Duo montrélais composé de Nicolas Bernier et Delphine Measroch, Milliseconde topographie nous offre un DVD, de vidéomusique «en hommage aux choses qui poussent», un «microsillon des vagues» et 3 pièces audio pour instruments anciens et electro. Nul doute que, comme votre humble serviteur, à la lecture d’un tel tracklisting, une irréfutable envie de «passer à l’acte» de visioécoute va vous envahir! Eh bien le résultat va bien au-delà des espérances, le DVD Tricycle conjugue des moments d’intenses émotions à la fois visuelle et sonore avec une trame narrative terriblement suggestive. Résidus de traitements électroniques, Field recording, instruments acoustiques, images et textes en mouvement ouvrent des espaces lumineux où s’infiltrent bon gré mal gré de la mélancolie, du rêve, et quelques irritations bruitistes, juste ce qu’il faut pour nous raccrocher à la réalité!

Explorant tour à tour l’installation sonore sous-marine, l’affichage musical urbain et le «soundwalk», Nicolas Bernier et Delphine Measroch collaborent depuis 2004. Leurs vidéomusiques sont présentées entre autre au DotMov Festival (Japon), au Transmediale (Allemagne), au Chicago Motion Graphic Festival ainsi qu’à Visionaria (Italie).

Ekumen est un regroupement d’artistes, une micro-communauté créée début 2006, sur l’initiative de Nicolas Bernier, dans le but de promouvoir ses activités et celles de créateurs de son entourage: Delphine Measroch, Jean-François Dessureault, Urban9, Jacques Poulin-Denis. Certains d’entre eux ont d’ailleurs participé à divers titres à l’élaboration de ce DVD.

Prêt pour un roadtrip montréalais?

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«Le grand oublié, c’est Pierre Schaeffer. C’est à lui que je dédie Oxygène», lance le compositeur [Jean Michel Jarre]. «Pierre Schaeffer, c’est une des figures les plus importantes de la musique du 20^e siècle. Il a changé la manière de penser la musique en étant le premier à dire qu’elle n’était pas seulement faite de notes mais aussi de sons et que la différence entre un son et un bruit, c’est le geste du musicien. C’est lui qui a inventé le design sonore, l’échantillonnage, le réverbéromètre. Tous les procédés de composition actuels ont été inventés par Schaeffer dans les années 40. Sans lui, je ne serais pas là aujourd’hui.»

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Duo montréalais formé de Nicolas Bernier et Delphine Measroch, Milliseconde topographie sort un DVD sur le label Ekumen, l’occasion de découvrir un univers non seulement musical mais aussi graphique assez saisissant.

Les travaux sonores et graphiques de Milliseconde topographie se conjuguent dans un ensemble formellement très beau, dans lequel il faut se laisser le temps se s’immerger pour en saisir toute l’intensité et l’aspect poétique qui s’en dégage. Œuvre exigeante, qui ne joue en aucun cas sur l’immédiateté, comme la plupart des créations télévisuelles habituellement présentées en DVD, Tricycle se découvre petit à petit, en trois mouvements, découpés eux-mêmes en plusieurs chapitres.

Dans les deux premiers: Treelogy («qui rend hommage aux mouvements quasi invisibles qui se révèlent à nous quand on s’y attarde un peu») et Le microsillon des vagues («performance audio inspirée par l’océan, les vagues») on découvre de longues constructions musicales faites de fields recordings, d’instruments traditionnels (accordéon, guitares…) de sonorités microscopiques et sinueuses arrangées au laptop que l’on découvre en visionnant un montage d’images provenant de différentes sources (photos, créations graphiques, bribes de textes…), le tout dans un ensemble à la fois abstrait et très palpable.

Enfin, sur la dernière partie du DVD, 3 pièces sonores (Fossile 1, 2 et 3), créées à partir d’un logiciel «fait à la main», on peut apprécier trois créations qui prennent pour source trois instruments anciens: orgue, clavecin, dulcimer.

Tricycle est un projet artistique rare, qui sort vraiment des sentiers battus, une aventure sonore et visuelle absolue, à voir et à entendre, pour se faire une autre idée de l’art et des différentes formes artistiques aujourd’hui.

The worlds of electroacoustic composition and dance are not ones that most people would expect to overlap… what circumstances bring them together here? Why do you think they fit?

For us, electroacoustic music is as relevant to dance as instrumental music, if not more. Music is music. Electroacoustic music can offer a lot of space, where instrumental music can be more independant and stand alone. This quality, the aptness for ambience, is appealing for choreographers who are looking to encompass their visual work with a supportive soundscape. The fundamental link that unites music and dance is movement. Music is movement. Dance and Electroacoustic music are the composition of gestures that exist in time and space and become meaningful when being shown and heard. Thus, the wonderful union.

Unlike many electroacoustic works these pieces have definite melodic and harmonic elements that move things along besides the acousmatic sound elements… is this more indicative of how the music is being used as an accompaniment to movement, or is it a primary aesthetic choice in itself?

The use of tonic sounds (notes) is definitely intentional, almost even a STATEMENT. Electroacoustic music went through a period of total rupture with music from the past, but we don’t believe in this detachment. Our music is the result of many influences including instrumental melody and harmony. The other reason why you will find tonic sounds in our music is that we use a lot of musical instruments as source material in our music. Electroacoustic music is about timbre and sonority, but for us the most beautiful timbres are often those of instruments that were made to be musical. All other found sounds, only widen timbral possibilities and add a level of allusion.

