In the early-music debate currently all the rage in the classical world, learned musicologists are asking themselves how Mozart’s music should sound played on period instruments instead of modern ones.

If we reverse the concept, however, we arrive at an even more interesting question: What would Béla Bartók’s music have sounded like if he had had access to a modern recording studio?

The result would probably sound a lot like electroacoustic music.

Electroacoustic music is an abstract compositional form that was born in the recording studios of France’s national radio network during the 1940s.

Composers like Pierre Schaeffer realized that everyday sounds — a ticking clock, thunderstorms or even crashing Concordes — could be recorded and organized into “music” through tape techniques, in much the same way that Béla Bartók wove the folk music he recorded on wax discs into his own compositions.

Bad reputation

Like Bartók, electroacoustic music is a highly structured, tactile music reflecting the texture and rhythm of everyday sounds in our acoustic environment, only the recording studio is the main instrument rather than the piano or violin. Many of the techniques pioneered in electroacoustic music are commonplace in today’s urban pop music, from the sampling and sound collages of hip-hop DJs like Hank Shocklee to the inventive remixing of dub reggae.

Yet for years electroacoustic music itself has suffered a reputation as New Age’s inner-city cousin: a tedious, chaotic collision of found sound and synthesizer squawking that did no more to put our acoustic environment into perspective than a ride uptown on the subway.

Alain Thibault is trying to change all that. A composer in his own right, Thibault is also artistic director of Quebec’s flagship electroacoustic organization, the Association pour la création et la recherche électroacoustiques du Québec (ACREQ), which celebrates 15 years at the vanguard of new music exploration tomorrow at Redpath Hall.

The 37-year-old Quebec City native believes that to reach new audiences, electroacoustic music needs to come out of the studio.

”I have no interest in being a purist,” says Thibault. “More and more we see a crossover between musical genres, and what I’ve been trying to do with ACREQ is get electroacoustic music out of the contemporary music closet. I want to make it more alive, more accessible, without any artistic compromise.”

With this in mind, Thibault designed ACREQ’s current season as a multi-media affair.

Recital well received

The Dangerous Kitchen, an electroacoustic homage of Frank Zappa’s work that Thibault and Walter Boudreau staged last October, was an unqualified success. Electro Radio Days, broadcast in December, was an intriguing crosscountry checkup of radiophonic art. And there is still a buzz in the air about last month’s well-received recital by the hip Kronos Quartet.

The 15th-anniversary celebrations will feature performances both inside and outside Redpath Hall by a baker’s dozen of Québec composers who got their start with ACREQ, including Yves Daoust, Jean Piché and Bruce Pennycook. Many of the works involve pairing a live performer, such as a guitarist, pianist, harmonica player or dancer, with a computer.

”I’m interested in electroacoustic music that involves live performance,” says Thibault. “We now have the technology for extraordinary interaction; the tools are so much more sophisticated. But I don’t believe in putting the performer behind the technology. The lights should be on the performers, not the speakers.”

The wide scope of styles and influences that ACREQ has showcased over the years is a reflection of the diverse pool of electroacoustic talent that has settled in Quebec. While the music has long flourished in Canada, Québec has proven to be its hothouse.

Part of this has to do with the high quality of musical education here. McGill, Université de Montréal and Concordia all have state-of-the-art recording studios and new music departments. On the air, both the English and French CBC support the music through programs such as Brave New Waves, Two New Hours, Musique actuelle, and Chants Magnétiques.

”There is something that is very unique to Québec,” says Jean-François Denis, composer and major domo of empreintes DIGITALes, a record label devoted to the genre. “We take pretentious music out of the concert hall and put it into people’s hands in bars, on the radio, on the street. By doing that it becomes much more accessible. Heard this way, electroacoustic music can be as fun to listen to as musique actuelle.”

Denis has released 16 full-length CDs so far, and his catalogue encompasses composers drawn to both the American and European schools of electroacoustic thought. The former is influenced by technology and minimalism, the latter is more esoteric and dreamlike. The goal ot both schools, however, remains the same: to open our ears to the world of music we often tune out.

Music think tank

“Electroacoustics is an innovative medium,” says composer Claude Schryer of the Canadian Electroacoustic Community, a new music think-tank with its headquarters in Montréal.

“It has the possibility to tell us how to better hear our world. It can tell you how acoustic environments work, how they affect you, how you can improve them, how important silence is.

”The whole spectrum is exciting when you think about it.”

