Il compositore canadese Yves Daoust è tornato, per portarci in una nuova esperienza elettroacustica. Per conoscerlo meglio, egli stesso ci dà qualche indicazione discografica. Nel 1975, aveva realizzato Paris, les Grands-magasins, un audio-documentario che riportava l’ambiente di un centro commerciale. Oggi li chiamiamo “field recordings”, e in questo caso si trattava di un’ambientazione realistica, oggettiva, richiamata alle orecchie per ascoltarla con senso critico. Al contrario, nel 1979 realizzò Quatuor, che è un brano assolutamente astratto, pura estetica priva di referente.

Docu-fictions unisce questi due approcci, restituendoci una realtà oggettiva ma distorta, surreale, condita dagli strumenti musicali che agiscono in maniera improvvisata. Non a caso, il quarto brano si chiama Impromptu 2, che è un’agitata composizione per pianoforte, circondata da rumori stradali, strepitio di bambini e poi di folle, ed eventi acustici non immediatamente riconoscibili. Il pianoforte non resta a lungo naturale, anche il proprio suono subirà forti deformazioni. Ma spiccano i primi due episodi di quest’album (sono cinque in tutto), che sono fra loro legati.

Si tratta della stessa idea, Lily, in due versioni. La prima presenta la “materia prima” elettroacustica così com’è: campioni di voce femminile, ripetuti, distorti e perturbanti. Sospiri, gemiti e sforzi che non si capisce siano di dolore, di amplesso o di parto. Accanto ad essi, la stessa voce femminile parla, racconta. Daoust ci comunica che sono “confidenze di una cortigiana”. Non conoscendo il francese, non vi so dire se ci siano connotazioni politiche, nella narrazione; ma l’esperimento ricorda il lavoro del 1989, sempre di Daoust, per L’extase, dall’album Anecdotes. Nella seconda versione, leggermente più breve (da 17 a 13 minuti), risentiamo buona parte di questi campionamenti, ma accompagnati dalla musica della violinista Lynn Kuo, e dal fisarmonicista Joseph Petric. I musicisti improvvisano in maniera atonale, tra glissati e cluster.

Tra le due Lily e Impromptu 2 c’è un breve Intermède, che è fatto di traffico urbano, tra clacson, sirene ed elicotteri, ma inghiottito dall’elettronica, nella quale ad un certo punto sentiamo lo scintillare accelerato di campane. L’ultimo brano, Calme chaos, è orchestrale e dissonante, molto novecentesco diciamo. Però la musica viene alternata da improvvisi silenzi totali, rotti poi da annunci radiofonici, suonerie di vecchi cellulari (i modelli symbian, quelli coi primi brutti toni). La musica orchestrale si confronta con la realtà ambientale contemporanea, e sembra rispecchiarla. O viene da essa plasmata? È la domanda di sempre.

Docu-fictions è il nuovo capitolo di un’interessante discografia, da scoprire completamente. La creatività di Yves Daoust, le sequenze di eventi acustici così diversificati e senza sosta, rappresenta bene lo zeitgeist isterico dei nostri tempi, che nonostante la pandemia e la guerra, sembra ancora restare uguale a sé stesso, perlomeno in Occidente. Daoust trasfigura in arte la nostra realtà, il nostro rapporto con la tecnologia, la vita attuale, e il rapporto tra essa e la musica d’altri secoli.

L’artista elettroacustico Adam Stanović, esperto di musica acusmatica, ci trasporta in una realtà fatta di rumori e suoni ben levigati, elaborati, tridimensionali ed avvolgenti, come vuole la tradizione della musica concreta. Hymnes sans paroles è un’esperienza totalizzante per l’ascoltatore, tra le bufere di vento dell’iniziale We are the Voices of the Wandering Wind e i paradisi artificiali al centro di Helix. Per Stanović, questo è il frutto di lavori di ricerca sul suono, e sulla performance stessa, nell’ambito dell’elettronica live. Stanović traduce in quello che stiamo ascoltando, il risultato di studi e riflessioni filosofiche, nonché di un metodo analitico sulla composizione.

