Établi à Montréal depuis 2001, le compositeur d’origine française signe ici sa première monographie en regroupant des œuvres électroacoustiques composées entre 2007 et 2010, dont une a été revisitée en 2014 à l’occasion de cette parution sur disque.

La musique de Georges Forget est intensément poétique et nous emmène naviguer sur les eaux troubles de l’âme humaine. Toujours en suspension, nous sentons le souffle et le cœur qui bat dans cette musique qui respire amplement, mais qui malgré cela, nous coupe le souffle par son intensité. Bien qu’elle soit empreinte de mélancolie et de fatalisme, voire parfois inspirée de thématiques sinistres (nuit, guerres, solitude), ce qui fascine le plus dans cette musique, c’est que l’auditeur se trouve toujours immergé dans des sonorités grandioses et lumineuses, plongé dans un état d’apesanteur à la fois déstabilisant et apaisant.

À travers six titres, Forget nous transporte de la noirceur resplendissante de la ville qui s’endort (Urban Adagio, 2010) au chant d’une enfant sur la plage et jusqu’en haute mer (L’appel, 2008), en passant par Une île (2009) aussi mystérieuse qu’une femme… Nous ne sommes pas étonnés que la majorité des notes du livret soient des textes poétiques ayant manifestement inspiré les compositions, comme cet extrait de Problèmes prosés de Wahed Gotref qui correspond si bien à l’esprit de l’œuvre Métal en bouche (2008):

Sans nous dérober à la vie, nous sommes-nous néanmoins jamais laissés entièrement aller à son onde, lâchés et souples, impassibles à demain? Pour nous qui n’avons jamais su rêver qu’au passé, demain fut toujours une menace. Et pendant ce temps, nous n’aurons fait que dérober aux choses un peu de leur éclat.

Dans Orages d’acier (2007), la forme est complexifiée par des juxtapositions de moments d’intensité violente et de moments que le compositeur qualifie de «longs espaces de vide», quoiqu’ils sont profondément habités et vivants. Sublimant ainsi, en musique, la violence et l’angoisse de la guerre, l’œuvre se termine sur un chant militaire parfaitement intégré. Charles Baudelaire embarque aussi dans cette odyssée musicale en étant cité dans le livret. L’œuvre révisée du programme, Seul et septembre (2008, rév. 2014), est accompagnée d’une citation de L’invitation au voyage de Charles Baudelaire, dont certains mots, à eux seuls, résument à merveille l’impression générale que nous laisse l’écoute de ce disque:

Là, tout n’est qu’ordre et beauté,
Luxe, calme et volupté.

At the end of Grant Morrison’s run on Batman Incorporated, readers learned of arch rival Ra’s al Ghul’s secret stock of super-foetuses, cloned from the caped crusader’s genes and gestating for some future Battle Royale. On the strength of this latest batch from electroacoustic label empreintes DIGITALes, of whom ample note has been made here, a similar programme seems to be well underway in deepest French Canada, with a plot to inundate listeners with award-winning, electroacoustic composer-pedagogues.

Georges Forget is the latest of these luminaries to alight upon these pages, following a trail unremarkable only among his peers: schooled to PhD level in Bordeaux and Quebec, scooping up awards along the way, and moonlighting for stage and screen while teaching electroacoustic composition at his alma mater. The journeys in these pieces (mostly from 2008) are suggestive of an ambition that can blast through shield doors; a ferocity evident in Métal en bouche (Metal in Mouth), which detonates millions of charges at stifling, oceanic depths; its claustrophobic paranoia constituting a debt to Wolfgang Petersen’s epic adaptation of Das Boot.

If Forget favours high-minded literary extracts over lucid description of his sound sources, he still shares a passion for the elements, especially water and metal. This he appeases by sticking a mic in everything from sea waves to the kitchen sink and capturing the frothing tension that ensues.

Peaks may be difficult to detect in these careening escapades, but a telling reference appears in his notes on the WWII (account)-inspired Orages d’acier (Storm of Steel) in which he refers in both sound and text to the ‘moments (in battle) where violence gets so intense it becomes hallucinating and stripped of any emotion… separated by long stretches of emptiness’, the corresponding result is an alternation between harrowing, ballistic frenzy and scenes of dead air that lashes together emotions such as revelry, violence and horror as definitively as anywhere else on this fine collection.

