Robert Normandeau Aussi dans la presse

La presse en parle

Robert Normandeau: Dans le Tunnel azur du métro montréalais

Alain Brunet, La Presse, 19 octobre 2016

Pour commémorer le cinquantenaire du métro de Montréal, la direction artistique de l’Orchestre symphonique de Montréal (OSM) a commandé des œuvres à deux compositeurs d’ici. Accelerando a été imaginée pour l’orchestre par José Evangelista, alors que Tunnel azur, imaginée par Robert Normandeau, est une pièce acousmatique, c’est-à-dire qu’elle exclut le jeu instrumental.

C’est d’ailleurs la première fois que l’OSM, qui a déjà commandé des œuvres mixtes, inclut une diffusion acousmatique dans un de ses programmes. L’œuvre s’inscrit également dans le cadre d’Akousma, festival à la fine pointe de la création musicale électronique.

«J’avoue avoir été extrêmement surpris par cette commande de l’OSM. Au début, je ne le croyais carrément pas! Avec José Evangelista, j’ai rencontré Kent Nagano au début de l’année afin de discuter de ce projet. Et je dois souligner que j’ai bénéficié d’un soutien remarquable», confie Robert Normandeau, incontournable de la sphère électroacoustique québécoise depuis les années 80.

Tunnel azur a déjà été créée en stéréophonie dans le cadre d’un concert extérieur de la Virée classique, le 11 août dernier, rappelle Robert Normandeau. À la Maison symphonique, cependant, la diffusion de Tunnel azur sera différente.

«La salle est équipée de haut-parleurs pour les présentations de type immersif, mais cet équipement n’avait jamais été utilisé depuis l’ouverture de la Maison symphonique, explique le compositeur. Plus précisément, 12 petites enceintes accrochées sur 3 étages compléteront le système 5.1 déjà en place. Cela permettra à l’auditoire de découvrir plusieurs aspects de l’œuvre que la diffusion stéréophonique ne permet pas. On a littéralement sorti des boîtes l’équipement complémentaire afin d’effectuer des tests de diffusion multiphonique!»

Trois couches de sons

La construction de Tunnel azur, nous apprend son architecte, repose sur trois couches.

Primo, les sons du métro:

«Le jour, j’ai capté des sons en circulant dans les nouvelles rames Azur. La nuit, j’ai pu découvrir un environnement sonore fascinant, car le métro bourdonne d’activités d’entretien. Des draisines qui roulent sur les rails d’acier, le son de ces véhicules est fort différent du métro. De plus, j’ai eu l’occasion de faire ces prises de son inusitées dans les ateliers du boulevard Crémazie, là où se fait l’entretien des véhicules.»

Secundo, les sons de l’octobasse:

«Il s’agit d’une contrebasse trois fois plus grande que celles que l’on connaît; il faut la jouer sur une échelle avec des clefs. Cet instrument a été inventé au XIXe siècle et Berlioz a été le premier compositeur à l’utiliser. En juin dernier, je suis allé avec un contrebassiste de l’OSM à Drummondville, là où l’instrument est entreposé, afin d’y effectuer des prises de son. Pourquoi cet intérêt? Dans une autre vie, j’étais contrebassiste!»

Tertio, la Symphonie no 9 de Mahler:

«La troisième source est un hommage à Kent Nagano, dont j’ai beaucoup apprécié la direction pour la Symphonie no 9 de Mahler. Ce soir-là, j’avais été fasciné par la façon dont Mahler avait exploité les différentes sections de l’orchestre. Ç’a été une révélation de constater ce travail de spatialisation. Étant lui-même un chef de haut calibre, il est clair que Mahler savait utiliser les masses sonores émanant d’un orchestre. Ainsi, j’ai réduit le premier mouvement de cette symphonie à une durée de 10 minutes. J’en ai conservé les couleurs orchestrales.»

Couleurs orchestrales? Orange? Vert? Jaune? Bleu? Bien au-delà de celles désignant les lignes de notre métro, il va sans dire!

À la Maison symphonique les 20, 22 et 23 octobre

Qui est Robert Normandeau?

Compositeur de près d’une quarantaine d’œuvres, lauréat de nombreux concours internationaux, Robert Normandeau, 61 ans, est professeur à la Faculté de musique de l’Université de Montréal. Très actif au sein de sa communauté, Normandeau a été le directeur artistique de l’Association pour la création et la recherche électroacoustiques du Québec, puis de la société de concerts Réseaux, à qui l’on doit le festival Akousma.

