Artistes François Tousignant

François Tousignant

Montréal (Québec), 1955 – Montréal (Québec), 2019

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Articles écrits

  • François Tousignant, Le Devoir, 2 mai 2005
  • François Tousignant, Le Devoir, 20 avril 2005
    Freedman… transmet l’intuition avec une réelle tangibilité.
  • François Tousignant, Le Devoir, 7 décembre 2004
    … la construction, l’inspiration, l’originalité, ici on se trouve devant le souffle d’un véritable chef-d’œuvre!
  • François Tousignant, Le Devoir, 11 octobre 2003
    … en offrant des ‘remix’ de pièces […] tout devient effectivement plus clair […] Dolden se montre un peu comme Léonard de Vinci…

Problèmes et réussite

François Tousignant, Le Devoir, 2 mai 2005

La création en opéra fait face à de terribles dilemmes que sa présentation sous une autre manière que la traditionnelle exacerbe: comment user de la voix dans un langage qui s’en est aussi radicalement éloigné, comment éviter les tics d’accompagnement (à l’italienne) et oser tenter encore l’intégration (wagnérienne) tout en poursuivant les acquis du siècle dernier, de Berg à Zimmermann, et encore innover? À ces questions se bute L’archange, dernier projet porté héroïquement à bout de bras par Chants Libres.

Avec des moyens financiers limités, on aboutit à une représentation précieuse en ce qu’elle ose, par sa manifestation même, s’inscrire dans le questionnement actuel. Le jugement par contumace de L’archange, ce prototype du mal qui devient l’artiste qui choque les bonnes moeurs d’une société qui, elle, tolère la violence faite aux enfants, aux immigrants, aux femmes, ne passe malheureusement pas la rampe: son théâtre n’est pas assez percutant.

Le verbe du livret, tout explicite qu’il soit, dont l’implicite se voit reproduit en images, les écrans relayant une psyché sur télés visant l’abstrait naissant du concret, et le contrepoint intérieur de la musique de Dufort avec lequel la vidéo forme un amalgame qu’on voudrait revoir pour mieux saisir toutes ses finesses, ces éléments donc ne réussissent pas à viser juste, effleurant seulement l’essence.

L’inconfort vient de l’utilisation de la ligne vocale, même rendue par trois magnifiques interprètes. Parfois belle, elle demeure généralement beaucoup trop simple pour ce à quoi elle doit s’intégrer. Alors, chacune des trois premières scènes, passionnante qu’elle puisse être dans son idée, tombe vite à plat. Seul moment de rédemption, le finale. Le Juge lit on ne sait trop quoi pendant que s’unissent les voix en un trio presque digne de figurer aux côtés de celui du Chevalier à la rose, de Strauss II — quoi que d’une tout autre esthétique: les longues tenues vocales qui montent sur ces couches sonores qui s’empilent témoignent d’une réelle rencontre, absente auparavant.

Sortie de la narration, de son rôle premier de porteur de texte, la voix s’y fait véhicule de l’émotion en un univers qui demande poursuite. Si, malgré les quelques bons coups de ce qui précède, on s’enlise un peu, pour cette fin, il faut faire le détour. Libéré du mot et de sa littéralité, l’opéra se dévoile dans ce qu’il a de plus près de nous dans cet environnement technologique auquel, enfin, la voix s’unit musicalement et dramatiquement.

Telle semble s’annoncer cette nouvelle émancipation de la voix à l’opéra (déjà perçue par des Kagel ou Vivier), désormais non plus porteuse du mot, seulement révélation physique du drame, présence conductrice entre d’autres, grâce à son interprète, dans le réseau que tisse toute la machinerie du théâtre, forçant l’humanité dans un univers à priori rébarbatif. Au bout du compte, malgré les écueils, voilà ce que commence à réussir Dufort.

Clarinettes dans bien des états

François Tousignant, Le Devoir, 20 avril 2005

Concert casse gueule: une traversée de six esthétiques divergentes, avec une improvisation en clôture, et qui, en montagnes russes, se révèle un succès grâce à la force de la soliste. La clarinettiste Lori Freedman traverse tout sans difficulté et, au bout du compte, ce qui retient le plus l’attention réside dans l’interprétation qu’elle donne de chacune des œuvres.

De tout le répertoire ici créé, une constante de vocabulaire s’installe. Ce qui séduit, c’est la variété dans la syntaxe, malgré les grandes inégalités. Comme temps forts, le Without the fear of wind or vertigo (Pack), Mesh (Sokolović) et low memory #3 (Jean) s’assurent du haut du palmarès.

Le premier fait imaginer un contrepoint entre deux instruments, simultanément. L’horizon s’y découvre large, poétique, ouvert sur un ailleurs assez prenant et hypnotique. Monique Jean use bien de la miniature même si on sent que son propos rage de ne pouvoir encore être plus développé: devant ce qui se manifeste comme seule présentation, un brouillard de profondeur demande à s’ouvrir. Freedman, dans ces deux cas, transmet l’intuition avec une réelle tangibilité.

Mesh tire son épingle de pleins de petits trucs techniques réussis et du folklore imaginaire ici pris naïvement. Le ludisme de bon aloi montre une autre facette de l’interprète qui donne l’impression parfois de jouer des secondes frappées.

