Le centre de l’actuelle démarche de Normandeau consiste en un projet intitulé «Cinéma pour l’oreille». «Ce qu’on a compris du cinéma peut parfois étre transposé dans le langage musical. C’est ce qui m’intéresse: raconter des histoires à partir des sons. Chacun peut y percevoir ce qu’il veut bien y piger».

Son premier disque rassemble l’essentiel de son travail créatif depuis 1985. Ajoutons que notre homme est le premier étudiant inscrit au doctorat en électroacoustique à la faculté de Musique de l’Université de Montréal.

Au terme de notre courte conversation, je lui dit que mon séjour au Planétarium a, somme toute, été couci-couça. Il me suggére d’écouter Lieux inouïs sans support visuel. D’accord, on essaie. C’est effectivement mieux.

En ce qui me concerne, les plus beaux moments de cette musique sont ceux où le présent experimental se lie avec le passé classique; de très beaux chants sont ainsi repris et traités avec circonspection! Pour ce qui est du reste je sens que tout cet échafaudage manifeste énormément de travail, certes mais camoufle un peu trop le fondement du propos, le centre emotionnel de l’œuvre.

Remarquez que je suis un pur néophyte dans ce domaine qui ne m’a pas encore totalement séduit. Mais il y a tout un milieu de créateurs qui s’acharnent à faire proliférer le genre, donnons donc la chance aux coureurs.

… les plus beaux moments de cette musique sont ceux où le présent experimental se lie avec le passé classique…

Le trésor de la langue: Un Québec éclaté

Marc-André Houle, Rebelles, April 1, 1990
Sunday, April 1, 1990 Press

Une œuvre artistique qui traduit la réalité sociale dans toute sa globalité mérite qu’on lui porte attention et analyse. Sensible à son époque et à l’histoire, René Lussier a surmonté le défi de nous entretenir de la langue sans tomber dans les platitudes nationaleuses. Sa fresque musicale, Le trésor de la langue, sortie en format vinyle et en disque compact au mois de janvier dernier, pose les bal ises du Québec contemporain et virtuel, une culture québécoise à plusieurs dimensions qui ne s’épuise pas à la seule question linguistique.

Une œuvre à plusieurs sens

D’emblée, Lussier nous propose un projel musical complexe et aventureux: découvrir pour chaque syllabe, la note musicale qui y correspond, pour en arriver à faire jouer la musique qui se cache derrière les mots et la parole. D’où un patient travail pour extraire la musique du verbe enregistré auprés des gens rencontrés au fil du projet, en plus d’une cueillette d’extraits sonores célèbres: Ie discours du général de Gaulle à l’Hôtel de Ville de Montréal en 1967, la lecture du manifeste du FLQ par Gaétan Montreuil en 1970, Maurice Duplessis, Michel Chartrand, etc.

Les voix se trouvent accompagnées par un instrument, le plus souvent la guitare ou le violon, donnant l’impression de chants. L’interaction parolel musique est à ce point forte qu’on se demande, aprés écoute, si ce n’est pas plutôt la parole que l’auteur a voulu coller à une musique déjà écrite. Mais alors que cette musique seule pourrait se justifier, si l’on accepte l’idée d’ume musique contemporaine où les notions de mélodie, d’harmonie et de rythme sont différentes, le lien parole/musique enchâssé dans une tapisserie musicale bigarrée produit une œuvre puissante par les multiples chemins ainsi créés.

Avant tout, cette musique générée par les mots ne suit pas une trajectoire bien déterminée lorsque jouée sans paroles. La direction musicale indécise s’accentue davantage puisqu’une phrase répétée n’est jamais pareille. C’est donc vers le hasard que nous conduit le travail de Lussier.

Autre piste explorée dans Le trésor de la langue: les nombreux styles musicaux employés pour l’orchestration des extraits sonores. Lussier s’est servi du rock, du blues, du jazz et, parfois, de références plus contemporaines. Mais la présence très forte de la guitare -classique et électrique- instrument qu’il pratique, nous ramène plus souvent au rock. Imaginez alors le discours du général de Gaulle en 1967 dans une armosphère à la Jimi Hendrix, la lecture des résultats du rétérendum de 1980 sur du blues ou un discours de Michel Chartrand scandé au rythme du rock’ntroll… Il s’agit d’un rock «fucké» où l’auteur mélange les enregistrements, joue sur leur vitesse, superpose les discours, fait alterner les formes musicales.