Dans le Tunnel azur du métro montréalais…

Robert Normandeau: Il fait beau dans le métro

Nicolas Tittley, SOCAN, Paroles & Musique, 6 octobre 2016

Quiconque a déjà emprunté les transports à commun à Montréal sait que le métro a sa propre musique. Le vent déplacé par l’arrivée de la rame sur le quai, l’avertisseur de fermeture des portes, les annonces incompréhensibles dans les haut-parleurs de chaque station et ces fameuses notes (dou-dou-douuuu) qui marquent le départ du train… autant de sons qui meublent les déplacements quotidiens de milliers de Montréalais qui semblent pourtant insensibles à leurs charmes.

Robert Normandeau, lui, a plongé tête baissée dans cet univers sonore. Le compositeur de musique électroacoustique est habitué à recueillir toutes sortes de sons pour créer ses œuvres, mais il ne s’attendait pas à ce que la Société de transport de Montréal, de concert avec l’OSM, fasse appel à lui pour souligner les 50 ans du métro. «Honnêtement, lorsque j’ai entendu le message sur mon répondeur, ma première réaction a été… de ne pas rappeler. Ça me semblait complètement improbable, je croyais à une blague» se souvient le compositeur.

On peut comprendre ses doutes tant il s’agit d’un geste audacieux de la part de l’OSM, qui a aussi commandé une œuvre orchestrale au compositeur José Evangelista pour cette célébration de l’anniversaire du métro, qui sera présentée lors de 3 concerts à la fin du mois d’octobre. Audacieux, car c’est probablement la première fois qu’un orchestre commande à un compositeur une œuvre… qu’il ne pourra pas jouer. Tunnel azur est en effet une œuvre électroacoustique multiphonique interprétée par une douzaine de haut-parleurs. L’orchestre ne sera donc pas sur scène lors de sa création.

Presque tous les sons que vous entendrez ont été captés par Normandeau dans métro. «C’est étonnant, mais ça témoigne, d’une part, du fait que Montréal est une ville très active sur la scène électroacoustique, explique Robert Normandeau. D’autre part, je pense qu’il faut aussi souligner l’incroyable ouverture de l’orchestre et surtout de son chef, Kent Nagano.» Le compositeur a d’ailleurs eu l’idée de faire un double clin d’œil à l’orchestre et à son chef, en citant dans sa composition des passages de la 9e symphonie de Mahler, sa préférée […]. Il a aussi mis à contribution un instrument hallucinant récemment offert par un mécène à l’OSM: l’octobasse, sorte de gigantesque contrebasse qui fait près de quatre mètres de haut.

Pour le reste, tous les sons que vous entendrez ont été captés par Normandeau dans métro. «J’ai visité le métro de jour, avec tous les bruits de portes et de foule, mais aussi de nuit, alors que tous les ouvriers s’affairent à entretenir les équipements. Au départ, ils me regardaient d’un drôle d’air, mais très vite, les employés se sont intéressés à mon travail et ils me proposaient toutes sortes de sons que faisaient leurs équipements».

Certains d’entre eux seront d’ailleurs dans la salle afin d’entendre leur univers quotidien réimaginé par un artiste d’avant-garde. On aimerait pouvoir recueillir leurs commentaires à la sortie! «J’espère qu’ils vont aimer! J’avoue que j’étais un peu hésitant au moment de présenter l’œuvre pour la première fois, se souvient Robert Normandeau. Les gens de l’OSM, même s’ils ne sont pas des adeptes de l’acousmatique, travaillent dans la musique et sont plus familiers avec cette démarche. Mais les gens de la STM? Je leur ai présenté deux versions une avec des images et une sans. À ma grande surprise, ils m’ont dit d’abandonner les images parce que la musique portait l’histoire en elle-même.»

Il faut dire que Normandeau s’est spécialisé dans ce qu’on appelle le «cinéma pour l’oreille», au sens où l’on trouve une véritable trame narrative dans ses œuvres. «C’est de la musique électroacoustique qui raconte une histoire, précise Robert Normandeau. Pour l’auditeur il s’agit d’une pièce très référentielle: presque tous les gens qui sont passés par Montréal vont reconnaître les sons. Et puis c’est comme un parcours, un voyage…»

Parlant de références, on entendra bien sûr ces trois petites notes si caractéristiques qui marquent le départ de chaque rame. Ce qui est fascinant, c’est que cette petite musique est un sous-produit purement accidentel du fonctionnement du système électrique des rames. Un mécanisme appelé «hacheur» alimente les rails en «paliers» successifs plutôt que d’envoyer des centaines de volts d’un seul coup. C’est ce processus qui crée le dou-dou-douuu (pour une explication plus technique, consultez cet article: http://www.logiquefloue.ca/metro/articles/hacheur-de-courant/). Difficile de trouver un meilleur exemple de musique concrète!

