À Jorane

Le mot ravissement renvoie à deux sens: celui, spirituel qui consiste à être transporté dans un monde surnaturel et celui de ravir, d’enlever.

Sur le plan musical, cette pièce emprunte l’idée du laminage, qui est, d’une part, un procédé de fabrication par déformation plastique et d’autre part, au figuré, l’action de réduire très fortement l’importance de quelque chose ou de quelqu’un. Ce qui est déformé ici, c’est le temps. Le temps et les spectres sont étirés ici au-delà des seuils de perception. Et au figuré, ce qui est réduit, ce qui est ravi, c’est l’identité des sources musicales utilisées.

En 2018, j’ai été invité à collaborer au plus récent projet de la chanteuse et violoncelliste Jorane. Mon travail de composition consistait à traiter en temps réel le matériel musical de la soliste, des chanteuses et du quatuor à cordes. C’était un retour au temps réel pour moi, qui avait été au cœur de mes premières expérimentations électroacoustiques et que j’avais un peu délaissé au cours des trente dernières années…

Cette pièce est le résultat d’un mélange entre les matériaux créés pour le spectacle présenté en mars 2019 et ceux qui ont été générés lors de deux résidences de création. La première a eu lieu au Virginia Center for the Creative Arts (VCCA) à Amherst (Virginie, ÉU) en octobre 2019, alors que la seconde a eu lieu à Nice en novembre 2019.

Le ravissement comprend neuf mouvements: L’arrivée; Le doute; La crainte; L’extase; L’agitation; L’appel; Le détachement; Le ravissement; La disparition.

[vi-21]

Le ravissement a été réalisée en 2019 lors de résidences de composition au Virginia Center for the Creative Arts (VCCA) à Amherst (Virginie, ÉU) et au Conservatoire national à rayonnement régional de Nice (France), et a été créée le 2 décembre 2019 au cours des Journées nationales de la musique électroacoustique 2019 dans le cadre du Festival Manca 2019 à Nice. La pièce a été révisée en 2021 au studio du compositeur à Montréal (Québec). Remerciements à tous les musiciens: Chloé Lacasse, Geneviève Toupin, voix; Geneviève Clermont, violon 1; Vanessa Marcoux, violon 2; Lana Tomlin, alto; Sophie Coderre, violoncelle; Mathieu Désy, contrebasse; Martin Lizotte, piano; Simon Godin, guitare; Pete Pételle, batterie. Et un immense merci à Jorane, pour sa confiance. Remerciements à Linda Watchtmeister qui a contribué à ma résidence au Virginia Center for the Creative Arts (VCCA) et à tout le personnel du VCCA. Le ravissement a été finaliste dans la catégorie «Création de l’année» aux 26^e Prix Opus 2021-22 du Conseil québécois de la musique (CQM).

Préparation

• 2018, Montréal (Québec)

Composition

• Octobre 2019, Virginia Center for the Creative Arts (VCCA), Amherst (Virginie, ÉU)
• Novembre 2019, Conservatoire national à rayonnement régional Pierre Cochereau de Nice, Nice (Alpes-Maritimes, France)

Révision

• 2021, Studio personnel, Montréal (Québec)

Création

• 2 décembre 2019, Manca 2019, Journées nationales de la musique électroacoustique 2019: Micadôme, 1, Conservatoire national à rayonnement régional Pierre Cochereau de Nice – Studio Jaune (C7), Nice (Alpes-Maritimes, France)
• 20 mai 2026, Création de la version immersive de 2026: Awash With Sound — An immersive chillout concert, Sentralen, Oslo (Norvège)

À Jean-François Denis, pour son amitié

Tunnel azur, c’est en fait un cinéma pour l’oreille. Il y a une histoire avec le métro comme personnage principal, avec les arrivées et les départs, la foule, le bruit des travailleurs et les musiciens. Puis il y a un suspens, avec des sons très graves… Et enfin, il y a la musique qui accompagne ce cinéma pour l’oreille.