En continuation directe avec le travail entrepris ailleurs (voir REBELLES, vol. 1, no. 4), Lussier laisse une place majeure à l’improvisation des instrumentistes, relançant toujours plus loin la dialectique de l’improvisation et de la composition dans une œuvre. Ce n’est pas sans me rappeler, avec bonheur, la musique de Frank Zappa et de John Zom dont les ponts communs sont la simultanéité, la discontinuité et la diversité des sources sonores et musicales, et bien sûr l’humour.

Le travail de studio (entre autre, le mixage) est partie intégrante de la conception générale. L’audition avec casque d’écoute permet de constater la vivacité musicale, la séparation puis l’assemblage entre les paroles et leur mélodie particulière, ainsi que les différentes orchestrations. Bref, pour qui veut y porter attention, la pièce a des richesses qui se laissent découvrir en plusieurs moments.

Politique?

Telle une odyssée, Le trésor de la langue plonge dans la quête de l’identité. En faisant alterner des gens qui répondaient à la question «Est-ce important de parler français au Québec?» et des extraits d’événements politiques qui ont marqué le Québec des quarante dernières années, Lussier nous introduit dans une réflexion intégrant la bagarre linguistique et la lutte politico-sociale pour l’indépendance du Québec.

À un niveau plus profond, il montre l’identité culturelle et sociale du peuple québécois dans leur appropriation originale de la langue française et les modalités de sa survie dans un contexte nord-américain d’acculturation. Le langage quotidien des gens, une manière de «dire» les mots qui se découvrent à l’aide de leur musicalité mise à nue; voilà le miroir qu’il nous offre en effectuant un travail d’archéologue par l’exposition des «différents accents de la langue parlée au Québec», qui se voulait son projet originel. Par le texte de Richard Desjardins, Qui se souvient, Lussier nous rappelle plus Ioin la tragique et lente destruction des peuples amérindiens du Québec. Comme quoi le prix à payer pour la survie des Québécois-e-s a été refilé aux Premières nations du territoire.

Une radiographie sociale

Gagnant du prix Pani-Gilson- 1989 de la Communauté des Radios Publiques de Langue Française (CRPLF), René Lussier a réussi un exploit hors du commun. Il faut comprendre que le thème, la langue parlée au Québec (que plusieurs, au sein de la francophonie, considérent tout juste comparable à un dialecte du français de Paris) et le style de musique «actuelle» que préconise Lussier, défoncentt les barrières admises dans ce genre de concours. Sans compter que l’œuvre a été choisie par Radio-Canada pour représenter le pays!

Le véritable tour de force tient dans le résultat percevoir, aprés l’absorption d’une telle musique, la radiographie vivante d’une société. Percevoir le présent et les contours du futur; l’actualité de ce qui est proposé dans Le trésor de la langue ainsi que ce qu’il nous amène à entrevoir, dépassent les horizons. Espace politique à reconquérir, langue à détendre, culture à ouvrir, identité à redéfinir, incertitude… Ce n’est plus il y a trente ans, ni dix ans, c’est l’urgence d’aujourd’hui.

… c’est l’urgence d’aujourd’hui.

Un printemps électroacoustique

Alain Brunet, La Presse, March 25, 1990
Sunday, March 25, 1990 Press

Nous sommes en plein Printemps Électroacoustique, une série d’événements plutôt marginaux. Mal médiatisée, mal mise en marché, cette musique est encore à s’organiser. À l’aube de cette année, le compositeur Jean Lesage avait écrit, dans La Presse, que le Québec regorgeait d’artistes issus de cette communauté à tout le moins avant-gardiste. Et que certains d’entre eux gagnaient des prix en Europe sans faire d’éclat sur notre territoire.

D’accord, mettons-nous à l’écoute.

Demain et mardi, le Printemps électroacoustique présente Ni terrible ni simple, un spectacle performance de la claveciniste Catherine Perrin, mis en scène par Jean Asselin (Mimes Omnibus); à voir à la petite salle du Théâtre Élisée. Le 29 mars, d’autres œuvres électroacoustiques seront présentées à la Chapelle historique du Bon-Pasteur; l’événement s’intitule Autour de Luc Ferrari.