Contrairement à un trajet normal à l’heure de pointe, le voyage dans le Tunnel azur se fera en première classe, puisqu’il s’agira du premier concert électroacoustique donné à la Maison symphonique. Normandeau sera d’ailleurs le premier à utiliser les haut-parleurs de la salle, dont certains dormaient encore dans des cartons jusqu’à tout récemment. Présentée les 20, 22 et 23 octobre 2016, en complément de pièces de Schumann, de Strauss et de la création de José Evangelista, l’œuvre sera aussi rattachée au festival Akousma, qui se tient en même temps.

Audacieux, car c’est probablement la première fois qu’un orchestre commande à un compositeur une œuvre… qu’il ne pourra pas jouer.

Robert Normandeau: Musique, métro!

Caroline Rodgers, La Scena Musicale, no 22:2, 1 octobre 2016

Pour la première fois de son existence, l’Orchestre symphonique de Montréal présentera une œuvre où ses musiciens ne joueront pas une note. Il s’agit de Tunnel azur, œuvre acousmatique du compositeur Robert Normandeau, commandée par l’OSM et la STM pour célébrer les 50 ans du métro de Montréal.

Tunnel azur dure dix minutes. Pour la composer, Robert Normandeau s’est beaucoup inspiré du métro de Montréal.

«J’ai été privilégié, car la STM m’a donné l’autorisation d’aller enregistrer des sons pendant la nuit, dans le métro, dit Robert Normandeau. C’est un univers que l’on ne connaît pas, parce que le métro est fermé pendant la nuit. J’ai eu l’occasion d’assister à ce qui se passe pendant la nuit dans le métro. On pourrait penser que tout est silencieux, mais au contraire, il y a beaucoup d’activité. C’est une ruche, littéralement, car c’est le moment où l’on fait tous les travaux d’entretien sur les rails, avec des machines que l’on nomme des draisines et qui leur servent à se déplacer sur les rails métalliques. Ces draisines font plus de bruit que le métro, ce qui permettait de diversifier le matériau sonore.»

Il a également effectué des enregistrements des nouvelles rames du métro, Azur, qui donnent leur nom à l’œuvre, ainsi que des enregistrements dans l’atelier de la rue Crémazie où l’on effectue les réparations.

«La musique acousmatique, par définition, est enregistrée. Elle est souvent présentée en concert sur ce que l’on appelle des orchestres de haut-parleurs, et elle est souvent spatialisée. Il n’y a pas d’intervention de musiciens en direct. Il existe une pratique de musique acousmatique qui s’appelle le cinéma pour l’oreille et mon œuvre s’inscrit vraiment dans cette pratique. Cette commande m’est arrivée comme une immense surprise en janvier dernier. La création de l’œuvre a eu lieu le 11 août dans le cadre de la Virée classique. C’est la première fois que l’OSM commande une œuvre électroacoustique. C’est aussi la première fois que la STM fait une commande musicale.»

Ses autres sources d’inspiration ont été le nouvel instrument de l’OSM, l’octobasse, que l’on pourra voir à la Maison symphonique. La troisième source d’inspiration est la Symphonie no 9 de Mahler.

«C’est un clin d’oeil à Kent Nagano, parce que j’ai eu une très belle expérience musicale lors d’un concert avec lui, avant qu’il soit directeur artistique de l’OSM. Il était venu comme chef invité et il avait dirigé cette symphonie. J’avais beaucoup aimé. J’utilise le matériau harmonique et énergétique de la symphonie dans ma pièce, comme un hommage à Kent Nagano. J’ai musicalisé les sons que j’ai enregistrés, de sorte qu’ils se mélangent assez bien avec la neuvième de Mahler.»

Il est aussi important de savoir que l’OSM a également commandé Accelerando, une œuvre orchestrale, au compositeur José Evangelista, qui sera jouée au même concert.

Réseaux des arts médiatiques: 25 ans

Robert Normandeau, d’abord contrebassiste, a étudié la composition électroacoustique au baccalauréat à l’Université Laval avec Neil Parent. Il a ensuite fait sa maîtrise et son doctorat avec Marcelle Deschênes et Francis Dhomont à l’Université de Montréal. Il a obtenu son doctorat en 1992.

«J’étais le premier étudiant à faire un doctorat en électroacoustique à l’Université de Montréal», dit-il.

Après ses études, il a été compositeur pigiste pendant plusieurs années et chargé de cours à la Faculté de musique. En 1999, il a été embauché comme professeur et il enseigne la composition électroacoustique.