L’ivresse de la vitesse de Paul Dolden. La principale caractéristique du travail de ce canadien est de composer à partir d’éléments acoustiques (provenant de plusieurs instruments) enregistrés et transformés uniquement par le mixage, l’accumulation de couches sonores. On va parfois jusqu’à 200 couches de sax ou de percussions. Le résultat d’une puissance unique est très original. Il y a vraiment une dimension rock qui sort de cette musique, une dimension purement physique du son. Une musique entièrement, uniquement permise par l’enregistrement; impossible à réaliser en direct. D’autres pièces travaillent plus sur l’accord des instruments et évoquent parfois le travail de Phill Niblock. Le titre L’ivresse de la vitesse correspond parfaitement au contenu. Voici venue l’ère du Speed Crash.

Parmi ces nouveautés, il y aussi deux doubles CDs qui, précisons le, sont vendus au prix d’un simple. Tangram de Robert Normandeau, un double qui propose les mêmes pièces mais dans deux versions différentes. Il s’agit de pièces en multipistes avec une version enregistrée en studio sur 14 haut-parleurs et une autre qui est une réduction en stéréo. Il y a réellement une différence d’espace entre ces deux disques. On peut regrouper trois pièces Bédé (qui figure sur la compilation Électro clips), Éclats de voix (qui figure sur Prix international Noroit-Léonce Petitot 1991) et Spleen (qui figurera sur Prix international Noroit-Léonce Petitot 1993) qui utilisent la voix d’enfant comme matériau de base avec une idée de suivi puisque l’on passe du monde de l’enfance à celui de l’adolescence. Ces pièces font apparaitre au premier plan des éléments rythmiques, dynamiques. Tropes réalisé avec des extraits de Mozart laisse à désirer, autant pour l’idée que pour le résultat. Tangram qui donne son titre au disque est dédié à Francis Dhomont. On y retrouve le son de cette bille qui roule cher à Dhomont. Une pièce composée de grands mouvements circulaires, spiralés ou en rebonds, un éclatement permanent de roulements mécaniques, de grincements métalliques, de rythmiques ferroviaires… Même si techniquement impeccable, on regrette un manque de vécu qui humaniserait un peu cette musique et la sortirait de la simple prouesse technique où parfois elle s’enferme.

La mécanique des ruptures de Gilles Gobeil, huit pièces marquées par une quête de la rupture des matériaux, un climat basé en permanence sur la dualité tension/détente. Avec des pièces mixtes, comme Associations libres pour guitare (René Lussier) et bande, où le mariage des deux éléments est parfait. On note également une pièce avec texte, La ville machine, une sorte de fiction politico-futuriste avec une touche écolo.

Le propos, souvent musclé, est parfaitement maitrisé mais hélas un peu trop similaire d’une pièce à l’autre, surtout que l’on retrouve souvent, en plus du procédé, des éléments sonores identiques. C’est un très bon disque mais il faut l’écouter pièce par pièce, jour après jour. À consommer avec modération.

Dans cette série “compact-compact”, on trouve aussi Amore de Roxanne Turcotte: de l’électro branché avec une tendance musique de danse, un univers proche du clip rempli d’anecdotes et d’images du quotidien amoureux. Claire-voie de Wende Bartley: la voix est au centre du travail, qu’elle soit en direct, dans une pièce mixte, ou enregistree. Manipulée, transformée, elle touche souvent à une dimension quasi-sacrée. Alchimie de Mario Rodrigue: cinq pièces d’une même facture.

Dans le dernier numéro de R&C, nous vous présentions 3 nouveaux CDs de empreintes DIGITALes. En voici encore sept! Cela fait maintenant une collection de 21 titres qui place empreintes DIGITALes en tête des labels d’électroacoustique, par la quantité et la qualité. Chapeau!

Avec ces nouveautés, c’est aussi le début d’une série intitulée “compact-compact”, des CDs de courte durée, environ 40 minutes, vendus à moitié prix (alors que le coût de fabrication est strictement le méme!). L’idée est de présenter le travail de compositeurs aujourd’hui plutôt que d’attendre des années qu’ils augmentent leur répertoire.

C’est le cas par exemple avec Randall Smith. Ce compositeur canadien et autodidacte a découvert l’électroacoustique avec les disques 33 tours du GRM et de Philips, et principalement avec ceux de Bernard Parmegiani à qui il fait référence dans le titre de son disque, L’oreille voit pour L’œil écoute. Né en 1960, il appartient à la nouvelle sénération de compositeurs arrivée en studio en méme temps que les techniques actuelles. Ce sont de loin les pièces récentes les plus intéressantes: La volière, évocation d’un monde volatile enfermé dans une cage et The Black Museum, musée personnel de l’auteur où il nous expose ses réflexions musicales.