Album art can draw listeners to music, or push them away. The best album art enhances the overall presentation, while the worst detracts from it. In some cases, we’ve reviewed albums because of the art, while in others we’ve declined. In this feature, we’ll take a closer look at some of the year’s best artwork and share words from the designers, labels and musicians involved.

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Georges Forget ~ Le dernier présent (empreintes DIGITALes)

Design: Georges Forget

Topic: “The illustration on the cover of the disc is based on the multiple meanings of the French title “The last present.” Understood as “the last now” and “the latest offering,” the pose of an individual subject with cords coming to life on a twilight background was a way to illustrate the end of a period in my life as a composer. Including quite dark and nostalgic rooms, the picture is clear to me.”

Process: “I discussed this with the way I approach in my compositions sound materials; I basically worked by gluing in Photoshop. Not being a professional graphic designer, the attached image shows an example of composition of my visual work. I printed the silhouette I had done by computer, then I glued on a cardboard plate to come add real cables. The photograph was then cable mounted on the original figure and finally processed digitally.”

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Some folk are snooty about the whole Best of the Year idea because they’re extremely advanced thinkers who’ve gone beyond lists (& blogging) & everything… I almost didn’t bother but finally did…

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Georges Forget — Le dernier présent (empreintes DIGITALes)

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Georges Forget could be considered a proper poet of sound and field recordings as you can easily infer since Urban Adagio, the first long suite that opens this collection, where he inspires the poetic description of an urban environment and a city as a tired woman at the end of the day in opposition to the typical saying that some cities never sleep: “My own city is very tired when evening comes, weary of the uproar and hubbub. I can see her struggling to accompany citizens to their final occupations. Here she is, streets and boroughs blinking as she yawns and stretches out at the bottom of streets that are emptying slowly… my city falls asleep; she quitely lets erode away the forlorn destinies of the handful of souls still up to contemplate her, their shadows fading away under the pale light cast by the lampposts”, according Wahed Gotref’s introductory words. Premiered on April 23rd, 2010 as part of the concert Con sordino by Code d’acces, which commissioned it, at Relais Mont-Royal in Montreal, the suite renders such a portrait in a very astonishing and somehow cinematic way, but it’s only the first assay of the remarkable skills of representation, transfiguration and translations into sounds that got displayed on Le dernier present: the following suite Metal en bouche — awarded at the 25th Concorso internazionale di musica elettroacustica e rumore Luigi Russolo-Rossana Maggia at Annecy in France and at the 3rd Destellos Electroacoustic Composition Competition in Mar De Plata, Argentina — seems to render an attempt of asphyxiation of someone by means of faggots made by impressively resounding minced metallic objects; the noise of creaky boards, forestays and shroads could surmise the physiological outputs of a living entity on Une île, the suite that precedes the narrative one Orages d’acier, whose alternation of moments here violence becomes hallucinatory and suspended anxious moments of emptiness render the inspiration that Georges took from Ernst Junger’s novel Storm of Steel (published in French as “Orages d’acier”), where the author releates his combat experience in World War I, and the more recent motion picture The Thin Red Line by Terrence Malick. Forget quotes the translation by Jack Collings Squire of the first stanza of The Invitation to the Voyage from Baudelaire’s Fleurs Du Mal as framework of the more intimistic suite Seul et septembre (2008) and an extract from Melville’s Moby Dick — ‘Whenever I find myself growing grim about the mouth; whenever it is a damp, drizzly November in my soul; whenever I find myself involuntarily pausing before coffin warehouses, and bringing up the rear of every funeral I meet; and especially whenever my hypos get such an upper hand of me, that it requires a strong moral principle to prevent me from eliberately stepping into the street, and methodically knocking people’s hats off’ then, I account it high time to get to sea as soon as I can. This is my substitute for pistol and ball. With a philosophical flourish Cato throws himself upon his sword; I quietly take to the ship. There is nothing surprising in this. If they but knew it, almost all men in their degree, some time or other, cherish very nearly the same feelings towards the ocean with me.’ — as a description of L’appel, the acousmatic masterpiece that closes this collection.

