A Storm of Drones (3 × CD) Détail des œuvres

Tangram

Robert Normandeau

  • Année de composition: 1989-92, 93
  • Durée: 13:36
  • Instrumentation: support stéréo

Tangram est aussi le nom d’un jeu chinois constitué de sept pièces aux formes géométriques simples à l’aide desquelles on peut soit reconstituer des figures déjà existantes, soit créer de nouvelles images. Cette œuvre s’inspire de l’esprit de ce jeu, esprit qui consiste à fabriquer des associations entre des éléments simples qui se combinent pour former des structures complexes toujours reconnaissables, notamment à cause de la représentation figurative. Elle s’inscrit dans la perspective d’un ‘cinéma pour l’oreille’, cycle de travail entrepris et développé au cours des années 1990-93. Tangram est constituée de six sections qui représentent une sorte de parcours à travers les saisons, les éléments et les différents matériaux utilisés.


Tangram a été composée entre 1989 et 1992 puis retravaillée en 1993 au studio du compositeur. Certains sons proviennent de la collection d’instruments du département d’ethnomusicologie de la Faculté de musique de l’Université de Montréal. Par ailleurs, elle intègre Fragments, une œuvre commandée par le Musée d’art contemporain de Montréal pour le concert d’inauguration du son nouvel édifice le 29 mai 1992. La création de Tangram a eu lieu les 19 et 20 mai 1992 au Planétarium de Montréal dans le cadre des célébrations du 350e anniversaire de Montréal. La composition de Tangram a été possible grâce à l’aide du Conseil des arts du Canada (CAC) et du ministère des Affaires culturelles du Québec.


Création

  • 19 mai 1992, 350e de Montréal: Tangram, Planétarium de Montréal, Montréal (Québec)

Valley Flow

Denis Smalley

  • Année de composition: 1991-92
  • Durée: 7:07
  • Instrumentation: support stéréo
  • Commande: BEAST avec l’aide du West Midlands Arts

L’élaboration formelle et le contenu sonore de Valley Flow (Les courants des vallées) ont été inspirés par les paysages spectaculaires de la vallée de Bow située dans les Rocheuses canadiennes. L’œuvre s’appuie sur un mouvement fluide de base. Celui-ci s’élargit afin de créer des profils éthérés, flottants, aériens, ou afin de parcourir de vastes horizons — ou alors il se contracte pour donner naissance à des mouvements physiques plus violents, comme par exemple le jet d’éléments de texture. Les perspectives spatiales jouent un rôle important dans une œuvre qui s’inspire de l’environnement. L’auditeur qui écoute par cette fenêtre stéréophonique peut choisir des ‘points de vue’ différents; scrutant par moments la ligne d’horizon, observant le paysage en plongée, ou se sentant écrasé par la masse imposante des formations rocheuses, ou encore submergé par les détails amplifiés de la vie organique. Les qualités du paysage se font sentir dans toute la pièce: l’eau, le feu et le bois; les bruits-textures de fracture de parois rocheuses, en éléments granuleux et âpres; et la finesse glaciale, hivernale, des sons tenus. La force et le caractère éphémère de la nature se reflètent dans des changements brusques et des textures agitées.

[ix-92]


Valley Flow a été composée au Banff Centre for the Arts (Canada) en 1991 et terminée au studio du compositeur à Norwich (RU) en 1992. Elle comprend des sons créés à l’IRCAM à Paris (France) lors d’un séjour de recherche en 1989, ainsi que des éléments élaborés ultérieurement à l’université Simon Fraser à Vancouver (Canada) en 1991. La création de Valley Flow a eu lieu le 27 février 1992 au studio Pebble Mill de la BBC, dans le cadre d’un concert diffusé en direct à la radio. La pièce est une commande du Birmingham ElectroAcoustic Sound Theatre (BEAST) et a été subventionnée par West Midlands Arts.