Le métro, c’est aussi et surtout le tunnel, cet espace vide et mystérieux dont on ne voit presque rien à l’entrée. C’est le souterrain, la crypte, la caverne. Et la nuit, il y a les draisines, sortes d’animaux métalliques qui réparent tout bruyamment et qui chantent. Et puis il y a les nouvelles rames Azur, qui prennent le relai des premières rames, cinquante ans plus tard. Le nom de ces rames est particulièrement significatif, car on associe plutôt la couleur azur au bleu du ciel, alors que le métro vit exclusivement dans la nuit. Donc c’est le jour en pleine nuit ici. Dans cette pièce, il y a aussi des sons de l’octobasse nouvellement arrivée à l’Orchestre symphonique de Montréal (OSM) et que cette pièce est la première à utiliser.

Enfin, un souvenir, celui de mon premier concert avec Kent Nagano à la direction. C’était avant qu’il ne déménage à Montréal. Il dirigeait la 9^e de Mahler, une de mes œuvres fétiches. On en retrouvera des échos ici.

[i-17]

Tunnel azur a été réalisée en 2016 au studio du compositeur à Montréal (Québec) et créée en version stéréophonique le 11 août 2016 lors du concert extérieur L’orgue fait son cinéma… sous les étoiles au Parterre du Quartier des spectacles à Montréal (Québec) — les images de la version du 11 août 2016 ont été réalisées par Frédéric Lemelin — et a été reprise en version multipiste les 20, 22 et 23 octobre 2016 à la Maison symphonique de Montréal (Québec). Tunnel azur a été revisée et remixée au cours de l’été 2018 au studio du compositeur à Montréal (Québec). Tunnel azur est une commande de la Société de transport de Montréal (STM) pour le 50^e anniversaire du métro, et de l’Orchestre symphonique de Montréal (OSM). Merci à Marianne Perron et toute l’équipe de l’OSM, à Marie-Ève Masson-Guérette et toute l’équipe de la STM, et à Eric Chappel pour les prises de son de l’octobasse. Tunnel azur s’est méritée des mentions honorables aux concours de la Fondation Destellos (Argentine), Concurso Internacional de Composição Electroacústica Música Viva (Portugal) et Musica Nova (République tchèque) en 2017.

Composition

• 2016, Studio personnel, Montréal (Québec)

Révision

• Juin – juillet 2018, Studio personnel, Montréal (Québec)

Création

• 11 août 2016, Création de la version stéréo; accompagnée d’une vidéo de Frédéric Lemelin: La virée classique OSM: L’orgue fait son cinéma… sous les étoiles, Parterre — Quartier des spectacles, Montréal (Québec)
• 20 octobre 2016, Création de la version multicanal: Kent Nagano célèbre le métro de Montréal, Maison symphonique de Montréal, Montréal (Québec)

Distinctions

• Mention d’honneur, Catégorie A (support), Musica Nova 2017, Prague (République tchèque)
• Mention, Concurso Internacional de Composição Electroacústica Música Viva 2017, Parede (Portugal)
• Mention, Support, 10^e Concours Destellos 2017, Mar del Plata (Argentine)

«La mélancolie est d’abord vue comme un trouble des humeurs au sens grec de l’acception. Elle est étudiée par le médecin Hippocrate le premier ou le plus connu. Elle correspond à ce qu’on appelle aujourd’hui en psychiatrie l’état dépressif, c’est-à-dire un sentiment d’incapacité, un non-savoir de la volonté, une absence de goût de vivre pouvant, dans les cas les plus graves, conduire au suicide. Dans un deuxième temps, au fur et à mesure que la médecine se sépare de la philosophie, le terme est aussi repris dans celle-ci et elle caractérise alors un être-là existentiel qu’on retrouve chez des écrivains, poètes et intellectuels.

La mélancolie dans le sens antique permettait de vivre le deuil, de se dépasser ou encore de trouver un sens à la vie, en d’autres termes, c’est un passage en temps de crise (qui n’aboutit pas toujours à un résultat négatif). Et c’est là que la mélancolie prétend dépasser ces états de tristesses.