Mercredi prochain au Planétarium Dow, le compositeur Robert Normandeau lance son premier disque sur étiquette empreintes DIGITALes, un nouveau label qui tente de s’immiscer sur le marché nord-américain. Une démarche cousine de l’étiquette Ambiances Magnétiques, mais dans le domaine électroacoustique.

La semaine prochaine, on vous parle de l’événement Électro clip, ambitieuse entreprise radiophonique qui se déroulera en direct de la Chapelle historique du Bon Pasteur, jeudi le 5 avril. Vous verrez alors que c’est un excellent moyen d’immersion.

… le compositeur Robert Normandeau lance son premier disque sur étiquette empreintes DIGITALes…

empreintes DIGITALes

Jean-François Brassard, Qui fait quoi, no. 72, March 15, 1990
Thursday, March 15, 1990 Press

C’est à Jean-François Denis, Suzanne Lortie et Claude Schryer que l’on doit la création d’une nouvelle maison de production et de diffusion d’arts médiatiques, DIFFUSION i MéDIA. Et c’est par ce canal qu’ils mettent sur pied empreintes DIGITALes, une étiquette de disques vouée exclusivement à la musique éiectroacoustique. Les moyens sont réduits et le public-cible est limité, mais le capital-idées est copieux.

«Notre plan de développement prévoit la parution de quatre disques compacts d’ici novembre» explique Jean-François Denis. Fin janvier, on inaugurait officiellement l’étiquette avec Ligne de vie: récits électriques, du compositeur Christian Calon suivront Lieux inouïs, de Robert Normandeau (28 mars), puis Volt, d’Alain Thibault (25 avril). «Nous demeurons réalistes, reprend M. Denis. Il peut s’écouler deux ou trois ans avant qu’un enregistrement franchisse le cap des 1000 copies vendues.»

Alain Thibault: une passion à faire partager

Daniel Rolland, SOCAN, Le Compositeur Canadien, March 1, 1990
Thursday, March 1, 1990 Press

Alain Thibault est venu à la musique contemporaine comme d’autres parviennent à la musique classique tonale, c’est-à-dire naturellement. Comme son tempérament l’amène à aller à contre-courant de tout, la musique d’avant-garde ou post-moderne se devait d’être pour lui un créneau d’expression fait sur mesure.

Natif de Québec, Alain Thibault commence des études en musique à l’Ecole de musique de l’Université Laval, formation qu’il complète à Montréal aux facultés de musique des universités de Montréal et McGill. S’il a eu Serge Garant comme professeur, c’est à Marcelle Deschênes qu’il doit une partie de son parcours théorique en musique électroacoustique.

En 1982, il remporte un prix dans la catégorie musique électroacoustique lors du Concours national des jeunes compositeurs de Radio-Canada pour sa pièce Sonergie. Ses œuvres ont été présentées notamment en France (Festival des musiques expérimentales de Bourges), à Montréal (concerts de la SMCQ), à Toronto (Ontario Science Centre), et à Vancouver (Conférence sur les arts par ordinateurs et sur la créativité, “Digicon’85”). Depuis 1984, il enseigne les techniques de la musique électroacoustique à la faculté de musique de l’Université de Montréal.

«À la maison, j’écoute bien sûr tout ce qui se fait en musique contemporaine mais aussi la musique pop. Pour une raison très simple, c’est que l’industrie de la musique populaire a les moyens financiers de s’accaparer tous les nouveaux instruments électroniques, et pour moi, c’est une façon de suivre l’évolution de la technologie,» de raconter le compositeur.

En février dernier, Rivage à l’abandon, une pièce composée par Thibault, fut présentée au Musée d’art contemporain de Montréal par la troupe de théâtre Carbone 14. Cette pièce, écrite par l’auteur allemand Heiner Müller, s’inscrivait dans le cadre de l’exposition Blickpunkte, événement co-produit par le Musée d’art contemporain et le Gœthe-lnstitut de Montréal. Si le pouvoir des mots a frappé, la musique cette fois a réussi tout autant.

