Longtemps, elle a préféré se qualifier d’artisane. C’est connu, les meilleurs font généralement preuve d’humilité. Musicienne férue de toutes les avant-gardes, Hélène Prévost a passé une bonne partie de son existence à défendre et diffuser les musiques contemporaines à la deuxième chaîne de la Société Radio-Canada.

En tant que réalisatrice radio, elle y a brillé pendant trois décennies, soit de 1977 à 2007. Lorsque la Chaîne culturelle est devenue Espace Musique, elle fut de celles et ceux qui ne correspondaient plus aux nouveaux objectifs de la maison.

«La suite? Ça a été de plonger dans une pratique de création. J’ai bousculé mon c.v. et je me suis laissée entraîner», résume celle qui peut désormais se définir comme une artiste à part entière.

En 2006, le nouveau cycle de sa vie pointait à l’horizon: Hélène entreprenait de travailler avec le compositeur Francisco Lopez, dans le cadre du projet Montréal matière sonore. «C’est lui qui m’a ouvert la porte, en faisant confiance à ce que je pouvais faire comme artiste.»

De toutes les époques de sa vie, Hélène Prévost a été aimée, respectée voire admirée par ses pairs. Ces dizaines et ces dizaines de créateurs qu’elle a défendus via la diffusion radio-canadienne ont pour la plupart ressenti la créatrice qu’elle n’a jamais cessé d’être. Aurez-vous déduit qu’elle a toujours choisi son camp. Projetée hors de l’arène médiatique, elle a dû revoir sa pratique et redevenir ce pourquoi elle est sur Terre.

«Les gens avec qui j’ai travaillé en tant que réalisatrice étaient curieux d’entendre ce que j’avais à dire. Cette communauté m’a invitée à jouer. Je n’ai pas le sentiment de rattraper le temps perdu, mais bien celui de me retrouver au cœur de ma vie. Bien sûr, mon expérience radio me porte, me nourrit, mais j’évolue désormais dans une très grande liberté esthétique. Dans le geste comme dans l’action. Je digère, je compose tout en sachant que j’ai passé ma vie dans les meilleures conditions. Aujourd’hui? Je n’ai plus rien à perdre et je n’ai plus de temps à perdre.»

Aujourd’hui, on imagine cette femme formidable continuer à soupeser gravement les enjeux de ses gestes, réfléchir aux impacts de chaque microdétail de son art, créer les conditions maximales de l’écologie humaine dans laquelle elle évolue. Pouvoir compter sur un esprit complexe n’exclut en rien le plaisir, la passion, l’empathie, le goût des autres. Hélène Prévost ne boude pas son plaisir.

«C’est une chance extraordinaire que de fréquenter l’univers sonore sous toute ses formes. De la matière la plus brute jusqu’au foisonnement d’une grande partition.

Et j’adore travailler avec ces «expérimenteux», ces bidouilleurs qui ont aussi une grande expérience de l’improvisation et de l’écoute.»

Le grand bouleversement dans sa vie récente, soulève-t-elle en outre, c’est d’avoir changé son «point d’écoute».

«Le point de vue du diffuseur est passé à celui de l’émetteur. À la genèse même de l’acte. L’émetteur en tant qu’artiste. Au départ, je ne savais plus comment écouter et où écouter. Quand j’étais réalisatrice, j’enregistrais une performance ou je la captais en direct pour la retransmettre. Maintenant, je pousse la matière vers le dehors. Je suis ailleurs. Je suis embarquée dans la chaloupe. Je ne la regarde plus passer, je rame dedans.»

Ainsi, l’organisme Super Musique a donné carte blanche à Hélène Prévost.

«J’ai accepté à condition de pouvoir le faire avec des artistes avec lesquels j’avais envie de travailler, dont la façon de travailler pouvait s’harmoniser avec la mienne.»

Ainsi, naquit avariactions.

«Dans ce titre, se trouve un mot crucial: action. Le titre comprend aussi le mot avarie, accident si vous préférez. L’action importe davantage. L’action désigne cette série de décisions qu’un musicien doit prendre face à l’accident. Avec sa mémoire, sa culture, son instinct, son goût.»

Dans ce contexte, l’instrument que préconise Hélène Prévost est un «lieu de confrontation électrique, concrète, électronique».

«Au centre, une console me permet de mixer toute sortes d’affaires: des fréquences radios, des CD préparés par moi-même, des claviers, des pédales de distorsion, des micros contacts, du papier aluminium, un bol à salade, etc. Je ne travaille pas à l’ordi en direct. Et je travaille sans sonorisation conventionnelle. Nous avons tous apporté différentes enceintes qui produisent une acoustique particulière.»

