A collaboration of many kinds, this one. Dirk Dresselhaus is at the core. The man from Schneider TM, as well as band member of Locust Fudge, Pancake and Dr Drek has played with Hildur Gudnadottir before, on the CD Good Sound under the banner Mr. Schmuck’s Farm (on the same label as this new one) and also with Ilpo Väisänen is active as Angel. Väisänen is most known for his involvement with Pan Sonic, but also played with Bruce Gilbert, Alan Vega and a forthcoming release with The Hafler Trio. Back when reviewing Mr. Schmuck’s Farm I had no idea who she was, but she is part of Kitchen Motors collective in Iceland, as well as playing the cello with many people on Iceland. In April 2005 the three played together at the Transmediale festival for more than an hour, and the result is now available on CD. This release continues the style set out by Mr. Schmuck’s Farm rather than the music of Angel. One long piece of drone music. The basic rule, so it seems, is that they agreed to start out in a rather soft manner and then make a sweep into noise land and land safely in more quieter realms. The noise part really cracks out here. I believe that the two men pick up the signals produced by Gudnadottir and process these through their own blend of electronics, by which we don’t understand laptops, but all sorts of black boxes with knobs. This has only vaguely something to do with drone music, but it is made on entirely different level than the usual drone suspects of Vital Weekly. Powerful music, as opposed to music that is supposed to lull you to sleep. It’s great to see at least something moving away from the usual path.

Joe Colley is also someone who shouldn’t need much introduction. Years ago he was active under the name Crawl Unit, but who remembers that? It’s been Joe Colley for some time now and as such he is quite active as a recording artists (solo, but also in collaboration with say people like Francisco López and Jason Lescalleet), performing around the world, and putting up sound installations. His work got recognition at Ars Electronica and Transmediale (but I wonder who would care about that really?). Colley is a man who loves the sound of decay. Things that are on the fringe of being broken beyond repair find a good place in his hands. The last breath of something electrical is in good hands with him. All to easily you could think that Colley deals with ‘just’ noise. Not so at all. He is also a man who loves drones — how he conceives them is not really of great importance, certainly not through a laptop, but he has them. These two ends, the drones and the noise, may seem opposite s but be assured they are in very capable hands. The opening piece Bruise Voltage And Field Error is a loud beast of a broken contact microphone choir and cable hum. The Last Audience closes the CD with a heavy drone piece that could almost be derived from feedback, but it stays away from the real noise bursts. In between the journey went through various stages, various moods (not all that negative, which seems to hover around his work) and various forms. Joe Colley’s music is an unique blend of highly intelligent noise, blending the harsh end with the more soft side, but always remains listenable. From his solo work this is perhaps the best so far.

The final new release on Oral is by someone of whom I never heard, Mylena Bergeron, and still don’t know anything, other than her working methods. She collects raw, concrete sounds which she then dully processes. In this process she wants to preserve the essence of the sound, which is done in the third phase, harmonization, through methods of editing. She calls her compositions “evocative and narrative sound landscapes”. Many of the pieces here (twelve in total) seem to be made with the sampler. She loops small particles and creates per piece indeed a sort of landscape, or rather a picture of landscape. The original sources are not always to be recognized, even when we hear voices, the supermarket, muzak and such like, but they are embedded in the overall processed sound. It took some time for me to get into this, as at first it all sounded a bit too simple, too easy, but as the CD progressed I got the drift of it, and thought it was quite nice, but perhaps a bit long. Sometimes Bergeron seems to be taking a little too much time to tell her story without knowing where to end it. A bit more concise and perhaps with a couple of pieces skipped, this would have been an absolute gorgeous CD, now it’s just pretty much alright.

[…] this DVD has no images or film. The sole reason for putting it on a DVD is to make sure it can have 24-bit versions, instead of the regular 16-bit found on a regular CD. Tremblay is a Canadian composer who moved to Britain, where he is a composer at the University of Huddersfield. He is also a member of [iks], a contemporary jazz ensemble, which he formed in 1996. On this DVD there are five pieces, the oldest from 1997 and the most recent from 2004. He certainly has a diverse style: in Binary (Virtual Rapper Remix) he adds the processed of a rapper to a crazy blend of chopped up rhythms. That might be something new for the lovers of empreintes DIGITALes! In his other pieces he offers more ‘regular’ music that we find usually on the releases of this label. Acousmatic music of processed sounds all sort, and normally I do not find this always to be highly interesting, because it’s all rather academic in approach and it moves very much along strict patterns, but Tremblay seems to be adding something of his own, a bit more humor (as in the aforementioned ‘Binary’), but also in his other pieces. It’s hard to define what that is, exactly, but I very much enjoyed this release, as it all sounded quite fresh in an otherwise rigid world of its own.

On n’a pas tous les jours 80 ans, aussi l’anniversaire d’un grand créateur comme Francis Dhomont ne passe-t-il pas inaperçu. Coup d’œil sur les productions qui le soulignent.