Kopfkino, een mooi Duits woord dat het werk van Georges Forget puik weet te vangen. De breedte van een cinema, de opeenvolging van scènes, het narratieve karakter, maar dan zonder dat je iets te zien krijgt: allemaal voor in het bolletje, ook met de ogen open trouwens. En dat ergens flipperkast-tikkend tussen academische, gecomponeerde muziek, indie-experiment en contemporaine musique concrète. Het speelt zich bovendien allemaal niet vroeger af, maar nu. Zet de stereo uit en de projector stopt, acuut. Het laatste, ondeelbare heden; daar richt Forget zich volledig op.

Forget laat zich inspireren door Baudelaire en Jünger, maar net zo goed hoor je de invloed van Pierre Schaeffer en John Cage of Chris Watson en BJ Nilssen. Poëtische literaire ideaalbeelden botsen op feitelijke waarnemingen in noisy fieldrecordings. Gedragen romantiek en stadse zakelijkheid schurken langs elkaar heen in minisymfonieën waarin dramatische dynamiek hoogtij viert. Forget lijkt het de toehoorder liefst niet makkelijk te willen maken, maar schijn bedriegt. Moet er gebakken lucht van gemaakt worden?

Le dernier présent drukt het oor tegen de speaker. Hoor! Luister! Hier! Onwillekeurig slaat die projector wel aan en dan komen de beelden. Forget registreert en regisseert. Nu eens scherp, dan in een bewust verveegde vaagheid. Tussen de shots schakelt hij van bemoedigend, lieflijk of aanlokkelijk sirenengeschrei naar nachtelijke oorlogshorror en omineuze voetstappen. Kinderlijk dromerige onschuldblikken worden afgewisseld met hectische montages die de elektrische energie van een nooit slapende stad ademen. Daar zie je met je oren.

Elektronische Hörspiele — gibt es sowas? Und dann noch ohne gesprochenen Text? Spätestens, wenn literarische Texte zum Titelgeber und zur Inspirationsquelle des rein musikalischen und akustischen Geschehens werden, muss man die Frage bejahen. Georges Forget, der am Konservatorium von Bordeaux ausgebildet wurde, gilt seit den frühen 2000^er Jahren als einer der führenden Köpfe der elektronischen Musik Kanadas. In seinen Stücken ist es schwer auszumachen, ob sich nun der Einfluss der eher akademischen Musik oder der aus der Independent-Szene durchsetzt. Verkürzt könnte man auch sagen: Boulez meets Drone. So auch auf dem aktuellen Album Le dernier présent, das sechs im Zeitraum zwischen 2007 und 2010 entstandene Kompositionen zeigt, die allesamt das Kino im Kopf anwerfen. Zwei Stücke basieren jeweils auf Texten von Ernst Jünger und Charles Baudelaire und zeigen das Changieren Forgets zwischen Romantizismus und Brachialität, zwischen Stille und explodierendem Lärm, zwischen feinziseliertem Klang und trashigem Geräusch. Sechs Minidramen bohren sich beim Hören in den Kopf und sind auch noch beim Erfassen des nächsten Tracks präsent, so dass beim Durchhören der CD ein permanentes Überlappen herausfordernder Klangereignisse den Hörer in den Sessel drückt und ihn nicht mehr loslässt. Es ist die ultimative Kopfhörermusik, denn mit den zwei Klangschalen auf den Ohren gerät man in ein geschlossenes musikalisches System, das einen auf beinahe furchterregende Art gefangen nimmt.

Contemporary electroacoustic music par excellence. What more can I say? At which point, I feel I should say a little more in order to convince you that your music collection will be greatly enhanced by containing Le dernier présent, but would you take any notice? Why should you? I shall post a track and you can decide. That’s fair, isn’t it? After all, you’re all grown up and know what you like by now. There’s always a chance, however, that you haven’t heard this kind of music before and will embrace it wholeheartedly. In which case, you may thank me if you wish. I won’t mind if you don’t either. I won’t know.

I’ll highlight one track, Orages d’acier (the French title for Ernst Jünger’s novel Storm of Steel), of which Forget says: ‘I wanted to sublimate through music both of these war highlights: the dull anxiety and tensed boredom of the wait, followed by the commotion and chaos of the attack.’ This he does superbly, shaping sounds of dread-filled tension, noise and terror. The sleeve notes are excellent, containing quotes from Melville and Baudelaire among others.