Hélène Prévost réunit autour d’elle Steve Bates (électroniques, larsen), Nicolas Dion (enregistreuses, électroniques & objets), Anne-Françoise Jacques (électroniques, moteurs, mécanismes, fraudes et débris), Geoffrey Jones (circuits et lumière) et Éric Normand (électriques illusoires faits main, basse électrique et effets).

Dans ce lieu de confrontation, six improvisateurs créeront sur le vif. Hélène Prévost, nul besoin de l’ajouter, sera dans son élément.

With a festival as inherently risk-taking as the Festival international de musique actuelle de Victoriaville (FIMAV), it’s a given that some shows will work better than others. There may also be failed experiments, but it’s to the festival’s credit that it doesn’t rely on the tried-and-true. Invariably, even the less-successful performances are, at the very least, worth checking out.

Day three of the 24th edition of FIMAV was all about operating without a safety net — and, as usual, within a wide array of musical contexts — with some of this year’s most and least successful shows yet. […]

Victoriaville matière sonore

Contrasting with Signal Quintet’s performance, Victoriaville matière was a strong idea on paper that didn’t always succeed in the implementation. The premise was good: construct a forum for a number of composers/sound artists to create individual pieces based on field recordings made around the Victoriaville area. Have the process overseen by renowned experimental blender of natural and industrial sounds, Francisco López, and link the pieces together into a single work with a broader overriding arc. In addition to López, Aimé Dontigny, Louis Dufort, Chantal Dumas, Steve Heimbecker, Mathieu Lévesque, Hélène Prévost and Thomas Phillips all contributed to the 90-minute show.

Similar to the Theresa Transistor performance on Day Two, but in the larger Colisée venue, the artists were placed in the center of the hall, surrounded on all sides by the audience and with a sound system facing in around the periphery of the hall. With the equipment setup on a riser with minimal blue lighting, there was little for the audience to watch, encouraging it, instead, to simply absorb the sounds without visuals and to find meanings on a more personal and imagination-driven level.

The eight pieces were linked by a nature recording of birds, used to allow one artist to leave the center stage so that the next could take his/her place. Other than FIMAV CEO and Artistic Director Michel Levasseur’s usual spoken introduction to the show, there was no applause between pieces, nor was there any announcement of order of events, so it was impossible to know whose pieces belonged to whom.

Intriguing sounds were many and diverse, ranging from the natural to the artificial, and there was considerable processing applied. Like Theresa, equal importance was given to where individual sounds appeared and to how they traveled around the aural landscape. The problem was that, to a large extent, the approaches used were obvious and often overly dramatic. Lacking the nuance of Signal Quintet (and, because these were solitary pieces, the interaction of the earlier performance), the overall levels were high, the sounds often overly dense and the collages often too busy for the listener to sense any sort of unified statement.

Sometimes it’s good to make the audience come to the music rather than the other way around, and a better balance of dynamics and more discernable narrative for each piece would have made the entire show more successful. Still, credit is due for an imaginative experiment that, some shortfalls notwithstanding, was well worth pursuing.

Autour réunit quatre compositions formant un cycle d’œuvres, chacunes portant sur la prise de conscience et sur la musicalité de l’environnement sonore nord-américain. Symboliquement, elles représentent aussi les quatre points cardinaux de l’Amérique du nord et sont présentées sur ce disque dans l’ordre du cercle de vie amérindien (est, sud, ouest, nord).

Est

Musique de l’Odyssée sonore, musique de film créée en collaboration avec le concepteur sonore Claude Langlois, est un récit sonore qui s’inspire de l’histoire, du caractère et du mystère de la ville de Québec.

Sud

El medio ambiente acústico de México, promenade radiophonique, est une collection de «sonographies» (FB Mâche) méditatives évoquant le charme et les contradictions des espaces sonores mexicains.

Ouest

Vancouver Soundscape Revisited, pièce acousmatique, est un portrait impressionniste du paysage sonore passé, présent et futur de Vancouver.

Nord

Autour d’une Musique portuaire, une œuvre environnementale / instrumentale co-composée avec la réalisatrice radio Hélene Prévost, est la rencontre de l’enregistrement en direct d’un concert de sirènes de bateaux et de cloches avec un trio d’improvisateurs en studio, à Montréal.