En 1991, il cofondait la société de concerts Réseaux des arts médiatiques, qui fête cette année ses 25 ans, avec Jean-François Denis et Gilles Gobeil.

«L’idée de départ, c’était de proposer un projet pour le 350e anniversaire de la Ville de Montréal, dit-il. Je produisais déjà une série de concerts qui s’appelait Clair de Terre au Planétarium de Montréal. Nous avons reçu une subvention de la Société du 350e anniversaire pour présenter mon œuvre de doctorat, Tangram, et elle est restée à l’affiche au Planétarium pendant environ six mois. C’était un spectacle multimédia qui n’avait pas de saveur astronomique, c’était purement abstrait.»

Par la suite, Réseaux des arts médiatiques a poursuivi ses activités jusqu’à aujourd’hui, avec, entre autres, une série de concerts appelée Rien à voir, consacrée uniquement à la musique acousmatique, et plus tard, Akousma.

Le festival Akousma, qui a vu le jour en 2005, accueille pour sa part tous les types de musique électroacoustique. Il se déroule cette année du 19 au 22 octobre, à l’Usine C. Cette année, des œuvres de plus d’une trentaine de compositeurs sont au programme. On pourra notamment entendre le Cycle des profondeurs de Francis Dhomont, en trois parties, et pour la première fois à Montréal en version intégrale: Sous le regard d’un soleil noir, Forêt profonde et Le Cri du Choucas.

Le concert des 50 ans du métro de Montréal, avec la présentation des œuvres Tunnel azur de Robert Normandeau et Accelerando de José Evangelista, sera présenté trois fois, soit les 20 et 22 octobre à 20h ainsi que le 23 octobre, 14h30, à la Maison symphonique.

C’est la première fois que l’OSM commande une œuvre électroacoustique.

Arvio: Normandeaun maihinnousu

Juhani Vesikkala, Lauri Supponen, Amfion, 7 décembre 2013

Robert Normandeau: viisi akusmaattista teosta vuosilta 1995–2003

Valveutuneina sävellyksenopiskelijoina ja päädyimme ensin vierailevan säveltäjän luennolle ja illalla vielä samaisen säveltäjän konserttiin kumpikin. Kuulemamme jälkeen tunsimme pakottavan tarpeen purkaa elämystä.

Robert Normandeausta (1955, Québec) henkii käytännön tuoma raudanluja kokemus ajalta, jolloin soivaa minuuttia kohden tehtävä työmäärä oli vielä jotain käsittämätöntä. Säveltäjä joutuu yhä askartelemaan akusmaattisen musiikintekemisen teoreettisten ja teknisten puolten kanssa. Luennoillaan soittamasta muusta tuotannostaan hän osoittautuu myös kirjallisia ja aikataiteita musiikkiinsa sulauttavaksi persoonaksi. Akusmaattinen musiikki on perinteisesti hyvin toimiva yhteistyömuoto.

Teoreettista tämä elokuvateoriastakin ammentava musiikki ei ole, vaan päinvastoin hyvin välittömästi aukeavaa ja puhuttelevaa, kuten sankka konserttiyleisö sai kuulla. Normandeaun juuret ovat progressiivisen rockin ja kontrabasson sointimaailmoissa. Hänen kaltaiselleen hifistille tulee äänen diffuusion, eli asettelun tilaan, olla jotain kappaleeseen sisäsyntyisesti sävellettyä eikä myöhempi loppusilaus.

JV: Teos Éden vuodelta 2003 tarjosi sanottavaa materiaalien tai musiikillisen substanssin ilmentymisestä tai jaottelusta ajassa. Sitä renessanssimessumaisuutta, kykyä pyörittää samoja melodisia kulkuja (tässä ääniobjekteja) uusissa tilanteissa ja eri etäisyyksillä.

LS: Ajatus siitä, että musiikki on toistuvaa ja pyörivää, mutta pienin variaatioin, se tuli minun mielestäni parhaiten esille teoksessa La part des anges vuodelta 2012. Se oli teoksena mielestäni ehkä kaikista heikoin… Tässä konserttikontekstissa oli kuitenkin hyvä, että oli yksi kappale, joka ei ollut niinsanotusti tykitystä — vaan esteettisiltä pyrkimyksiltään rauhallinen. Siinä kaikista eniten tuli esille äärimmäinen yksinkertaisuus, kaksi elementtiä: a cappella -kuoro häilyvänä pilvenä, sekä se, että aina välillä osiot päättyvät rahisevaan morsetukseen. Siinä mielessä kappale oli kaikista yksinkertaisin. Éden oli myös yksinkertainen, mutta asioita on enemmän, koska Normandeau on jakanut musiikkia äänikerroiksi kahdeksalle kaiuttimelle.