In ogni momento, possiamo godere di fasi statiche e di suspense, per essere sorpresi da impetuosi colpi non identificati. Baltazar’s adventure through the great machine sembra proporre il funzionamento di un qualche marchingegno industriale non identificato, mentre la sopracitata Helix è una cascata di suoni iridescenti. L’effetto dei botti è altamente cinematico. I quasi 21 minuti di viaggio di Goodnight, Tin Hau conferma quest’impressione. Portelli che si aprono, segnali elettronici, vuoti d’aria, vetri infranti, ticchettii, field recordings di gallerie stradali, traffico e uccellini… A momenti, viene da pensare alla voce sussurrata del Dolby Surround: “All… around… you…”!

Scherzi a parte, To US.S..S… ha un titolo che sa di eco. Come si può notare, ad ogni ripetizione della “S”, aumenta un punto di sospensione. E i suoi nove minuti rombano nello spazio, scaldati da una chitarra industrial, evocando ambienti turbolenti e impressioni tecnologiche, intraducibili a parole. Finora, il sound incontrato è molto solido, d’acciaio, e ciò che è gassoso come i flussi d’aria, è comunque d’impatto violento: sono scoppi ad alta pressione. Invece, Hymn Without Words chiude l’album cambiando ambiente. I suoni si fanno più morbidi e vaporosi, una fitta texture di foschie, generate anche da voci di coro. Lentamente, questi suoni eterei vengono raggiunti da percussioni elettroniche, che però fin da subito appaiono fortemente distorte e decostruite.

Hymnes sans paroles è un disco che fa della catarsi il suo scopo.

Où commence et où finit la musique? Les œuvres électroacoustiques rendent cette question caduque, ou non-pertinente. Je m’aventure sur un terrain que je connais encore mal, surpris moi-même d’avoir accroché aux Docu-fictions du canadien Yves Daoust, qui n’en est pas à son coup d’essai. Ce nouvel opus se rattache selon lui à sa première œuvre électroacoustique, Paris, les Grands-magasins (1975). Construite à partir des confidences (supposées? réelles?) d’une courtisane, la première œuvre du disque nous donne deux versions de l’histoire de Lily, l’une acousmatique et l’autre mixte. Deux versions qui doivent être envisagées à la lecture de la phrase du compositeur Alain Savouret placée en exergue: «Reconstruire à partir d’éléments séparés pour faire une fausse réalité plus lisible.»

La saint Valentin, autrement…

Les deux versions de Lily sont, je trouve, particulièrement réussies. Elles alternent, superposent, des fragments de confession de la courtisane et des recréations sonores de fantasmes, rêves. D’une version à l’autre, le trouble s’accroit, les frontières s’abolissent. Tandis que la version acousmatique reste relativement “sérieuse”, même si le travail de montage, d’enrobage, met en perspective la confession, en souligne l’étrangeté dans des mises en oreille parfois érotiques, la version mixte est plus folle, délirante. L’accordéon et le violon dérapent, ou nous plongent dans une atmosphère onirique dominée par les accents du plaisir. Ces documentaires sont tout sauf froids, gorgés d’une sensualité plastique. La musique est gloussements, gémissements, souffles, moments d’ouateuses agitations à demi éveillées. Comme il est bon de n’entendre ni considérations morales, si platitudes sociologiques, ni chiffres à l’appui! Yves Daoust nous emmène dans les arcanes du sexe avec une merveilleuse et rafraîchissante ingénuité.

La suite, un court intermède, un long impromptu de plus de quinze minutes… nous délivre de l’étouffement du réel. Bruits de rues, de manifestations, extraits de discours politique, tout est embarqué dans la musique. L’ Impromptu 2 est une splendeur. Piano et synthétiseur jouent une partition étincelante avec un médium fixe. Comment mieux dire que la musique transcende le réel, qu’elle l’illumine, le sauve de sa sécheresse, de son étroitesse, parce qu’elle lui réinjecte une autre vie au-dessus de la vie, qu’elle le transperce pour en extraire et diffuser des profondeurs inconnues? Les manifestations ne délirent pas moins que les fantasmes érotiques, non?