À l’entendre parler de sa passion pour la musique contemporaine, on serait porté à croire qu’il est du genre à prôner qu’hors de celle-ci il n’y a point de salut. Au contraire, et le sourire en coin, il reconnaît qu’à côté de véritables chefs-d’œuvres voisinent des compositions carrément indigestes. «Pour aimer la musique contemporaine, dit-il, il faut le désir d’écouter des choses nouvelles. Je veux que la musique moderne m’atteigne tant au niveau physique que cérébral.» Sous cet angle, il a bien démontré au plan sonore ce qu’il veut dire. Gilles Maheu, le fondateur et la tête dirigeante de Carbone 14, a tout de suite compris que c’est l’homme qu il lui fallait après avoir entendu Le soleil et l’acier, pour soprano et bande sonore. La compréhension a été mutuelle entre eux deux, c’est que chacun est d’accord à ce que la musique au théâtre ne soit plus une chose fonctionnelle, un décor sonore mais qu’elle participe pleinement à la mise en scène.

Alain Thibault n’a pas fini de faire parler de lui. Son disque compact, dont la sortie est prévue pour fin avril sur étiquette empreintes DIGITALes, regroupe cinq de ses compositions: Le soleil et l’acier, Le Concerto pour piano MIDI, E.L.V.I.S. (en compagnie de Walter Boudreau), quatre extraits de son opéra-vidéo Out, et un extrait de God’s Greatest Gift. Il entame la création d’une pièce pour le violoncelliste Claude Lamothe, et Gilles Maheu laisse planer des associations pour le futur. La musique contemporaine le fait vivre humblement et Alain Thibault n’a d’autre mission que de la rendre davantage accessible.

La musique contemporaine le fait vivre humblement et Alain Thibault n’a d’autre mission que de la rendre davantage accessible.

Alain Thibault: Music That Works Physically and Cerebrally

Daniel Rolland, SOCAN, Canadian Composer, March 1, 1990
Thursday, March 1, 1990 Press

Alain Thibault found his niche in contemporary music as others have in traditional classical music: That is to say, in a sincere and entirely natural way. Since his temperament generally leads him in a counter-current to others, the post-modern or avant garde school of composition is, for him, a comfortable mode of expression.

Thibault, 33, completed a Master’s degree at the Université de Montréal, with further studies at the same city’s McGill University. Although his principal composition instructor was Serge Garant, he attributes most of his experience in electroacoustic music to studies with Marcelle Deschênes. Thibault, whose works have been performed here and abroad, has been teaching electroacoustic music techniques at the Université de Montréal since 1984.

“At home, I naturally listen to a great deal of contemporary concert music, but also to popular music,” says Thibault. “For a simple reason: the pop music industry has the financial means to explore new electronic instruments and for me that is a way to keep up with the evolution of technology.” In his home in downtown Montréal, he has established a private studio replete with computers and synthesizers.

Last February, Thibault composed music for Rivage à l’abandon, a stunning theater piece staged in Montréal’s Musée d’art contemporain, by the company Carbone 14, this year celebrating its tenth anniversary. A setting of a text by German author Heiner Müller, the work formed part “Blickpunkte,” an event co-produced by the Musée d’art contemporain and the Gœthe Institute in Montréal. The words exert a striking power but the music, in this case, proves equally fascinating.

Listening to Thibault speak of his passion for contemporary music might give the impression that he is blindly dedicated to the genre. On the contrary, he recognizes the existence of weaker works alongside masterpieces. “The love of contemporary music,” Thibault feels, “is satisfied by a passionate need to seek out new things. For me, contemporary music should work on a physical as well as a cerebral level.”

With that viewpoint, it seems he has demonstrated well the path he intends to follow. Gilles Maheu, founder and artistic director of Carbone 14, knew that Thibault was the appropriate composer for his project from the time he heard Le Soleil et l’acier, for soprano and tape. The understanding between the two has been mutual, with each agreeing that music for the theater shouldn’t necessarily be limited to a functional role, as background, but that it should participate fully in the overall staging.

A compact disc of music by Alain Thibault, which was scheduled for release at the end of April on the new Montréal-based label empreintes DIGITALes, includes Le Soleil et l’acier (featuring soprano Pauline Vaillancourt), Concerto pour piano MIDI, his multi-media composition E.L.V.I.S. (in collaboration with Walter Boudreau), four extracts from the video opera Out, and a portion of God’s Greatest Gift. He is now starting work on a composition for cellist Claude Lamothe and stage director Maheu. Alain Thibault makes a modest living composing conteporary music and claims that his only mission is to make his art more widely accessible.

By continuing browsing our site, you agree to the use of cookies, which allow audience analytics.