JV: Olen eri mieltä arvottamisesta, sillä La part des angesissa (joka ainakin nimessään lainaa Parmegianin Les jeux des angesista) kuultiin tosi hyviä substansseja: vahvat bassot ja väliäänissä varioitu pulssi, joka purkautui tai hajaantui hälyihin. Toimivia ja perusteltuja, vaikkakin lyhyitä erikoisia sointeja. Jokaisella substanssilla oli oma paikkansa. Jotenkin miksauksen osuus rakenteessa, se miten poimitaan asioita esille, ei tässä kuitenkaan ollut niin onnistunut.

LS: Olin ehkä tavallaan rajoittunut… koska kuulimme ensin 40-minuuttisen järkäleen Clair de terre, joka on kokonainen space-ooppera, kevätuhrimainen Music in twelve parts (Glass) -teos, jossa säveltäjä tehnyt synteesin kaikesta… En sano, että säveltäjä olisi tehnyt synteesin kaikista sävellyksellisistä tekniikoistaan siihen asti, mutta hän sanoo muun muassa ohjelmatekstissään, että kaikki kappaleen äänielementit tulevat äänipankista, jonka hän on kappaletta edeltävien 10 vuoden aikana kerännyt.

JV: Näin säveltäjällä pitää ollakin, joka viikko uusia äänityksiä!

LS: Siinä ei ollut sellaista ylitsepursuavaa paljoutta, ei liikaa. Se pysyi erittäin hyvin kasassa, samoin kiinnostus pysyi. Teos osasi nojata siihen, että tämänkaltaisessa akusmaattisessa musikissa äänien iteraatiot ja reiteraatiot ovat aivan täsmällisiä, ei ole siis kyseessä äänen valokuva, tulkinta tai muistuma, joka tulee uudestaan… Sama ääni, joka tuo koko sen kontekstin menneisyydestä äänen ensimmäiseltä kuulemishetkeltä, sitoo sen äärimmäisen hyvin kasaan.

JV: Clair de terren kokonaisprinsiippi ei ole sama kuin viimeisessä kappaleessa, Édenissä. Kummassakin on substanssien ja klangien runsautta. Eri rakentamisperiaate, sama säveltäjä, uskottavaa musiikkia.

LS: Normandeaulle ei ole dramatiikka tai teatteri ollenkaan tuntematonta ja se kuuluu tästä musiikista hyvin. Le renard et la rosessa (1995) nauru saa ihmiset nauramaan ja se on hyvin inhimillinen kappale, joka vajoaa jonkinasteisesta komiikan tasosta helvetillisempään. Ei siinä kauhua missään vaiheessa ole. Pelottavuudella Normandeau ei pelaa, vaan loppujen lopuksi aika neutraalien tunteiden kanssa.

JV: Jos miettii akusmaattista musiikkia, mikä voisikaan edes siinä nykyään enää edustaa vahvaa horror-tunnelmaa? Kaikkeen on jo totuttu.

LS: Saundit olivat ehdottomia tilanvaltaajia, jotka nappasivat kuulijan (ja katsojan) mukaansa temppelinomaisesti. Normandeau loi sopivan tunnelman Musiikkitalon harjoitussaliin, jonne konsertti siirtyi vesivahingon takia. Onneksi siirtyi, koska tilana harjoitussali oli temppelimäinen…

JV: …todennäköisesti tilan korkeus ja myös kaarevuus auttoivat. Black Box ei olisi niin korkea eikä tarjoa yhtä paljon tilaa tällaiselle.

LS: On myös huomattava puulattia ja tuolit, jotka oli aseteltu minusta todella hauskasti pieniin ryhmiin, puoliympyröihin, joissa oli….neljä tai viisi… tuolia joissa katsojat pystyivät katsomaan toisiaan. Siinä oli yhteisöllisyyttä, yhdessä kuuntelua. Ihmiset uskalsivat lähteä penkeistään Édenin aikana ja liikkua ympäriinsä. He nojailivat kaiutintankoihin ja makasivat lattialla, imivät resonanssia hyvin monella eri tavalla. Kappale kutsui myös siihen – et menettänyt mitään sillä, että siirryit pois siitä ns. kultaisesta keskiöstä, johon ääni on kohdistettu. Minäkin vietin pitkän aikaa yhden kaiuttimen kanssa koska sieltä tuli viehättävää munniharppuharmoniaa. Kuulija pystyi fokusoimaan hänelle mieleisensä äänen.

