electrocd

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AMN Review

Mike Eisenberg, Avant Music News, July 19, 2022
Wednesday, July 20, 2022 Press

It’s been a while since I’ve contributed to my on again/off again examination of the wonderful empreintes DIGITALes label. I’m going to dig deep into their catalog and talk about this stellar release from 2008. Ned Bouhalassa’s Gratte-cité is one of those releases that evokes, not only a long passage of time but also a vast soundscape, creating an unparalleled cinéma pour l’oreille. This sense of “the epic” is familiar to me because there are other releases on empreintes DIGITALes that deliver in the same way. I’m thinking specifically of the Gilles Gobeil / René Lussier release Le contrat and Arturo Parra’s Parr(A)cousmatique which I’ve also written about. It’s this boundless, infinitely expansive journey through environments both physical and metaphysical, rooted in both real time and a temporal otherworld that elevates Gratte-cité to such a compelling listen.

Full disclosure: When I first heard this, I was less than enamored… and I know why. The beats.

Full disclosure (addendum): Now… when I listen, I’m completely enamored… and I know why. The beats.

Bouhalassa has done something that I’m sure has been done before but… not in such a seamless, organic way. He married both live and electronic drum n’ bass elements to the Acousmatic world. And this marriage wins the “Power Couple” award usurping Brad and Angelina!

I’ll return to the beats in a bit but a little about Bouhalassa first. It appears that he has his feet in two worlds, not only working in the Acousmatic space but also creating music for film, television, and video. I’ve looked around and it seems his Acousmatic work is limited to this release and 1998’s Aérosol (also on empreintes DIGITALes). A quick search on YouTube reveals several short videos ranging from synth demos to short films and documentaries in which he created the soundtrack. Much of this newer music has a retro “synthwave” vibe to it, a vibe that also pokes its head out on Gratte-cité and not in a small way. (BTW, since I mentioned “synthwave”, the fact that there is even an element of it on this release really adds to its appeal when it’s mixed into the final mélange.)

Unfortunately, I can’t link you to any of the works on this album in their entirety but, like all empreintes DIGITALes releases, you can sample a healthy segment of each piece on their dedicated webpage. But, to really experience this album… a single listen straight through is the way to go. It’s long, about 76 minutes but, most good journeys are.

Gratte-cité (Cityscraper) can be looked at as the Acousmatic world’s version of a David Lean movie… it’s that big! Bouhalassa says:

In preparing the sonic materials for these pieces, I selected, like a DJ, what I liked out of my large collection of recordings, though in my case, these are recordings of city soundscapes. I then imagined a fantasy, where a gigantic vinyl record’s grooves are replaced by the jagged outline of skyscrapers, and I, a giant, drop an impossibly-large needle and begin to ‘play’ the city.

The first piece, The Lighthouse kicks things off in an ominous fashion. Horse hooves on cobblestone streets, old-timey music, faint human presence, and movement of sound to and fro from within the headspace all mingle with an unsettling drone. It all comes together to form a darkened city street, a place in the old world perhaps. The movement, the sound gestures all point claustrophobically inward… until they don’t! Enter the electronic beats… and enter they do in a grand, chest-thumping peacock strut that made me smile.

I remember on my first listen to this album not too long ago I didn’t smile. I was so taken aback by this overt display of “techno dance music” that so rudely interrupted my perfect symbiosis of loudspeaker / brain-infused dreaming I may have audibly uttered, “What is this shit”. But, as my full disclosure above intimates… I now have arrived at the realization of how bloody brilliant this move was. These rhythm blasts, both electronic and human-made (courtesy of Christian Olsen) are surgically dropped in at strategic places for what seems like the sole purpose to disrupt.

Disrupt? Yes, but disrupt what. Surely the answer to that will have as many different responses as there are listeners. One thing for sure though, these events create drama… and drama in Acousmatic music is or should be a prime goal.

The beats, which I now consider so important to this album are scattered across its entirety. They appear, they disrupt, they vanish… never wearing out their welcome, and they are beautiful!

The centerpiece of this album is the 34-minute Urban Cuts, a crazy patchwork of places, times, visions, and emotions. This is the piece that best demonstrates what he means by “playing the city”.