Computer Music Journal (30:3). La revue américaine publiée par MIT Press consacre sa page couverture au compositeur. Rosemary Mountain, qui enseigne l’électroacoustique à l’Université Concordia, y publie sous le titre «From Wire to Computer: Francis Dhomont at 80» un excellent entretien avec le compositeur.

Circuit, musiques contemporaines (16:3). Le plus récent numéro de la revue publiée par Les Presses de l’Université de Montréal présente un échange épistolaire entre le compositeur Maxime McKinley et Francis Dhomont sur l’évolution et le devenir de la musique acousmatique. Dans le même numéro, un portrait de la société de concerts Réseaux, présenté par Réjean Beaucage.

Portraits polychromes n^o 10: Francis Dhomont. La série publiée par l’Institut national de l’audiovisuel consacre le 10^e de ses Portraits polychromes à Francis Dhomont. Entretien détaillé avec Évelyne Gayou, analyses de François Bayle, Jean-Christophe Thomas, Stéphane Roy, Andrew Lewis, Anna Rubin et Katharine Norman, catalogue [d’œuvres] commenté par Annette Vande Gorne, discographie, souvenirs du compositeur et photos. La totale.

Francis Dhomont: … et autres utopies (Empreintes DIGITALes, IMED 0682). Le plus récent disque de l’étiquette montréalaise consacré à Francis Dhomont présente cinq œuvres: Here and There (2003), Je te salue, vieil océan! (1998, 2000-04), Voyage-miroir (2004), Corps et âme (2001-02) et Chroniques de la lumière (1989, 2005). Le compositeur y démontre, une nouvelle fois, son étonnante maîtrise du genre.

Francis Dhomont est l’un des quelques compositeurs qui ont définitivement attaché leur nom à un type de musique très singulier: la musique acousmatique. Au sein de la nébuleuse qu’est la musique électroacoustique, la musique acousmatique, qui «se tourne, se développe en studio, se projette en salle, comme le cinéma» (François Bayle), est sans doute la descendante la plus directe de la musique concrète dévoilée par Pierre Schaeffer en 1948.

En 1948, Francis Dhomont avait 22 ans, et c’est vers cette époque qu’il a lui aussi découvert, parallèlement à Schaeffer, les étonnantes vertus d’un nouveau médium: l’enregistrement (sur fil magnétique, dans son cas). Originaire de Paris, il est l’élève de Charles Koechlin (1867-1950, un défenseur de la musique contemporaine et un pionnier dans l’art de la photographie stéréoscopique) et Nadia Boulanger (1887-1979, l’une des pédagogues les plus influentes du 20^e siècle), et il compose, entre 1944 et 1952 des œuvres pour piano(s), pour orgue, pour violon(s), pour voix, et même un mouvement symphonique (Dimanche, 1945). À partir des années 60, cependant, son attention ne sera plus occupée que par la composition électroacoustique. Au fil d’une carrière qui se poursuit encore aujourd’hui avec bonheur, il a été un ardent défenseur du genre devant ceux qui, à l’instar de Pierre Boulez, le qualifiaient de «bricolage»; il en a été l’un des grands propagateurs à travers son enseignement, particulièrement à l’Université de Montréal, où, de 1980 à 1996, il a contribué à la formation d’un grand nombre de compositeurs; enfin, il a aussi donné au genre quelques-unes de ses plus grandes œuvres (dont la grande majorité est disponible sous étiquette Empreintes DIGITALes).

À partir de la fin des années 70, Francis Dhomont décide de s’établir au Québec. «Deux choses m’ont attiré vers le Québec: d’abord, j’avais rencontré quelqu’un qui m’avait invité à venir y faire un tour, et comme c’était une jeune femme, c’était sympathique! Puis j’ai été très bien accueilli, notamment par la Faculté de musique de l’Université de Montréal, qui m’a ouvert son studio, où j’ai pu composer Sous le regard d’un soleil noir, qui a été une œuvre importante pour moi. J’ai pu ressentir une véritable chaleur dans les contacts, et le doyen de la Faculté m’a invité à venir y passer une résidence, ce que j’ai fait; je m’y suis trouvé très bien, et je suis resté! Il y avait déjà des gens à Montréal qui s’intéressaient très sérieusement à l’électroacoustique, je pense à Marcelle Deschênes, Yves Daoust, Philippe Ménard, etc., mais je suis probablement celui qui a apporté au Québec le concept d’acousmatique.»