JV: Tärkeintä oli, että kaikki pysyi kuuloreviirissä. Ei varmaankaan ollut mitään, mitä ei olisi ollut mahdollista kuulla kaikkialla, mikään ei jäänyt piipityksen voimakkuudelle. Pystyi kävelemään sinne jos halusi. Siinä mielessä oli tasapuolinen miksaus.

LS: Kyllä.

JV: Entä Puzzle (2003), mitä sanoisit siitä?

LS: Keikan avaavaksi kappaleeksi hauska, kantikas. Kuvailisin sitä neliöksi, jonka sisällä asustaa pyöreitä esineitä, pyöreitä ääniä.

JV: Siinä jaksoi kuunnella audio-ohjelmistolla gridiin tehtyä pulsatiivista musiikkia, jossa kuitenkin onnistuttiin saamaan kaikenlaisia vivahteita esiin. Sanoisin, että tämä muoto on mosaiikki, siihen kuuluu monta eri sointikarakteeria. Lisäksi sillä, että sämplejen dynaamiset erot ovat pieniä ja että miksaustasoa on niin vähän, kuulijan huomio kiinnittyy substanssien eroihin – ja näistä ryhmistäkin Normandeau löysi kivoja yhtäläisyyksiä ja toisaalta myös eroja. Täydellisiä vastakohtia ei ollut ihan peräkkäin, ja hyvä niin.

LS: Nimensäkin puolesta kappale on rakennettu pienistä kappaleista, jotka on sovitettu toisiinsa.

JV: …perinteisimmässä mielessä componere, yhdistäen sävelletty.

LS: ‘Lego’, minä yhdistän (naurua). Hän selkeästi lainasi myös Clair de terreä teoksessa, ja se kuultiinkin heti Puzzlen jälkeen. Lainaus loi yhteyden konsertin ensimmäisen osan teoksille, sillä kappaleesta toiseen siirretyn tunnistaa niin helposti. Se ei ole tulkinta vaan aivan yksi yhteen, suora lainaus. Se on mahdollista ainoastaan musiikissa, joka perustuu äänitteisiin.

JV: Viittauksista: mainitsin sinulle väliajalla Pierre Henryn ovinarinateoksen estetiikasta, se oli myös tässä Clair de terressä epäilyttävänä loppueleenä: kaksi ovennarinaa, sitten patarummunpauke. Puzzlessa ei ihan päästy siihen aforistisuuteen, joka Pierre Henrylla liittyy yksittäiseen ovennarinaan. Leikkisyydestä: olen kuullut sellaisenkin kappaleen, jossa tämän Puzzlen tyyppisiä sointeja on tiuhaan tuotettu erilaisilla paristokäyttöisillä leluilla, joista tulee nappia painamalla jotain ääntä, joku röhkiminen. Minulle tuli selkeä assosiaatio näihin sointeihin.

LS: Leikkisää sointi oli kyllä. Arvostan säveltäjää, jonka huumorintaju ja luonne paistaa esiin hänen musiikistaan. Se on erittäin viehättävää.

JV: Eikä se ollut kliseistä! Useimmiten taituroitiin siellä rajoilla, että onko tämä klangi kiinnostava, vai onko tämä viittaus yleisön kosiskelua, mutta ikinä ei oikeastaan pudottu sen reunan yli.

LS: Jäin pohtimaan paljonkohan tuo on kiinni siitä, että Normandeau on pohjoisamerikkalainen säveltäjä. Hän on kotoisin Kanadan Québecistä, joka on kulttuuriltaan ihmeellinen sinä mielessä, että siellä pystytään ennakkoluulottomasti omaksumaan vanhojakin perinteitä uudesta näkökulmasta. Ajatellaanpa vaikka oluen panemista. Québeciläiset pystyvät ottamaan kirsikan päältä belgialaisesta, ranskalaisesta, englantilaisesta ja amerikkalaisesta olutkulttuurista, ja luoda näistä jotain aivan omaa uutta. Heillä ei ole sitä samanlaista näennäistä tai ihan oikeaakin painolastia mitä Euroopassa tunnetaan – että pitää aina tehdä samalla reseptillä –, vaan heillä on vapaus tehdä mitä upeampia uusia yhdistelmiä.

JV: Se on tämä sulatusuuni, tämä pluralistisuus joka tässä tyylissä näkyy myös.

LS: Oli tai ei, pluralistisuuden ja sulatusuunin voi nähdä kielteisesti. Minusta nämä Normandeaun musiikin eri aspektit asuvat yhdessä hyvin. Sen näkee jo siitä, että konsertin teokset ovat hyvin erilaisia. Päivän ja yön ero La part des angesin ja Le renard et la rosen välillä – toki niillä on lähes 20 vuotta ikäeroa, mutta muutenkin. Nappiin osunut ohjelmointi, kun laittoivat nämä teokset peräkkäin. Siitä tulikin mieleeni, että konsertin järjestämisestä ja Normandeaun tänne kutsumisesta kuuluu kultainen maininta ja kiitos James Andeanille.