Création

  • 27 février 1992, Music in our Time, Pebble Mill Studios — British Broadcasting Corporation, Birmingham (Angleterre, RU)

Distinctions

Lune noire

Patrick Ascione

  • Année de composition: 1987, 89
  • Durée: 4:44
  • Instrumentation: support stéréo
  • Commande: Ina-GRM
À Évelyne

Par le jeu d’oppositions et confrontations de formes uniquement, la pièce développe le discours naissant de cette combinatoire au détriment du pouvoir évocateur des sons eux-mêmes. Ces formes ‘peintes’ (plus picturales que musicales dans leur conception) sont une manière d’intégration de la couleur des sons (perception non synesthésique) dans la gestuelle quasi plastique de leur ordonnance dans le temps. Cependant les sonorités sont utilisées moins pour leur valeur sémantique que comme prétexte à l’élaboration de métamorphoses formelles caractéristiques dont la fonction sera d’imprimer en retour un rôle et une unité, un accent particulier à ces sons. Traversée symbolisant l’obscurité à vaincre, les étapes successives de la fascination; pôle inachevé de l’illusoire ou de la raison.

Lune noire est composée de deux volets de durées sensiblement identiques ponctués d’un court mouvement ou intermède isolant, le Thème de Lilith. Chacune de ces deux parties traitant des deux pôles contradictoires de ce grand sujet astrologique: la première, de la transmutation vers ce qui est désintégration (Lac noir); la seconde, de la transmutation vers un état libératoire (La porte étroite).


Lune noire est une commande de l’Ina-GRM réalisée en août 1987 dans ses studios. L’œuvre a été créée le 15 février 1988 au Grand Auditorium de la Maison de Radio France dans le cadre du Cycle acousmatique. Elle a été sélectionnée au 1er Prix international Noroit-Léonce Petitot (Arras, France, 1989) et, à cette occasion, a été enregistrée sur disque compact (NOR 1).


Création

  • 15 février 1988, Cycle acousmatique 1988: Concert, Grand Auditorium — Maison de la radio, Paris (France)

Terre

Annette Vande Gorne

  • Année de composition: 1989-91
  • Durée: 6:36
  • Instrumentation: support stéréo
  • Commande: Ina-GRM

•• Fusion: Dernier élément du cycle Tao, la Terre est le lieu des transformations, de la fusion, le creuset des autres matières. C’est aussi la dernière étape de la connaissance: celle de la synthèse entre les choses. Paradoxalement — une fois encore les yeux sont trompeurs — il s’agit d’Énergie plus que de Matière, ou encore de matière originelle sous deux formes: rayonnement et particules.

Les transformations d’extraits des quatre autres éléments répondent à sept modèles: mécanique (répétition), vague (flux-reflux), porte (ouverture-fermeture), souffle/projection, souffle/reptation, corpuscules, rotation.

Ils traversent des cribles communs qui privilégient les intermodulations, les métamorphoses, et, ‘remusicalisés’ et différenciés dans le temps par jeu-séquence, ils génèrent d’étranges similitudes: de la Diversité à l’Unité. Tout est en tout: Tao.

Les sons sont ensuite reclassés selon des critères dynamiques, de mouvements, d’énergies, d’évolution dans le temps: en mouvement continu (spirale, chute, projection, reptation); en rupture d’équilibre (chaos, troncatures, grappes, rythme — Yang); et immobiles (rotation, miroitement-allures, répétition, contemplation — Yin).

•• Symbole: Avant la création: symétrie et immobilité. Asymétrie, mouvement et choc: énergie libérée. Particules, organisation de la matière. Magma, flux et reflux. Manifestation de la matière, union. Danse de la vie. Souffle. Spirale ascensionnelle. Échecs et reprises. Vers l’Oméga.

•• Forme: La forme générale est une double spirale conique dont la base est au centre: création (rayonnement, particules) — manifestation de la matière et du rythme — vers Oméga.

Elle est en évolution constante: variations. La quinte descendante (ciel/terre du Tao) en est l’axe tonique central. La forme intègre également la spatialisation 8 pistes comme critère d’évolution: l’espace, considéré comme cinquième paramètre musical, est structuré par des figures géométriques.

Ces figures elles mêmes et tous les mouvements internes qui les parcourent sont reliées à la structure temporelle de la pièce, laquelle est basée en temps externe sur un allongement progressif de chacune des parties enchaînées entre elles et sur une accélération progressive du temps interne (psychologique).

•• Anecdote: La «leçon de chose» (selon Pierre Schaeffer) tirée de l’expérience de Terre est celle-ci: l’énergie interne d’un son, son mouvement, sa morphologie, résistent longtemps à toutes opérations de transformation, même cumulées. Il reste une marque, une trace de l’original. Seules peut être les opérations de dissociation d’un son en éléments redistribués arbitrairement dans le temps le réduisent à un objet neutre, corvéable à merci, une note.

