I feel this array of warmth and romance when I listen to Sings the Blues (for a hopeless romantic like me that is a good thing). This release by Books on Tape is mainly comprised of samples from Todd Drootin’s girlfriend Kerri’s record collection. He explains in his liner notes “Books on Tape is as much hers as it is mine… besides I love her and I sample her records…” How sweet is that…

Todd also explains that Books on Tape would not have happened without Pavement, Talking Heads, Albert Ayler, Sonic Youth (the band of dreams), Sun Ra, Wire, Lee “Scratch” Perry, Neil Young, Mike Patton, Gang of Four, The Pixies, Public Enemy, The Fall and David Bowie. Sounds like she has an awesome record collection to me. The music on Sings the Blues is to say the least captivating and interesting. Ranging from these slow, sexy, experimental dub-esque sounds to upbeat clip hop this release as a whole is like this awesome mix-tape of a listen, with each song building towards the unraveling of the next song. It is seamless and powerful and full of bubbly fun. I really enjoyed the track Frisson as it demonstrates Todd’s immense talents in the musical arrangement of collected fragments, segments and slices. Frisson is a heart drenched lullaby sung to you from outer space. I love this CD more each time I listen again and again…

Released as part of a reissue program for which Paul Dolden “reprocessed, remixed and remastered” his works from the ’80s and ’90s, Seuil de silences is actually an augmented reissue of his 1990 CD The Threshold of Deafening Silence. Dolden’s music is all about density and this density is obtained at a cost: dozens of hours (80 of them for Below the Walls of Jericho) are used in a 15-minute piece, split into a hundred layers of processed tapes. The analog technology of the ’80s meant that a price in sound quality had to be paid for such large-scale sound manipulations. So Dolden revisited his old pieces, cleaning up and remixing to bring out details that had been buried in the past. The result is staggering, giving his music a power matched only by John Oswald’s mammoth works. Seuil de silences reprises the three pieces on the original album: Below the Walls of Jericho (if sound can tear walls down, this piece will do it: listen to it at high volume and you’ll think that the speakers are advancing on you), Caught in an Octagon of Unaccustomed Light, and In the Natural Doorway I Crouch. But the album also introduces two more pieces that are part of the “Resonance” series, pieces for soloist and tape. The first two “Resonance” pieces appeared on 1994’s L’ivresse de la vitesse. These two were composed after the release of that album (1996) and have gone through the same refurbishing process. Violinist Julie-Anne Derome is at the center of Gravity’s Stillness. Resonance #6, while The Vertigo of Ritualized Frenzy. Resonance #4 features pianist Leslie Wyber and clarinetist François Houle. But Dolden’s music has the biggest impact when it consists of tape alone — although in this case “alone” designates a multitude.

This album is not about “plunderphonics,” but you’ll find a lot of the sound morphing that has become characteristic of John Oswald’s work. And without the “who-did-he-mistreat-this-time” hook, Aparanthesi stands as Oswald’s most difficult, challenging album yet. It has a lot to offer though and every listen reveals new details — and there are enough in here to last through many listens. The album presents two versions of Aparanthesi, a 30-minute piece built on a single note: A. A piano is at the center of the piece, but it is joined by sine waves, field recordings, strings, and a piano tuner. But everything that happens has been filtered in order to “retune” it to A or one of its harmonics. You can compare it to looking at the world through a lens that would make all light converge toward a tiny point. And yet the experience is much stranger than that, especially since Oswald operates slow morphs between the most unrelated sounds. The two Aparenthesi, studio and concert versions, differ significantly from each other — enough to justify the release of both pieces. The dynamic range is extreme, some sound events happening on the threshold of audibility, and yet both pieces begin with an overwhelming chord (for the concert premiere the audience was asked to wait outside the concert hall while the chord was sounded inside, otherwise it would have been unsafe) that slowly descends toward nothingness. The liner notes consist of another conversation with the fake interviewer Norman Igma in which Oswald takes both tracks completely apart, explaining every little detail as if he was determined to dispel every iota of mystery in the work. Well he fails miserably: even after this difficult read, Aparanthesi stands as one of his most enigmatic works, worth every bit of effort required from the listener, and that despite is rather anti-climactic nature.

L’actuelle édition de Rien à voir fait découvrir des mondes encore mal connus. Jeudi soir, c’était l’électroacoustique à l’italienne. Naturellement, cela commence dans le spectacle. On entre dans la salle sur fond de foule qui murmure. Tout à coup des «chuts» sonores interrompent les conversations sur bande comme dans l’Espace Go. Le noir se fait, comme le silence, et commence Limens Limine (Cardi).

On y lit et met en scène des textes de Jean de la Croix. Usage de quelques distorsions, de déplacements, tout est efficace, décoratif et raffiné. Que dire de plus, sinon que ce fut agréable? Pas grand-chose. L’invité du jour à la console, le compositeur Luigi Ciccarelli, présente plus tard quelques-unes de ses propres œuvres. Ici, on entre de plainpied dans le monde si typique de l’opéra italien, revu et corrigé par l’acousmatique.