JV: Varmasti olisivat saaneet standing ovationin vaikka yleisö ei olisi ollut muutenkin noussut seisaalleen viimeisen teoksen jälkeen.

LS: Hyvin upposi lähes täydelle salille. Normandeau vaikutti luennollaankin hyvin luonnolliselta ja siltä, että hän on tehnyt tätä todella pitkään. Hänhän sanoi, että hän on alusta lähtien työskennellyt monikanavaisen diffuusion kanssa.

JV: Université de Montréalissa, jossa hän opiskeli oli hänen käytettävissään jopa 16- ja 24-kanavaiset nauhurilaitteet studiolla, toisin kuin samaan aikaan euroopalaisilla.

LS: Hänellä ei ollut sitä stereon perusasetelmaa mitä täällä. Se on pallomaistanut sen, mikä on kenties rajoittunut täällä enemmän kahteen pooliin.

JV: Toki hänellekin tuli teknisiä rajoitteita vastaan. Normandeau on tehnyt muutamista teoksistaan kaksi eri versiota sen takia, että näiden väissä oli jokin uusi tekniikka mahdollistunut tai joku ohjelmisto tullut hänen käytettäväkseen. Tämä on tietenkin ymmärrettävää, näin pitääkin tehdä. Jos on taiteellinen näkemys, joka vaatii tietynlaisen teknisen oivalluksen, pitää vain odottaa mikäli ei itse pysty keksimään sitä tekniikkaa siinä ja heti. Esimerkkinä toimii ohjelmisto, jota hän käytti koko esityksen ajan sitä miksatessaan, tämä Karlsruhesta saatu ohjelmisto spatialisointiin ja diffusointiin. Se on ilmeisesti melko uusi ohjelma, ja siitä on kehitteillä ajankohtaisempiakin versioita, mutta tämmöiset apumateriaalit ovat säveltäjille tosi tärkeitä muovaten aivan varmasti heidän kieltään. Nyt olisi kiinnostavaa kuulla taitavan Normandeaun varhaisempaa tuotantoa, jossa studiotekniikka oli tekohetkellä verrattain rajoittuneempi.

LS: Minä viehätyin StrinGDbergistä, teoksesta, jota hän esitteli luennollaan. Se oli toki ensimmäinen teos, jonka häneltä kuulin, mutta se oli todella ravisuttava. Äänimateriaali oli hyvinkin rajoittunutta – vain yksi kampiviulun ja yksi sellon ääninäyte. Minusta oli kanssa hauskaa, mitä hän sanoi luennollaan: “You’re not always in the mood to listen to this kind of music, I know I’m not always in the mood, but when you are, it can be an experience.” Ja sitä tämä kyllä oli.

You’re not always in the mood to listen to this kind of music, I know I’m not always in the mood, but when you are, it can be an experience.

Robert Normandeau: Un an pour créer

Guy Marceau, SOCAN, Paroles & Musique, 1 septembre 2012

Le doyen des détenteurs de doctorat en composition électroacoustique de l’Université de Montréal profite d’une année sabbatique pour se consacrer à la composition. Au lendemain de la sortie de Palimpsestes, son sixième disque solo chez empreintes DIGITALes, Robert Normandeau termine une résidence de composition de deux mois au ZKM (Centre d’art et de technologie des médias) en Allemagne, organisme international de premier plan en art médiatique et haut lieu de diffusion des musiques émergentes. Cette résidence est le résultat du prix Giga-Hertz 2010, décerné par le ZKM pour Jeu de langues, qui figure aussi sur Palimpsestes.

«Il y a ici un studio de production avec des installations absolument fabuleuses!, lance Robert Normandeau. On y trouve un grand dôme de haut-parleurs installé en permanence pour la présentation de concerts. L’université de Montréal possède aussi un dôme du genre qui s’inspire de celui du ZKM.» Faut-il rappeler que Robert Normandeau a co-fondé Réseaux en 1991, avec Jean-François Denis et Gilles Gobeil: cette société de concerts dédiée à la diffusion des arts médiatiques, a présenté les séries de concerts Rien à voir, devenues Akousma. Récipiendaire de plusieurs prix Opus, il remportait en 1995 le Prix Jan-V-Matejcek (Nouvelle musique classique) de la SOCAN. En 2005, il faisait paraître Puzzles, des musiques de théâtre adaptées au concert, fruit des nombreuses collaborations (depuis 1993) avec notamment les metteurs en scène Brigitte Haentjens et Denis Marleau.