Le reste, on l’oublie. Ristic verbeux avec bande inutile, Derome décoratif, sans plus et Leggatt d’une insipidité primaire. Seule la réalisation technique évite l’ennui. Une grande interprète sait néanmoins tout rendre à sa juste valeur, sans artifice.

Freedman… transmet l’intuition avec une réelle tangibilité.

Grand retour en un magnifique lieu

François Tousignant, Le Devoir, 7 décembre 2004

Pulsar, voici le nom de la nouvelle série que lance le défunt Rien à voir. La manifestation renoue avec les expériences de Clair de terre [produites par l’ACREQ], ces soirées d’électroacoustiques qui ont cessé en 1993, remplacées par la série des Rien à voir [produite par Réseaux]. Les événements Pulsar auront donc lieu une fois l’an, au Planétarium.

L’inauguration s’est faite hier soir avec un concert entièrement consacré à la musique de Robert Normandeau. À part Puzzles, qui ouvrait le programme, ce sont toutes des œuvres que le compositeur a tirées des nombreuses musiques de scène qu’il a imaginées pour différentes troupes.

Puzzles est une pièce charmante et un peu facile. Normandeau y tombe dans la rythmique à 4/4 non pas par simplicité, mais pour permettre un collage et recollage des différents événements sonores conçus. Une précision s’impose d’emblée. Tout le programme devait être lancé en DVD 5.1, mais contingences techniques et esprit perfectionniste aidants, le «produit» ne sera disponible qu’à la mi-janvier. L’avantage ce cette formule est qu’avec les nouvelles possibilités des systèmes de son de cinéma-maison, chacun aura la possibilité d’enfin pouvoir écouter, voire réinventer, l’écoute de cette musique en véritable spatialisation enfin délivrée des limites de la stéréophonie, donc d’un peu recomposer l’œuvre. On attend avec impatience cette première technologique québécoise.

Suivait Éden, pièce narrative du parcours biographique sonorisé de Marguerite Duras. La musique est sensible, traitant des influences avec un sens juste de l’imaginaire, avec de belles vagues de transitions. Chorus, hommage aux victimes des attentats du 11 septembre, reste plus problématique: à vouloir faire du beau son, la guimauve des bons sentiments affleure et noie le message. Néanmoins, si ces deux œuvres semblent plus tièdes, il faut souligner — comme partout dans cette soirée — l’impeccable et, suprenamment, exceptionnelle tenue technologique. Oui, il y a là plus que de quoi s’émerveiller: se réjouir que le médium ne nuise plus au message en aucune façon.

StrinGDberg nous fait pénétrer dans l’étrangeté de la perspective acoustique. Que ce soit dans les diverses densités de couches sonores, dans les jeux de mobiles des «tempos», l’esprit combinatoire des sonorités fait penser aux Couleurs, de Rimbaud comme aux Correspondances de Baudelaire. C’était du grand Normandeau.

Qui va se surpasser en fin de concert avec Hamlet-Machine with Actors. Si, partout ailleurs, on admire le sens de la construction, l’inspiration, l’originalité, ici on se trouve devant le souffle d’un véritable chef-d’œuvre! Effets percutants, dosés et justes, violence jamais gratuite ni agressante en décibels, et une profondeur philosophique critique si actuelle et personnelle qu’on attend le disque pour mieux pénétrer tous les arcanes du grand œuvre accompli.

Pour le reste des activités de Réseaux, on inaugurera en janvier un autre type de manifestations, baptisées Akousma, où se mêleront musiques mixtes, électroniques, technologiques, visuelles, etc. Décidément, l’acousmatique bouge beaucoup! «Avis à la population!»: après la réussite totale d’hier, il faudra suivre avec attention et passion ces nouveaux développements.

… la construction, l’inspiration, l’originalité, ici on se trouve devant le souffle d’un véritable chef-d’œuvre!

Critique

François Tousignant, Le Devoir, 11 octobre 2003

Si bien de ces pièces ont déjà été portées au disque, nous ne sommes pas pour autant en présence d’une réédition. La musique «électronique» a en effet ceci de particulier que sa technologie change et que des idées parfois rendues un peu maladroitement à cause justement de limitations techniques peuvent, avec les avancées des ordinateurs, se refondre en une meilleure mouture. C’est le pari que tient ici Paul Dolden en offrant des ‘remix’ de pièces qui ont déjà fait sa gloire. Pari gagné, car tous les propos du compositeur pour justifier sa démarche s’avèrent nécessaires. Oui, on entend bien mieux — et bien plus — d’événements dans ces bandes chargées souvent au bord du supportable. L’approche de Dolden a ceci de paradoxal que, cherchant le «seuil du silence», il nous assomme de son(s); sans gratuité, ce canardage acoustique fait aspirer au silence. Avec la «nouvelle version» de Below the Walls of Jericho, tout devient effectivement plus clair, l’idée plus nette. Parfois, le retour sur de vieilles œuvres produit une forme d’académisme; ici, il n’en est rien. Dolden se montre un peu comme Léonard de Vinci qui, jusqu’à sa mort, a raffiné sa Joconde, qui reste comme le premier monument de cette incroyable saga des ‘works in progress’. Ceux qui connaissent ce répertoire seront ravis de retrouver un autre visage de cette musique. Les néophytes, eux, n’ont plus aucune raison de lui résister.

… en offrant des ‘remix’ de pièces […] tout devient effectivement plus clair […] Dolden se montre un peu comme Léonard de Vinci…

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