Dans les trois premières pièces qu’il propose, Ciccarelli écrit réellement des concentrés d’opéras incroyablement efficaces. Les livrets décrient soit la religion, soit le pouvoir politique,, soit une forme de totalitarisme. À propos de la chambre de Philippe II dans l’église de l’Escurial s’avére une œuvre puissante, effrayante. Les images contractées et mécanico-surréalistes du texte (nous écoutions une version française pour tout saisir) glacent déjà les sangs. La musique, elle, vient enfoncer le clou.

Ciccarelli use de distorsions de la voix à faire baver de jalousie des concepteurs de films d’horreur de Hollywood, avec des «effets spéciaux» à faire fuir de peur les gens des salles de cinéma. Du cinéma pour l’oreille se nomme parfois l’acousmatique. C’est exactement cela et Orwell aurait adoré!

Cela se poursuit avec Tupac Amaru, où on télescope une légende inca de la première révolution de ce peuple contre les conquistadors dans les années 1780 avec des émeutes anti-Fujimori (Funky-Fucky-Muori) dans le livret). La traduction est projetée sur écran, à la manière des surtitres à l’opéra traditionnel. L’idée du parallélisme révolutionnaire est intéressante et pourrait assurément frapper plus fort si les procédés étaient mieux creusés. L’usage de la diffusion dans l’espace est remarquable, le rythme et les citations de genres musicaux appropriés, et on se dit que voilà l’équivalent électronique d’un bon opéra de cape et d’épée de Verdi.

Plus prenant, Exsultet commence en longue plage de paix, sur chant grégorien manipulé, et plage méditative qui se voient empoisonnées d’horreur, encore, comme si le frisson de dégoût servait d’outil de condamnation. Le déroulement est ici plus soutenu, la qualité de l’œuvre est aussi nettement plus grande que celle des deux premières par son souffle et sa direction intrinsèque. Avec un propos plus abstrait, la musique se permet de prendre plus de place et on admire le talent de Ciccarelli à nous river dans notre siège par la seule inspiration apportée par ses convictions qu’il nous force, le temps d’une pièce, à partager. Comme réussite dramatique, ce fut le grand moment du concert, car il faut oublier la pièce Birds qui suivait et qui est aujourd’hui complètement dépassée.

Un constat s’impose cependant toute cette musique ne fait usage que de la surface des choses; elle n’arrive pas à creuser le sujet, à lui donner autre chose qu’une mise en scène sans réelle perspective critique. On dénonce, certes, mais en témoin extérieur, sans les questionnements qu’un Bayle, Chion ou Dhomont savent si adroitement provoquer. Un peu le dilemme de Verdi contre Wagner qui refait surface.

Avant cela, Stéphane Roy a encore une fois prouvé sa virtuosité avec ses Trois petites histoires concrètes et on a surtout eu droit à deux excellentes pièces. D’abord eBss (Agostine del Scipio); inspirée, raffinée et polie par-delà la limite de la beauté, voilà une œuvre qui va devenir classique. Puis il y a l’exploit de Con brio (Giorni). Refusant les mouvements dans l’espace, le compositeur crée la densité des plans uniquement avec un va-etvient qui joue de la perspective trompe- l’oreille comme le faisait Canaletto avec ses toiles. L’écoute est fascinante, réellement, et prouve qu’avec un minimum de moyens, un grand artiste sait toujours toucher le fond du cœur; quand idée, émotion et geste se coujuguent ainsi, transcendés par une technique de si haut calibre, la musique reprend tous ses droits. Donc: on y croit.

Another release from the great No Type label, which have established themselves firmly in the world of independant underground electronic music. With the impressive history of the label, one can be sure that whatever is released is only of the highest quality, and always interesting and refreshing.

Nothing is less true for this release by Tomas Jirku. Interesting and refreshing, this is rhythmic and experimental music. Dark, but crisp, with beautiful underlying drones.

Yes, this is beautiful. It is another great addition to the already impressive discography of Tomas Jirku. A beautiful collection of tracks that fit together in style, that keeps the listener coming back for more, and that remains fresh to the ear even after multiple listens. This one will definately be coming back to my cd-player on a regular basis!

La musique électroacoustique est un goût acquis. Qu’on le veuille ou non, la radio et la télévision nous conditionnent à accepter un certain nombre de modèles musicaux (tonaux, rythmiques) comme étant «normaux». L’électroacoustique est dès lors perçue comme «anormale», tout comme d’autres formes d’expression musicale centrée sur le son plutôt que la note, telle l’improvisation libre. C’est pourquoi une première exposition à cette musique se révèle souvent être une expérience mémorable, positivement ou négativement. Plusieurs facteurs entrent en jeu, mais le choix d’un disque adéquat à une introduction amicale aide à faire de ce premier contact un choc esthétique d’une grande beauté et ainsi marquer le début d’une longue aventure.