Palimpsestes

La pièce homonyme du disque a été justement commandée par le ZKM en 2005. «À l’origine, Palimpsestes est le 4e volet du cycle Onomatopées (Éclats de voix, 1991, Spleen, 1993, et Le renard et la rose, 1995 – respectivement consacrées à l’enfance, l’adolescence, l’âge adulte et le troisième âge). Les quatre pièces partagent la même structure, bien que les matériaux sonores sont différents. Pour Palimpsestes, j’ai ajouté une couche supplémentaire comme c’est le cas dans un palimpseste où l’on efface les textes précédents (ici, sonores) pour y coucher un autre texte. Il est vrai que l’électroacoustique, c’est un peu ça aussi, dans le sens de la superposition. Dans ma démarche, je travaille plutôt avec des sons d’origine acoustique, plus vivants, et peu de sons de synthèse. Mon travail de composition consiste à faire oublier le caractère anecdotique de ces matériaux enregistrés (le fameux son-sens) et de les musicaliser.»

«Dans Jeu de langues, les sons ont été produits par des instrumentistes à vents, dont j’ai voulu conserver le rythme naturel et le souffle. Ce sont les matériaux qui révèlent leur nature, et en les combinant, on n’a pas à les transformer beaucoup. Les outils technologiques de transformation sont maintenant très sophistiqués, et on a parfois l’impression que les pièces produites en électroacoustique se ressemblent un peu toutes… J’essaie de me singulariser justement en conservant les couleurs.» On peut lire dans le livret que la pièce résolument «haletante» est en fait sa contribution à l’érotisme qui a peu été abordé en musique.

Quand on se compare…

On a beaucoup vanté l’Allemagne qui favorise et encourage la culture en général et la musique en particulier. «Il y a très peu d’électroacoustique en Allemagne. On a encore la fausse image d’un courant à l’époque de l’omniprésence de Stockhausen. L’électro est encore marginal, mais ça a généré ensuite l’émergence de compositeurs en électroacoustique de ma génération.» Et le Québec? «C’est impeccable. Les plus grandes capitales du monde ne rivalisent même pas avec Montréal par exemple: trois universités et un Conservatoire enseignent l’électroacoustique, et deux sociétés de concerts professionnelles y sont dédiées… L’activité économique permet à beaucoup de compositeurs de faire des sous, et pour certains d’en vivre. Le théâtre à Montréal commande beaucoup de musiques originales, et là-dessus, y a pas mal de gens en électroacoustique, incluant toute l’industrie des jeux vidéos, la post-production au cinéma et à la télévision.»

Électro: signe des temp

«Pour le néophyte absolu, l’approche est beaucoup moins aride depuis les années 90, explique-t-il. Les sonorités électroacoustiques sont extrêmement répandues auprès d’un public plus large, et l’oreille humaine y est mieux formée, si ce n’est que grâce à la musique techno et au phénomène des DJ, entre autres. Aujourd’hui, on peut espérer que l’auditeur au concert ira un peu plus loin que le premier niveau de perception.» Robert ajoute que depuis 2009, l’Université de Montréal offre une mineure en musiques numériques (à venir un bac complet en 2013). «Ça permet à ceux qui n’ont pas de formation musicale, mais qui bidouillent des sonorités avec leur portable, d’accéder à un programme de formation universitaire. Et c’est une excellente locomotive pour ceux qui voudraient pousser plus loin, vers la création pure.»

Nouvelle création

De sa résidence, est issue d’abord la pièce encore inédite La part des anges, commandée et récemment créée au ZKM. «Mais mon grand projet cette année est une commande de l’ensemble de six percussionnistes Sixtrum, une adaptation pour le concert de Le renard et la rose pour percussions, voix et électroacoustique. Ça fait bientôt trois ans qu’on y travaille, et je serai au The Banff Centre of the Arts pour des séances de travail.» Robert Normandeau se rendra ensuite en studio à Morelia, au sud du Mexique, pour une résidence de quatre mois. «Il se passe des choses très intéressantes en électroacoustique dans des pays très forts, comme le Brésil, l’Argentine, le Chili et le Mexique. Avec de nouvelles démocraties, un regain économique, revient l’intérêt pour l’art et un réinvestissement dans la culture. C’est très stimulant parce que le Québec a une affinité particulière avec le Mexique, et je souhaite qu’on développe plus encore les liens entre nos deux pays.»

Dans ma démarche, je travaille plutôt avec des sons d’origine acoustique, plus vivants, et peu de sons de synthèse.

Autres textes

Le Devoir, The WholeNote no 7:2

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