La première œuvre de Francis Dhomont publiée sur disque chez nous est Chroniques de la lumière (en 1989, sur le disque Halogènes, sous étiquette UMMUS) et, dès 1990, on le trouve parmi les compositeurs réunis pour le volume 37 de l’Anthologie de la musique canadienne publiée par la Société Radio-Canada (volume consacré à la musique électroacoustique; la pièce retenue est Thème de la fuite [1984-87]). Pour compléter le tableau, il ne manquait plus qu’une monographie qui lui serait consacrée par une étiquette d’ici, mais laquelle? En 1990 était lancée l’étiquette montréalaise Empreintes DIGITALes, devenue depuis l’une des meilleures références en matière de musique électroacoustique; son fondateur, Jean-François Denis, s’allia l’année suivante aux compositeurs Gilles Gobeil et Robert Normandeau pour fonder la société de concerts Réseaux des arts médiatiques. Tout était en place pour organiser un lancement de disque! Celui du double-album Mouvances~Métaphores, consacré à Francis Dhomont, fut assez spécial, puisqu’il était donné le jour même du 65^e anniversaire du compositeur. «Ça a été une surprise formidable. On m’avait invité à diffuser ma musique dans le cadre d’un concert, mais j’ignorais complètement que ce concert était une fête… pour mon anniversaire! Et en effet, c’était le tout premier concert de Réseaux, alors maintenant, nos anniversaires correspondent!» Le concert donné par Francis Dhomont le 2 novembre 2006 dans le cadre de l’événement Akousma (3), présenté par Réseaux, souligne en effet le 15^e anniversaire de l’organisme et le 80^e anniversaire du compositeur!

À partir de 1997, la série de concerts Rien à voir, organisée par Réseaux, a connu un très grand succès, attirant un public assez jeune qui découvrait les plaisirs du concert acousmatique (donné dans l’obscurité, sur un orchestre d’une vingtaine de haut-parleurs contrôlé en direct par le compositeur diffusant son œuvre). La série des Rien à voir s’est arrêtée en 2004 après sa quinzième édition et certains observateurs ont cru pouvoir y déceler un essoufflement de la formule acousmatique, voire de tout le genre électroacoustique. «Je ne suis pas convaincu du tout que ce soit une musique du passé, réagit Dhomont; je pense au contraire que c’est toujours une musique de l’avenir. Bien sûr, il s’agit d’une musique de recherche, assez complexe, et qui n’est pas destinée au divertissement. En ce sens, elle n’aura jamais un succès de grand public, et moi, ça ne me dérange pas. Je sais qu’il y en a que ça gêne, des compositeurs qui voudraient voir leur musique jouée devant des publics considérables, mais je crois qu’ils se font des illusions. La recherche demande certains sacrifices, notamment celui de la notoriété populaire.»

Il faut aussi considérer que la musique acousmatique est encore toute jeune, les premières expériences de Pierre Schaeffer en matière de musique concrète ayant été réalisées en 1948. Cette musique évolue, et, puisqu’il s’agit précisément d’une musique de recherche, il serait ridicule de vouloir en figer la forme.

Ainsi, durant la série de concerts Akousma (3), Elio Martusciello et Ludger Brümmer auront présenté des vidéomusiques, Christian Calon aura diffusé des extraits d’une œuvre conçue pour la scène et le quatuor de saxophones Quasar aura interprété des musiques mixtes (pour instruments et traitements ou pour instruments et bande). Francis Dhomont est-il resté un pur et dur défenseur de la musique dans le noir? «Ah! Vous savez, on ne m’avait pas spécifié qu’il y aurait des vidéomusiques, mais je pourrais en apporter, car ma femme (Inés Wickmann) et moi, nous en avons fait ensemble. Inés fait de la sculpture et de la vidéo, et elle a travaillé sur l’une de mes musiques, que j’ai adaptée. Je n’ai aucun blocage vis-à-vis de la vidéo, et puis, les façons de travailler se ressemblent beaucoup.» Lors d’une visite chez Francis Dhomont en 2001, pour discuter du concert qu’il donnait lors de la 10^e édition de Rien à voir, il m’avait montré certains vieux rubans magnétiques qu’il utilisait toujours dans ses œuvres. J’avais cru trouver là la recette de la «différence Dhomont», les sons utilisés par de nombreux autres compositeurs ayant fortement tendance à se ressembler, puisque tout le monde utilise les mêmes logiciels de traitement du son. «Non, je n’utilise plus les rubans… On ne peut plus… On ne trouve plus personne pour réparer les appareils. Je fais comme tout le monde et je travaille avec des ordinateurs. Bien sûr, en ce qui concerne les ressemblances, le problème est le même qu’avec la bande. Il faut essayer de ne pas se plier aux seules fonctions prévues par le concepteur. La solution, à vrai dire, c’est d’essayer d’être original! On peut y arriver par exemple en utilisant différents processeurs en cascade, ce qui réduit le risque d’avoir le même son que tout le monde. Il reste qu’il y a un «style de l’époque», mais il y avait aussi un style au 18^e…»

Francis Dhomont présente le 2 novembre 2006 la création nord-américaine de Premières traces du Choucas, une commande conjointe de Réseaux et de Musiques & Recherches (Belgique). Il s’agit d’une œuvre préliminaire s’inscrivant dans un travail en cours sur l’univers de Franz Kafka. Depuis notre conversation, une vidéomusique intitulée Moirures, de Francis Dhomont et Inés Wickmann, s’est ajoutée au programme rétrospectif du compositeur. Elle sera présentée également, le 2 novembre, en création nord-américaine.