•• Spatialisation: La version concert 8 pistes (de 1991) nécessite un minimum de 12 ou 16 haut-parleurs disposés en deux groupes, l’un frontal (pistes 5-8) et l’autre autour du public (pistes 1-4) dans une salle à l’italienne, ou l’un en couronne intérieure face au public et l’autre entourant le public disposé en cercle dans un lieu qui le permet ou en extérieur.

[xii-93]


Terre a été réalisée dans les studios 123 et SYTER du GRM (Paris, France) et mixée au studio Métamorphoses d’Orphée (Ohain, Belgique). Elle a été créée en concert le 30 janvier 1991 dans la série de concerts Clair de terre de l’Association pour la création et la recherche électroacoustiques du Québec (ACREQ) sous la direction de Robert Normandeau, au Planétarium de Montréal (Québec). La pièce est une commande de l’Ina-GRM. Merci à Yann Geslin et Daniel Teruggi pour leur aide persévérante et indispensable.


Création

  • 30 janvier 1991, Clair de terre II: Concert 4 — L’espace du son, Planétarium de Montréal, Montréal (Québec)

Crystal Music

Stéphane Roy

  • Année de composition: 1992-94
  • Durée: 12:19
  • Instrumentation: support stéréo
  • Commande: ACREQ, avec l’aide du CAC
À Claudine

Substances matérielles et substances sonores n’ont jamais été si étroitement associées que dans le genre acousmatique. Crystal Music, qui procède de ce genre, est une musique de formes, de couleurs et de matières profilées par des énergies cinétiques et des mises en perspective dans l’espace intérieur de l’œuvre. Comme le verre d’art, le matériau a été dilaté, moulé, transmué dans les hauts fourneaux de l’expérimentation. Comme le cristal, il est ciselé par l’imaginaire qui donne à ses transparences le pouvoir de l’illusion.

Au delà de la matière pure subsistent certains simulacres de voix égarés dans des collages événementiels, mais aussi des phénomènes rhétoriques de ruptures et de relations antagonistes entre personnages musicaux, des noeuds tensionnels soudainement subjugués par la fantaisie d’une arabesque. L’œuvre est parcourue par une écriture foisonnante qui use de la matière sonore comme d’autres se servent d’aplats de couleurs qu’ils écorchent par un graphisme nerveux et angulaire: elle révèle ainsi une volonté plasticienne que trahit incessamment une expression dramatique.


Crystal Music a été réalisée en 1992-94 en grande partie avec le logiciel Common Lisp Music de Bill Schottstaedt. Elle n’aurait pu vu le jour sans le support technique et les conditions remarquables dont j’ai bénéficié au CCRMA (Center for Computer Research in Music and Acoustics) de la Stanford University (Californie, ÉU) en 1992-93 et au studio de mixage de la Faculté de musique de l’Université de Montréal en 1994. La pièce a été créée le 3 mars 1994 à la Chapelle historique du Bon-Pasteur à Montréal lors du concert 15e anniversaire de l’Association pour la création et la recherche électroacoustiques du Québec (ACREQ). Crystal Music est une commande de l’ACREQ avec l’appui du Conseil des arts du Canada (CAC). Je remercie la Faculté de musique de l’Université de Montréal de m’avoir prêté ses studios afin de compléter cette pièce. Crystal Music a obtenu le Premier prix au 3e Prix international Noroit-Léonce Petitot (Arras, France, 1994). Crystal Music a été gravée sur le disque compact Prix international Noroit-Léonce Petitot 1993 (NOR 3).


Création

  • 3 mars 1994, 15e anniversaire, Chapelle historique du Bon-Pasteur, Montréal (Québec)

Distinctions

Là où vont les nuages…

Gilles Gobeil

  • Année de composition: 1990-91
  • Durée: 7:44
  • Instrumentation: ondes Martenot, système interactif et support stéréo

Dans cette pièce, l’ondes Martenot est reliée à un convertisseur MIDI permettant à l’ondiste de jouer, en plus de son instrument, des instruments MIDI (synthétiseur, échantillonneur et unité de traitement). Ce ‘super-instrument’ donne ainsi accès à une foule de sons — simples ou complexes — qui enveloppent et accompagnent le timbre des ondes Martenot tout en demeurant asservis à la sensibilité du jeu de l’interprète.