La mélancolie peut aussi être vue comme une “maladie sacrée” qui dans la culture occidentale a concerné toutes les expressions de la pensée et de l’art: philosophie, médecine, psychiatrie et psychanalyse, religion et théologie, littérature, musique et arts. La mélancolie est un vecteur de fertilité, de lucidité, de clairvoyance, mais aussi paradoxalement de désespoir. Jean Starobinski et Wolf Lepenies ont dit que la mélancolie était une forme de “mise à distance” de la conscience face au “désenchantement” du monde.» — Wikipédia [2017]

Melancholia comporte huit mouvements: humeur noire; nostalgie; angoisse; ennui; rêverie; colère; épuisement; tristesse.

Le seul matériau sonore de la pièce vient du bandonéon, instrument typique du tango argentin.

Melancholia est destinée à être présentée dans un dôme de haut-parleurs.

[vi-21]

Melancholia a été réalisée en juin 2015 dans le studio de Notam (Oslo, Norvège), en 2016 dans le SPIRAL (Spatialisation and Interactive Research Lab) de la University of Huddersfield (RU) et a été complétée en mars 2017 dans le Electroacoustic Studios de la Bowling Green State University (Ohio, ÉU) au cours d’une Klingler ElectroAcoustic Residency (KEAR). Elle a été créée le 16 septembre 2017 lors du concert KEAR Multichannel Concert dans le Kobacker Hall du Moore Musical Arts Center de la Bowling Green State University. Melancholia a été révisée et remixée au cours de l’été 2018 au studio du compositeur à Montréal (Québec). Elle est une commande de Notam (Oslo, Norvège). Merci à Jonathan Goldman pour son jeu et pour son bandonéon.

Composition

• Juin 2015, Norsk Senter for Teknologi og Musikk i Kunst (Notam), Oslo (Norvège)
• 2016, Spatialisation and Interactive Research Lab (SPIRAL) — University of Huddersfield, Huddersfield (Angleterre, Royaume-Uni)
• Mars 2017, Electroacoustic Studios — Bowling Green State University, Bowling Green (Ohio, ÉU)

Révision

• Juin – septembre 2018, Studio personnel, Montréal (Québec)

Création

• 16 septembre 2017, KEAR Festival: KEAR Multichannel Concert, Kobacker Hall — Moore Musical Arts Center — Bowling Green State University, Bowling Green (Ohio, ÉU)

Mixage

• 2 septembre 2018, Studio personnel, Montréal (Québec)

À Trudy Crane

Le titre L’engloutissement m’est venu de la lecture du livre de Francisco Goldmann, Say Her Name, lu au Mexique où le livre se déroule en grande partie. Récit de la mort de sa jeune femme survenue sur le bord de la mer, ce livre m’a renvoyé à un événement personnel survenu à l’été 2012 où, bien qu’excellent nageur, j’ai failli me noyer. L’engloutissement est celui ressenti dans l’eau, prisonnier de l’eau où, à trois reprises, je suis arrivé à remonter à la surface, pour ensuite redescendre vers le fond, coincé dans une structure trop lourde. C’est une expérience que je n’avais jamais vécue et qui, curieusement, était exempte de la peur qu’on peut imaginer ressentir dans de telles circonstances. Je m’en suis finalement tiré sain et sauf, avec une migraine intense.

Le seul traitement sonore utilisé ici a été l’extrême ralenti. C’est un hommage à l’artiste américain Bill Viola, dont la rétrospective vue au Grand Palais à Paris en 2014 m’a profondément touché.

L’engloutissement est une œuvre immersive, destinée à être présentée dans un dôme de haut-parleurs.