Outside of the academic world it usually is associated with the general public often has difficulty grasping the concepts at play in electroacoustic music… do you believe there is a strength/purity in this distance from “pop culture” or is it too self-enclosed?

This is a BIG question that points to many things. We don’t really identify with genres, but believe they are important. Even if it’s not obvious in the music, these labels have a heavy influence on music. The Academics do research that always influence at a certain point in time pop music, just like pop music has always influenced “academic music”. We only have to think of the loop now dominant in pop music, but discovered in a radio research studio. Personally we are very influenced by pop music. It’s difficult not to be!

Do we believe in distance from pop culture? We believe in the quality of arts and research. That which aspires to bring music-creation further than pop music does. We believe in the purity of elctroacoustic music, close to being the only type of music solely based on LISTENING and not on performance. You have to be a REAL music fan to listen to this type of music because the concept of performance is kept irrelevant. We don’t believe in the confinement of Electroacoustic music. If we want to understand the world that surrounds us, we have to be able to dialogue with others who constitute it. Academicians would gain by attending more pop music concerts, and that pop culture (also secluded in its own world, even if the mass is larger) should experience more research-based art. Wouldn’t that be wonderful!?!?

The Ekumen collective supports creativity across different art forms, primarily in digital media… do you think it’s possible for creative groups to flourish exclusively online or is an extension into the real world also necessary? What are difficulties you’ve faced when exposing your works to a greater audience?

It’s possible for a collective to flourish solely through the internet… but how awfully boring! The reason behind Ekumen is to show that we are not just artists trapped in front of their machines. We also collaborate amongst ourselves, amongst humans.

Again, for a better world, human communication, physical communication is essential. Our work only begins to make sense when exposed in the REAL life, meeting REAL people, and not when we meander through the web.

Kompositören Elsa Justel är född 1944 i Argentina, men verkar i Frankrike. Majoriteten av verken på CD:n är bandverk. Hennes attack är häftig, men framförallt är de ofta relativt korta styckena skimrande och skiftande. De är som ytor där hon lagt ner största mödan på de minsta bitarna. Varje detalj är genomarbetad, genomlyssnad och väl formulerad. Så fogas de samman till olika karaktärsstycken. Ljuden är lätta att föreställa sig i deras rika skiftningar som ekon av bilder. Och mycket riktigt läser jag på konvolutet, att hon också genomfört flera audiovisuella projekt. Dem blir jag nyfiken på. Flödet, rytmen, förändringarna, rörelsen kan påminna om videokonsten med alla sina oväntade språng, där ändå formerna hänger samman.

Styckena är tydligt komponerade, de har visserligen lätthet, men sällan en livekänsla. Allt är noga övervägt, avvägt. Planerat. Men här och där skjuter hon klanger, ljud som skaver och flyttar kompositionen litet ur spåret. Jag tänker mest på Midi de sable som är skriven för blockflöjt, kontrabas, bassetthorn och bandkomposition. De övertonsrika akustiska instrumenten rör sig som i en annan värld mot bandets abstrakta klanger. Effekten blir förbluffande, ett slags kamp mellan attraktion och motstånd kring ett ständigt glapp.

Le nom du guitariste colombien Arturo Parra est associé à l’univers de la musique mixte depuis son installation au Québec en 1989 (le disque Parr(A)cousmatique, paru chez empreintes DIGITALes en 2002 contient cinq pièces composées en collaboration avec des électroacousticiens, dont plusieurs peuvent aussi être trouvées sur diverses compilations). Sur Voz, c’est bien la guitare acoustique qui est au premier plan, mais comme l’indique le titre du disque, le compositeur-interprète utilise aussi sa voix, et le résultat est souvent très proche, dans son esprit autant que dans son résultat sonore, de ce que peut offrir la musique électroacoustique. Certaines des techniques de jeu développées par le guitariste donnent vraiment l’impression d’entendre des manipulations électroniques (la fin de la pièce Vers la lumière (L’hirondelle) est à cet égard étonnante). L’utilisation de la voix ajoute aussi à cette impression, l’instrumentiste colorant son jeu de chuintements, claquements et de toutes sortes d’autres façons, sans jamais prononcer un mot. Parra indique par ailleurs dans le livret deux moments, dans l’enregistrement, où, «alors que l’instrumentiste n’a pas fait vibrer ses cordes vocales, on croit entendre sa voix.» Il impute cette illusion acoustique à une variété d’algohallucinose, ce phénomène par lequel le corps croit ressentir la présence d’un membre amputé.

Le disque se compose de quatre pièces en trois mouvements, le total desquelles forme un vaste «poème sonore» de 63 minutes dont le livret expose le «chemin» narratif. Arturo Parra y note aussi son intention de fabriquer un «cinéma pour l’oreille», une expression qu’il emprunte aussi au monde de la musique électroacoustique, mais qui s’applique en effet parfaitement à son style. La prise de son et le mixage final de la guitare et des expressions vocales du compositeur ont été réalisés avec soin (par Chris Leon) et le résultat ouvre de nouvelles voies d’exploration en musique pour la guitare.