[v-94]


Là où vont les nuages… a été réalisée au studio du compositeur en 1990. Elle a été créée le 5 juin 1991 par l’ondiste Suzanne Binet-Audet, à qui cette pièce est dédiée, dans le cadre des 3es Journées électroacoustiques >>Perspectives->-> de la Communauté électroacoustique canadienne (CÉC) à la Concordia University à Montréal. Là où vont les nuages… a notamment été présentée au 1993 International Computer Music Conference (ICMC ’93) à Tokyo (Japon).


Création

  • 5 juin 1991, Suzanne Binet-Audet, ondes Martenot; Gilles Gobeil, diffusion • >>Perspectives->->: Concert, Salle de concert — Université Concordia, Montréal (Québec)

Cristaux liquides

Mario Rodrigue

  • Année de composition: 1990
  • Durée: 3:36
  • Instrumentation: support stéréo

Poésie sonore inspirée de deux différents états de l’eau, le solide et le liquide. Solide, avec des roulements cristallins et mécaniques, surimposés à des mouvements ondulatoires. Évocation des glissements de couleur caractéristiques aux cristaux liquides.


Cristaux liquides a été réalisée en 1990 au studio de la Faculté de musique de l’Université de Montréal et au studio du compositeur: la première minute a été composée avec l’instrument Fairlight; les huit autres ont été réalisées avec l’échantillonneur Akai S1000 et le logiciel RealTime sur ordinateur Atari 1040st. Le mixage final a été réalisé le 7 avril 1990 au studio Cinar à Montréal avec l’aide de l’ingénieur Alain Roy. Cristaux liquides a été créée le 25 avril 1990 dans le cadre de la série de concert Clair de terre au Planétarium de Montréal. Elle a été réalisée avec l’aide du Conseil des arts du Canada (CAC). Cristaux liquides a obtenu une Mention au 19e Concours international de musique électroacoustique de Bourges (France, 1991).


Création

  • 4 avril 1990, Clair de terre I: Concert 6, Planétarium de Montréal, Montréal (Québec)

Distinctions

Hot Air

Jonty Harrison

  • Année de composition: 1995
  • Durée: 3:57
  • Instrumentation: support stéréo
  • Commande: Ina-GRM

L’une des principales sources de sons dans cette pièce — des ballons de fêtes d’enfants — a fait naître un enchaînement d’idées par lequel, après avoir associé les ballons ‘jouets’ aux ballons ‘à air chaud’, on en vient à s’inspirer de nombreuses autres notions d’air (le souffle, l’émission de son, les phénomènes naturels) et de chaleur (l’énergie, l’action, le danger).

À mesure que le travail sur les matériaux sonores progressait, d’autres notions d’air sont devenues importantes: le mouvement à travers l’espace, une certaine qualité éphémère, et l’air comme médium principal pour la transmission du son lui-même. La façon dont se fait cette transmission (chaque molécule d’air vibrant autour de sa position dans l’espace et transmettant son énergie à la molécule voisine, selon un rythme alternant entre compression et raréfaction) est devenue un modèle pour la structure même de la pièce — une association libre de sons et de références, chacun d’entre eux influençant son voisin. Progressivement, les aspects référentiels, imitatifs et environnementaux de la pièce ont révélé une nouvelle image, autrement plus inquiétante: l’image du ballon gonflé comme métaphore de la fragilité de l’environnement, de la Terre elle-même — que l’on peut manipuler, mais pas sans limites.

Mais attention! Danger! Je risque de devenir trop pompeux, trop ‘gonflé’ par l’importance de mon sujet. On devrait surtout garder à l’esprit que, dans la langue parlée, lorsqu’on dit des paroles d’une personne que c’est «de l’air», c’est qu’elles n’ont pas réellement de substance, qu’il s’agit de bluff, de bêtises sans signification: un discours de beau parleur et petit faiseur, des paroles en l’air…


Hot Air [De l’air] a été composée à l’aide des systèmes SYTER et GRM Tools du Groupe de recherches musicales (Ina-GRM) pour l’élaboration des matériaux sonores; les étapes plus avancées du processus de composition se sont déroulées au studio du compositeur et dans les studios de musique électroacoustique de la University of Birmingham (RU). La création de la pièce a eu lieu dans le cadre de la série de concerts Son Mu, à la Salle Olivier Messiaen de la Maison de Radio France (Paris), le 22 mai 1995. Hot Air est une commande du Groupe de recherches musicales (Ina-GRM). Mes remerciements à Daniel Teruggi du Ina-GRM pour son aide et sa patience.