Bouhalassa “plays” three cities, Montréal, Las Vegas, and Berlin. The piece has no natural separation between places, but the listener can determine the change of locale by the natural, organic vibe change from what preceded it. Montréal and Berlin both display their urban plumage, moving from frenetic to serene, dark to light in a blink of an eye. It’s the Las Vegas middle section though that is the most compelling for me.

Bouhalassa achieves an extremely accurate sonic representation of the mystical solitude of desert life in stark contrast to the hedonistic frenzy of a casino. That being said, it’s possible for the listener to be transported to any number of places depending on… the listener. In the middle of this lengthy segment, the poet Fortner Anderson infuses the soundscape with lines from his poem, Vegas. His delivery is cold, with a sense of pathos, tension, and dread… doing an excellent job augmenting the already vivid pictures in this sonic epic.

This piece, as in all the others has the beats as well as a “just under the surface” bed of long tone, shifting, electronic, and futuristic synthwave layers. The addition of well-placed cello (by Delphine Measroch) is a nice touch as well. If Vangelis didn’t do such a great job with the soundtrack to Blade Runner, Urban Cuts would be a very able substitute.

The 16-minute mOrpheus also begins in a very 80’s synthwave fashion but eventually dissolves into a lonely, deserted sound world with some sparse, sustained Piano chords. The ear traveler is then ported over to a robotic, Kraftwerk-ish place for further examinations by whatever manner of nefarious beings who created this cold, sterile place. Outside there is panic and chaos but here, in this place… there is nothing but the warm, secure feeling of skin against the stainless-steel table on which you lie on. This piece has less of the organic natural world, with the synthetic sucking up all the atmosphere. Of course, your mileage will vary based on your own David Lean epic.

Unlike mOrpheus, Impulse, at 14 minutes begins with, what I consider… classic Acousmatic sound. This would fit well in the Francis Dhomont, Beatriz Ferreyra, or Denis Dufour zone. Sounds moving through space leaving the mind just enough time to get a fix on them before they are gone. More beats of the drum ’n’ bass variety eventually do kick in but don’t last long… giving way to all sorts of non-rhythmic, synthetic as well as organic atmospheres. With this in mind, Impulse may be the most evocative piece on the album, leaving the mind free to spin whatever image(s) it can generate.

The final piece, Songe errant is the shortest, at just under 6 minutes. Beats and synths cavort in a synthetic playground until night falls and the natural sound of “the world” takes over, and all is well.

The empreintes DIGITALes label has an extremely deep roster of great releases and I hope to be a bit more consistent in my coverage moving forward. Bouhalassa’s Gratte-cité is a very worthy addition to a long lineage of unique, adventurous sound explorers and comes VERY highly recommended. I should mention that you can grab a high-res download off the electrocd site. It was this format that I based this write-up on. Additionally, the physical product is available as a DVD-Audio with advanced resolution and 5.1 surround sound. I have this and, do I even need to say how incredible it sounds? This is a great release from the label’s back catalog!

… a very worthy addition to a long lineage of unique, adventurous sound explorers and comes VERY highly recommended.

Review

Arian Bagheri Pour Fallah, Computer Music Journal, no. 44:2/3, June 1, 2020
Saturday, June 4, 2022 Press

Slavers Throwing overboard the Dead and Dying, Typhoon coming on, better known as The Slave Ship (1840), is among Joseph Mallord William Turner’s finest paintings, and one of the most recognizable visual artworks of the romantic movement. Fused with the painting L’étoile noire (1957), by the founder of les automatistes Paul-Émile Borduas, it greets listeners of Annette Vande Gorne’s latest acousmatic venture, Illusion, in the form of Luc Beauchemin’s cover art, Seule issue (2020). The level of intertextuality is broad. Beauchemin’s title hints at necessity. The cover art’s contrasting frames of references, too, provide an air of calamity. It is difficult — one may say impossible — to free one image from the other, or to brush aside the many implications of these whispers, these overtones in the context of here and now, in the wake of the COVID-19 pandemic, but also the ethical, as well as economic, state of the world today. In spite of a seemingly absent narrative, these specters endure, however, throughout Illusion, at times by virtue of the omnipotence of sounds, and at others, through the performer’s material and gestural presence.