[vi-21]

L’engloutissement a été réalisée en 2013 au Centro Mexicano para la Música y Artes Sonoras (CMMAS) à Morelia (Mexique) et au Laboratorio Arcis Informatica Musical (LAIM) à Santiago (Chili) et terminée en 2017 au studio du compositeur à Montréal (Québec). La pièce a été créée le 11 novembre 2017 dans le cadre du festival L’Espace du son au Théâtre Marni à Bruxelles (Belgique). La pièce a été entièrement remaniée à l’été 2019. Remerciements à James Darling, violoncelle; Rodrigo Sigal; et Federico Schumacher Ratti.

Composition

• 15 janvier – 5 mars 2013, Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS), Morelia (Mexique)
• 2013, Laboratorio Arcis Informatica Musical (LAIM), Santiago (Chili)
• 2017, Studio personnel, Montréal (Québec)

Révision

• Juin – août 2019, Studio personnel, Montréal (Québec)

Création

• 11 novembre 2017, L’Espace du son 2017: Solo de Robert Normandeau, Théâtre Marni, Bruxelles (Belgique)
• 17 octobre 2019, Création de la version de 2019: VCCA Residency Concert, The Cube — Moss Arts Center — Virginia Tech, Blacksburg (Virginie, ÉU)

Raíl est une œuvre qui puise à plusieurs sources ses matériaux et à plusieurs idées son inspiration. La première de ces sources est le train. Autant celui qui roule, qui craque, qui passe, que celui qui siffle et qui klaxonne. Des enregistrements de trains du Canada, des États-Unis et du Mexique s’accordent afin de sceller un traité nord-américain. Le titre, Raíl, est d’ailleurs le même dans les trois langues nord-américaines (l’accent souligne la graphie espagnole).

Raíl n’est pas tant la représentation du train qui passe, si souvent illustrée en électro, que la perception sonore d’un passager à l’intérieur du train. D’où le sentiment d’un matériau sonore étouffé, sourd et qui gronde.

Une autre source est une prise de son d’un hélicoptère de la Sûreté du Québec qui a survolé mon quartier pendant plusieurs heures au cours des manifestions étudiantes du Printemps érable en 2012. Ce son d’hélicoptère, typique en milieu urbain d’une sorte d’oppression, m’a rappelé mon séjour à Belfast, en Irlande du Nord en 1997, où il était omniprésent, nuit et jour. D’autres sons d’hélicoptères enregistrés depuis plus de vingt ans se sont ajoutés à celui-ci.

[x-20]

Raíl a été élaborée lors de nombreux séjours à l’étranger — Banff, Morelia, Santiago, Bowling Green, New Smyrna Beach — étalés sur une longue période, de 2012 à 18. Raíl a été réalisée en 2018-19 au studio du compositeur à Montréal (Québec). La pièce a été créée le 19 février 2019 à la Escola Superior de Música de Lisboa à Lisbonne (Portugal) dans le cadre d’une série d’ateliers et de concerts présentés par Dias de Música Electroacústica (DME). Remerciements à tous ceux qui m’ont accueilli pendant ces résidences artistiques, en particulier Rodrigo Sigal, Federico Schumacher Ratti, Elainie Lillios, Nick Conroy et Jaime Reis.

Préparation

• 2012, The Banff Centre for the Arts, Banff (Alberta, Canada)
• 15 janvier – 5 mars 2013, Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS), Morelia (Mexique)
• 2013, Laboratorio Arcis Informatica Musical (LAIM), Santiago (Chili)
• Mars 2017, Electroacoustic Studios — Bowling Green State University, Bowling Green (Ohio, ÉU)
• 18 février – 10 mars 2018, New Smyrna Beach (Floride, ÉU)

Composition

• 2018 – 2019, Studio personnel, Montréal (Québec)

Révision

• 2020 – 2021, Studio personnel, Montréal (Québec)

Création

• 19 février 2019, Mary & Normandeau: Concerto 1, Escola Superior de Música de Lisboa, Lisbonne (Portugal)
• 17 mars 2022, Création de la version définitive: live @ CIRMMT: Le médium c’est l’espace, Music Multimedia Room — Pavillon de musique Elizabeth Wirth — Université McGill, Montréal (Québec)