C’est au printemps dernier qu’Empreintes digitales, le label de musique électroacoustique montréalais, annonçait une promo tout à fait alléchante. J’admets que mon cœur n’a fait qu’un bond en voyant cette offre exceptionnelle de 5 CDs pour le prix de 4, et la page n’avait pas finie de télécharger que mon numéro de carte de crédit était déjà rentré. Si certains oseraient juger cet excès consumériste qui m’a envahi, qu’ils sachent que les nouveaux arrivages du printemps avaient de quoi impressionner: des albums des compositeurs Åke Parmerud, Adrian Moore, Hans Tutschku, Gilles Gobeil et Georges Forget. En bref, une «attaque à 5» électroacoustique pour le moins exceptionnelle.

Afin de souligner l’occasion, j’ai invité un de mes collègues-rédacteurs, Philippe Desjardins du webzine Canal auditif (lecanalauditif.ca), afin de discuter de deux de ces albums: Growl du suédois Åke Parmerud et Le dernier présent du français Georges Forget. Privilégiant la formule «discussion informelle», nous vous présentons nos coups de cœur de montréalais. Une formule deux pour le prix d’un, ça fait toujours saliver, surtout lorsque la première est gratuite!

Pierre-Luc: difficile de décrire la musique de Forget sans parler de romantisme. C’est clair dès la première lecture de la note programme pour Métal en bouche. D’ailleurs, longtemps j’ai été hanté par celle-ci. Cette férocité, cette rage qui jaillit, et en même temps cette poésie qui sourd de la musique. C’est vraiment une très belle pièce. Cela dit, à force d’écoutes répétées, j’ai l’impression que la pièce aurait pu être encore plus sauvage.

Philippe: oui, la pièce se tient bien, mais je suis resté sur ma faim. Je m’attendais à plus d’impact, de contraste.

PL: ensuite, il y avait Une île, celle avec ses «craquements de bois».

Philippe: c’est ma préférée. Tu ressens pratiquement le volume du bois, même si je doute que ce soit bel et bien du bois dont il s’agisse. Malgré tous les traitements numériques, c’est impressionnant d’en arriver à quelque chose d’aussi organique, de simuler la sensation qu’on est à proximité de la matière.

PL: le début me semble un peu lent. C’est vraiment au 3/4 de la pièce qu’elle devient plus dynamique. Les impacts sont d’une grande énergie, et, tout d’un coup, la pièce devient très engageante. Orages d’acier suit un peu la même forme. L’attente se fait tout de suite sentir avant d’exploser à répétitions, et on se sent plonger dans l’œuvre d’Ernst Jûnger, des tranchées et des tirs d’artillerie, mais ce que je trouve fantastique, c’est le jeu sur les hauteurs. Il y a un sens de la mélodie, de la densification, du crescendo, et le tout est extrêmement musical… un peu comme un lied électroacoustique…

Philippe: et après ça commence à chanter! Pour moi, le chant de la fin vient briser tout ce que j’avais imaginé durant l’écoute. En un instant, je suis projeté dans une brasserie de matelots. La partie s’intègre peut-être bien dans la thématique, mais d’un point de vue strictement musical, je remets en question ce choix.

PL: il s’agit des Oies sauvages, un chant de la Légion étrangère française. Il y a peut-être un sens caché qui nous échappe, humbles Québécois… C’est peut-être très français comme décision! Enfin, j’aimerais conclure avec Seul et septembre qui est ma préférée. C’est sûr qu’avec des phrases lyriques passées dans un vocodeur, on fait dans le mignon, et c’est exactement pour cette raison que j’aime cette pièce. C’est tellement reposant et paisible… On écoute, et puis tout va bien. C’est une chanson d’amour que je ne peux qu’aimer d’amour, sans rationalité aucune.

Philippe: il y a une beauté très romantique à la pièce. Un plaisir tout simple, comme être étendu dans un pré… Tout le contraire de Growl!, la chanson heavy métal de Parmerud!