Avec cette piste d’écoute, je veux simplement pointer quelques titres qui m’apparaissent susceptibles d’encourager plutôt que de décourager, des titres qui ouvrent une porte sur un autre monde musical. Bien sûr, cette sélection ne peut qu’être subjective. Mais avec un peu de chance elle pourra servir de guide aux nouveaux enthousiastes du genre et aux apôtres qui cherchent des idées-cadeaux pour répandre la bonne musique. Après tout, la période des Fêtes s’en vient!

Des passerelles

On développe généralement un nouvel intérêt par excroissance d’un intérêt précédent. C’est-à-dire que l’on explore un genre musical qui nous est inconnu parce qu’un intérêt connexe nous y a mené. C’est pourquoi, dans le cas des musiques électroacoustiques, des œuvres mixtes (bande et instrument) ou qui abordent un sujet concret peuvent fournir cette passerelle qui ouvrira les horizons d’un nouvel auditeur. Par exemple, les amateurs de récits de voyage trouveront dans le Corazón Road du duo Kristoff K Roll la narration sublimée d’un périple en Amérique centrale. Ceux qui ne sont pas trop grands pour s’intéresser encore au conte (j’en fais partie) trouveront dans Forêt profonde de Francis Dhomont une réflexion sur le conte inspirée du psychanalyste Bruno Bettelheim sous la forme d’une œuvre qui allie fils narratifs entremêlés et musiques d’une grande force évocatrice. Plus léger et fantaisiste, Libellune de Roxanne Turcotte tend une perche aux enfants sans pour autant simplifier ou niveler par le bas la démarche artistique.

Les amateurs de guitare peuvent se tourner vers le fabuleux projet Parr(A)cousmatique d’Arturo Parra, un guitariste classique virtuose qui travaille ici avec les meilleurs compositeurs québécois: Stéphane Roy, Francis Dhomont (Québécois d’adoption, à tout le moins), Robert Normandeau et Gilles Gobeil. Ce dernier vient d’ailleurs de lancer une œuvre-fleuve, Le contrat, avec le guitariste avant-gardiste René Lussier. Les amateurs de René Lussier et les gens captivés par le Faust de Goethe trouveront ici un point d’intersection incontournable.

Des essentiels

Pour ceux qui veulent pousser vers une électroacoustique plus abstraite, je conseille d’abord de visiter les compositeurs québécois. Chauvinisme? Du tout. En fait, la musique des Dhomont, Normandeau, Gobeil, Yves Daoust ou Yves Beaupré m’apparaît d’emblée plus accessible que celle sortie des écoles britanniques ou françaises. Elle possède un caractère immédiat, à l’impact plus prononcé (Gobeil), au lyrisme plus plaisant (Daoust, Beaupré), à l’architecture et aux thèmes plus accueillants (Dhomont, Normandeau). À titre de points de départ, je suggère Figures de Normandeau, La mécanique des ruptures de Gobeil, Cycle du son de Dhomont et Humeur de facteur de Beaupré.

Cela dit, les œuvres de Michel Chion (son Requiem, tellement puissant), Bernard Parmegiani (La création du monde), Jonty Harrsison (Articles indéfinis), Denis Smalley (Sources/Scènes) et Natasha Barrett (Isostasie) procurent des heures de beauté et de fascination, même si ces musiques paraissent à première vue plus arides ou difficiles d’approche. Et pour ceux qui s’intéressent à l’histoire de ces musiques, l’étiquette EMF offre L’œuvre musicale de Pierre Schaeffer, le père de la musique concrète et donc grand-père de l’électroacoustique.

Des idées courtes

L’album compilation a le pouvoir d’ouvrir toutes grandes les portes de l’électroacoustique, en offrant une large sélection d’artistes et d’approches stylistiques. Disponible à petit prix, eXcitations offre un échantillon intéressant des productions sur étiquette empreintes DIGITALes. Les albums Electro clips et Miniatures concrètes, ainsi que le tout nouveau volume de la série DISContact!, proposent de courtes pièces (souvent sous les trois minutes) qui sont autant de sources de découverte et de questionnement.

Enfin, pour ceux qui désirent avancer tranquillement, à petits pas, la collection Cinéma pour l’oreille de l’étiquette française Métamkine offre une superbe série de mini-disques compacts d’une durée de 20 minutes chacun à prix moindre. Le catalogue comprend des compositeurs renommés tels Michel Chion, Lionel Marchetti, Michèle Bokanowski, Bernhard Günter et Éliane Radigue. De petits albums parfaits pour les échanges de cadeaux.

Bien sûr, tout cela, ce ne sont que des suggestions. Le meilleur parcours de découverte est celui que vous vous défrichez au fil du temps.

Bonne écoute!