Certaines musiques s’écouteraient les yeux fermés pour enchanter virtuellement les sens. D’autres proposent avec une grande acuité une réalité des instants fragiles en lisière des presque rien. Ici, la composition plonge ses racines dans l’humus du vivant. L’Autour est ce qui nous environne et ce qui nous Fonde. C’est aussi au-delà de l’entendement, l’en dedans de l’écoute. Car ce disque réactive la dimension poétique de la réalité, du paysage sonore tout en posant la question de l’écoute. Écouter, c’est d’abord sentir son corps écoutant. Entrer en écoute comme on entre… Oui, c’est une voie, un chemin pour parvenir à percevoir au sein du grand bruit les nuances sensibles qui musicalisent notre quotidien. R Murray Schafer parle de la nécessité d’éduquer ou plutôt de rééduquer cette oreille assourdie. Je crois qu’un disque comme celui-ci nous y invite sans l’imposer et s’imposer… Vers la densité poétique de l’écoute de la Réalité.

Pour ceux qui l’ignoraient, sachez que Montréal fut du 12 au 16 novembre l’un des rares centres mondiaux de l’électroacoustique grâce à la tenue d’un festival intitulé Rien à voir au Théâtre La Chapelle. Plusieurs électroacousticiens d’ici et d’ailleurs y présentaient leurs œuvres. Parmi eux, soulignons la présence événementielle du Français Luc Ferrari, que l’on peut ranger sans sourciller aux côtés des Pierre Henry, Pierre Schaeffer ou, plus près nous, Francis Dhomont. Mais il revenait à l’un des nôtres — Claude Schryer — d’inaugurer ledit festival par une conférence prononcée conjointement par Schryer lui-même et Hélène Prévost. Cette conférence fut suivie de l’audition de leur nouveau disque faite dans des conditions optimales.

Un nouveau disque (disponible au début de décembre) vient donc de s’ajouter au catalogue de la maison empreintes DlGlTALes vouée à la vitalité de l’électroacoustique. Ce premier disque de Claude Schryer intitulé Autour reflète à sa façon l’écologie sonore, théorie élaborée et mise de l’avant par le musicien canadien bien connu R Murray Schafer. Schryer a d’ailleurs travaillé récemment aux côtés de Schafer et a fondé avec lui l’Association canadienne pour l’écologie sonore.

Les séquences sonores de Schryer sont composées de diverses prises effectuées dans plusieurs lieux d’Amérique du Nord, prises dont l’intérêt repose sur l’agencement sensible que Schryer en fait. Cet électroacousticien manipule le micro telle une caméra, choisissant ses angles, grossissant tel ou tel détail, définissant une image sonore pour en varier les effets, bref, déploie tout un art de l’écologie sonore afin que l’image audible puisse restituer tout un climat. Nous sommes ainsi beaucoup plus proches des procédés cinématographiques que de ceux qui ont cours dans la musique écrite sur des portées. Il n’y a qu’à examiner les partitions de ce type de répertoire pour voir en elles des espèces de diagrammes que l’on pourrait croire issus d’un institut de cardiologie.

Claude Schryer privilégie surtout le montage des éléments captés pour les transformer par la suite en studio. Cette post-production n’est pas négligeable quant au produit fini mais à l’écoule de celui-ci, c’est davantage les sonorités de la nature ou celles des centres urbains qui demeurent en mémoire plutot que les artifices scintillants de la cybernétique. Évitant de matraquer l’auditeur d’effets surchargés et promis à l’oubli, Schryer accorde à l’occasion une place assez importante au silence favorisant du même coup le souvenir des sonorités choisies et la sensation de plénitude recherchée. Celle-ci est, il faut le dire, plusieurs fois obtenue.

Des quatre montages que l’on retrouve sur ce nouveau compact, trois sont composés de miniatures, sorte de cartes postales sonores qui forment une suite possédant son caractère propre que l’on ne peut confondre aux autres œuvres du disque. Toutes ces séquences montées proposent des itinéraires variés et portent des titres à la fois subjectifs et explicites: Musique de l’Odyssée sonore; El medio ambiente acústico de México; Vancouver Soundscape Revisited et Autour d’une Musique portuaire œuvre camposée conjointement avec Hélène Prevost, réalisatrice à Radio-Canada. Cette dernière, très impliquée depuis plusieurs années dans la création d’œuvres contemporaines, signe avec Schryer une solide réalisation qui concilie adroitement les sons des monuments du Vieux-Port de Montréal aux improvisations inspirées des instruments à vent faites en studio.