Création

  • 22 mai 1995, Jonty Harrison, diffusion • Son-Mu 95: Concert, Salle Olivier Messiaen — Maison de la radio, Paris (France)

Distinctions

Veils

Paul Dolden

  • Année de composition: 1984-85
  • Durée: 9:25
  • Instrumentation: support stéréo

Veils (Voile), sous-titrée Études de transformations de textures, est une série de textures, ou de murs du son, qui invitent l’auditeur à explorer un environnement qui recèle de nouvelles sensations et associations acoustiques. La texture — un accord soutenu, en général de 14-56 notes — se transforme constamment du fait que le type d’instrument qui articule le son change (en passant des cordes à la voix, puis aux cuivres, au piano, aux marimba, aux instruments de verre, etc). Aucun effet électronique n’a été introduit; seuls des enregistrements non traités et des mixages d’instruments acoustiques ont été utilisés. Cependant, la source sonore ou le type d’instrument employé n’est généralement pas facilement identifiable pour l’auditeur; les sources sonores sont donc ‘voilées’. Ce son voilé doit son existence à trois facteurs: une importante superposition (180 à 280 pistes du même instrument sont utilisées en tout temps), l’accord des hauteurs (des intervalles microtonaux ne se retrouvant pas dans notre système tonal bien tempéré), et la technique d’enregistrement (enregistrement de près dans un espace acoustique sourd, qui fait ressortir pour chaque type d’instrument des qualités que l’on n’entend pas normalement). Le titre souligne aussi l’analogie à un vrai voile, que l’on peut regarder dans son ensemble ou dont on peut voir les fils séparément. Dans Veils, on imagine que l’auditeur peut passer librement d’un type de perception à l’autre (c’est-à-dire du plan macro au micro, ou de la couche individuelle à l’effet de masse).


Les étapes d’enregistrement de Veils se sont déroulées au studio privé du compositeur; le pré-mixage et la bande maîtresse ont été réalisés au Sonic Research Studio de la Simon Fraser University (SFU) (Vancouver, CB). La création de l’œuvre a eu lieu le 19 août 1985 à Vancouver, au cours du congrès d’informatique musicale International Computer Music Conference (ICMC ’85). Veils s’est méritée le 2e prix de la catégorie musique électroacoustique du Concours international de musique électroacoustique de Bourges (France, 1986); le 3e prix au Concours international Luigi-Russolo (Varese, Italie, 1986) et s’est vu décerner une Euphonie d’or en 1992 et, de ce fait, a été déclarée l’«une des vingt œuvres les plus significatives à avoir été entendues dans le cadre de ce concours au cours des vingt années précédentes».


Création

  • 19 août 1985, ICMC 1985: Listening Session 1, Simon Fraser University – Theatre, Burnaby (Colombie-Britannique, Canada)

Distinctions

Reaching for Tomorrow

Darren Copeland / Darren Copeland

  • Année de composition: 1995
  • Durée: 3:05
  • Instrumentation: support stéréo


Reaching for Tomorrow [Tentative vers le lendemain] a été créée dans le cadre du Symposium international des arts électroniques, ISEA95_Montréal, en septembre 1995 à Montréal. L’œuvre a reçu une mention au Concours international Luigi-Russolo (Varese, Italie, 1995). Remerciements particuliers: au Conrad Alexandrowicz Theatrical Dance, au Rumble Theatre et au Mandrake Theatre pour leur interaction créative remarquable; à Paul Dolden et au Sonic Research Studio de la Simon Fraser University (SFU) (Vancouver, CB) pour avoir fourni du matériel de studio; et à DB Boyko du Western Front pour son aide financière, aidée du programme Recommender des Services culturels de la Colombie-Britannique.

Création

  • Septembre 1995, ISEA95_Montréal: Concert, Montréal (Québec)

Distinctions

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