Calme chaos, pour orchestre de chambre et medium fixe, commence avec des sons de réunions politiques publiques. Un orateur profère: «Aujourd’hui le Québec va commencer à vivre!» Mais le chaos orchestral guette. Après un silence total, une voix sourde affirme: «… et dans vingt ans toute la musique de Beethoven se résumerait en une seule très longue note aiguë qui ressemblerait à celle infinie (?) et très haute…» La phrase est coupée, submergée par l’orchestre de chambre qui semble n’obéir à personne. Début déroutant, provocant, qui multiplie les citations, les genres musicaux. De l’oxymore du titre, on semble ne retenir que “chaos”, malgré des accalmies. Il faut au moins cinq minutes pour que l’auditeur retrouve un semblant de fil conducteur. Car s’il y en a un, c’est peut-être cet hommage, décalé et indirect, à une certaine musique d’orchestre, son âge d’or, celui de Aïda par exemple. Des fragments d’entretiens font entendre les voix d’adultes évoquant le rapport de leur père, plus rarement de leurs parents, à la musique. Puis ce sont des prises lors de leçons ou d’exercices. Peu à peu se déroule une curieuse histoire de la musique, surgie des ruines des mémoires et des chevauchements de bribes d’interprétation dans le plus joyeux désordre. L’ensemble ne m’a cependant pas convaincu, ni séduit. Le disque s’en passerait bien…

Une musique acousmatique et électroacoustique passionnante et belle grâce à un art du montage consommé qui érotise et onirise le contenu documentaire [les deux Lily], ou le détourne pour l’emmener en d’étranges et superbes contrées sonores [Intermède et Impromptu 2]. [Je laisse de côté Calme chaos, vous m’avez compris…]

Sweden’s Åke Parmerud has assembled four acousmatic works dating between 1990 and 1995 on a must-have collection of out-of-print recordings. (Acousmatic is an electroacoustic subgenre composed for presentation with speakers rather than live instruments.)

These powerful, sometimes disturbing recordings all date back to the mid-1990s. Thematically and artistically, each has maintained extraordinary relevance.

Grains of Voices came out of an invitation to produce a piece of music drama for Swedish Radio. “I decided to make a composition concerning the human voice, its symbolic implications and its musical applications,” writes Parmerud in the album’s notes. “The sound of the voice is a striking symbol of the unity of mankind.”

He recorded the voices in-person, inviting speakers and singers to share anything they wished. “This way I did not (with a few exceptions) control what went into the composition, only what came out.” Parmerud describes the 31-minute work as “a multilayered, cross-cultural hybrid piece of sonic art.”

Jeux imaginaires (or Imaginary Games) was inspired by the 1992 World Chess Championship match between Anatoli Karpov and Garry Kasparov. Aside from a middle section that sounds like a frenetic game of park chess, the work is a study of the parallels between the game and composing music.

“Every night after ending my composing session in the studio I played the game (or maybe only a few moves) on my portable chessboard. Apart from it being a nice way to turn my attention away from pure musical problems for a while, I found that playing the game made me more and more aware of the likeness between chess playing and composing. … [P]laying the game as a small ritual every night released new musical ideas and composing energy without necessarily creating detectable parallels between the music and the game itself.”

Les objets obscurs (Hidden Objects) is a musique concrète piece in four parts. Or more precisely, a meta-musique concrète piece.

We’re presented with riddles (in French) having to do with the source of the sounds used. The answers are offered musically. “In the end of the last movement the ‘solution’ of all the riddles is presented. These answers, however, set up a new ‘inner’ riddle, to which no answer is given.”

Finally, Alias explores “the duality of outer and inner existence, here interpreted through the life, music and destiny of the Renaissance composer Carlo Gesualdo da Venosa (1560-1613).”

Gesualdo is a controversial 16th/17th century figure. As a composer, he’s considered to have been hundreds of years ahead of his time. As a human being on the other hand, he’s remembered for the gruesome double murder of his wife and her lover.

“ Alias is not, however, an attempt to illustrate the shifting identities of Gesualdo,” writes Parmerud, “but is rather, in a wider sense, inspired by thoughts on the relationship between the artist and the work of art.”

That being said, it’s difficult not to let the mind wander over the course of these two dramatic movements. Like the others on this important new compilation, it is a powerful work.