PL: c’est vrai, sa pièce pour quatuor vocal de chanteurs death métal! La signature electronica de Parmerud est très claire sur ce matériau «métal», qu’il a hybridé avec une bonne dose de techno. Je connais très bien l’univers du métal, et c’est curieux, car je ne trouve pas la pièce si métal que ça. L’idée me plaît énormément. La pièce a du souffle, et c’est peut-être la mieux composée de l’album, mais j’aurais souhaité plus de vitesse, et d’agressivité, et surtout de batterie déchaînée qui prend toute la place!

Philippe: j’ai bien ri dans les premiers instants de la pièce, mais ma préférée demeure la toute première pièce de l’album. Dans La vie mécanique, on comprend tout de suite comment Parmerud construit ses rythmes, omniprésents tout au long de l’album. Elle et Grooves, la 2^e pièce, sont vraiment fortes, d’autant plus qu’elles me sont familières, car elles empruntent beaucoup de sonorités à des groupes du genre industriel: Skinny Puppy, Frontline Assembly… Il y a des références, des gestes qui semblent tout droit sortis de ces musiques.

PL: la fin de La vie mécanique est particulièrement prenante, et c’est clairement une pièce faite pour le concert, où les gestes sont magnifiés par la diffusion extrêmement active de Parmerud. Toutefois, Grooves demeure ma pièce fétiche de l’album. Le minimalisme de la pièce a déjà de quoi impressionner: 9 minutes de musique obtenues grâce au craquement d’une aiguille déposée sur un disque vinyle… Sous la main de Parmerud, ce geste sonore infime est démultiplié, transformé en un torrent de bruit écrit de façon très sensuelle.

Philippe: il y a peut-être un certain réconfort à écouter les craquements d’un vinyle. Comme un feu de bois.

PL: on parle souvent des mythes d’audiophile, comme quoi le vinyle sonne plus «chaleureux». Ça vient peut-être de là!

With tracks inspired by a Terence Malick film, a Melville novel, and poems by Baudelaire and the French sailing champion Olivier de Kersauson, Le dernier présent wears its literary heart on its sleeve. Yet it is an album of few words, the most obvious being a portion of song from the French Foreign Legion. This segment, midway through the album, reminds the listener of the yearning soul behind the mechanical facade. Even when the words, first sung, are echoed in a guttural whisper, the listener can feel the tension between courageous ideal and smudged execution.

Montréal’s Georges Forget has lofty ambitions, which include the pulling back of bandages to check the condition of wounds. He is not afraid to expose the “melancholy and fatalism” of a war song, or the underbelly of a breathing city. But at times he turns romantic, underlining the brevity of a fleeting romance or the lure of the ocean; toward the end, he even allows a child’s ebullient voice. No single mood unites Le dernier présent, but the sounds – composed and recorded over the past decade – are intriguing in themselves, and hide their surprises between folds of sonic cloth.

One of the most effective pieces, Urban Adagio, treats the sounds of transit as both texture and percussion, augmenting the chug of trains and passing of cars with footsteps, squeaks and drones. The effect is both soothing and energizing; the more familiar the sounds become, the more comforting, stripping the terrors of night and replacing them with a siren call. Related sounds will appear later on the album, reflecting the artist’s urban background. The more rhythm one hears, the more rhythm one truly hears or ceases to hear, depending on one’s attitude toward the alluring/offensive sound.

The two “war” pieces are rougher around the edges, as befits their subject. The prize-winning Métal en bouche is filled with hammers and engines, but is offset by smaller noises: a laugh, a coin, a bell. “We move forward, metal in mouth,” writes Wahed Gotref. The slow march pace indicates a battalion, or at the very least, a metaphorical determination. Orages d’acier is less linear: a counterbalance of lulls and explosions, a nod to The Thin Red Line. Before the soldiers sing, there is again the sound of the rails, connecting this piece to Urban Adagio, albeit with a different connotation.

A secondary theme is that of water, lapping at the hulls in Une île and anchoring the quotes of Seul et septembre and L’appel. In the first composition, the water looms dark, a murky, many-fathomed ocean. But in the second, the waves and the electronic wings are more benign; and by the Moby Dick-referencing closer, the tone shifts to a summer vacation, replete with playground and child. Whenever it is a damp, drizzly November in my soul… I account it high time to get to sea as soon as I can. If the tamer 21st century invites us to get to the sea instead of to sea, it’s still a pleasant reminder that the world is not all metal, transit and war.