Déluges et autres péripéties (2014–2015), the most recent endeavor on this album, operates from a singular, base leitmotif: “We await destruction.” Replacing the ambiguity of the image with the certainty of the word, Vande Gorne chooses to walk in the glinting footsteps of poet Werner Lambersy, whose voice is one of the three used in the piece. Least subject to the manipulations pertinent to musique concrète, Lambersy’s voice is used mainly to wend an otherwise umbrous or disquieting narrative. It is spoken using a narrator’s voice, akin to Jean Négroni’s role in Apocalypse de Jean by Pierre Henry. The piece is, in form, an art song. With a length of half an hour, its effectiveness depends on the listener’s willingness to follow along. For it is punishing throughout, singular in this respect in Vande Gorne’s repertoire, at times more threatening in character than the album Impalpables while matching, if not exceeding, the fervor of the opera Yawar Fiesta.

Vande Gorne’s implacable art song is a far cry from Turner’s gracious, albeit troubling, landscape. Where Turner transfigures, Vande Gorne echoes the dread, supporting a horrific poem, in her own words, “with horrific sounds.” Not only is the piece texturally and emotionally unrelenting, the implementation of the voice in reverse can only be described as miasmic, rendering it vicious in ways contradicting contemporary acousmatic aesthetics. In this respect, the vicious narrative has few parallels in the greater electroacoustic repertoire, among them, Michel Chion’s Sanctus, from his early work, and the mass Requiem (1973), an equally demented endeavor “rich in extended vocal experiments and, most of all, spoken words.”

Yet, does this bring the piece closer to Borduas and les automatistes? The art song is dedicated to Francis Dhomont, whose rapport with spoken words is exemplary within the broader acousmatic tradition. As per the majority of acousmatic works, it makes use of the fixed medium, and is designed for a 16-channel setup. This places it well away from the inclinations of les automatistes. Declarations such as “It seemed as if our future were set in stone,” from the scandalous 1948 manifesto, Refus global, for which Borduas and les automatistes are most remembered, here are not points of departure for unrest but very much Vande Gorne’s aspirations. For her as a composer, fixity remains both an aesthetic and an ontological necessity. Hers is, in other words, neither a romantic, but, even more prominently, nor a revolutionary concern. In her own words: “I do not have a romantic vision of art” (CMJ 36(1):10–22). The automatic and the improvisatory are, in her view, contrasted with architecture and organization — with mastery over one’s time. This is what she also shares with Chion. His notion of sons fixés [fixed sounds] Vande Gorne deems to be “correct,” in relation to fixing time. Having said that, it may be useful to question the nature of this “mastery” over time.

Today, acousmatic music remains part medium and part listening strategy. In the first instance, it involves fixed media, with scattered examples of hybrid (live with fixed elements) media, which often incorporate small groups or individual performers. It is also as a fixed media that notions such as sons fixés find immediate meaning. In other words, the further one moves away from fixed into hybrid media, notions such as sons fixés become more difficult to follow. For one thing, the live instrument or electronics can disallow any immediate control outside that of the performer. Hence, the implicit decision of most composers in the acousmatic tradition to produce works more often in the former category. With regard to listening strategies, it is fair to say that many listeners are unfamiliar with either reduced listening or spectromorphology. The select few who are familiar would struggle to find any reciprocity, strictly speaking, between the listening strategies and the notion of fixed sounds. So, does this “mastery” point to anything except an aesthetic proclivity?

The two iterations of the third and last piece included in Illusion, Faisceaux, are concluded respectively, in fixed and hybrid media. Whereas the former is designed for fixed stereo medium, the latter is accompanied with a pianist. Within the acousmatic tradition, collaborative works, regardless of the nature of the collaborations, rank among the strongest. For example, Gilles Gobeil’s best works, including his individual recordings, are those involving composer-performer René Lussier. Simon Emmerson’s duets with Lol Coxhill outrival the composer’s “fixed” works. Barry Schrader’s recent collaboration with Wadada Leo Smith has not only exposed his works, for the first time, to a wider audience, it is furthermore aesthetically varied in ways that are not true of his earlier output. The list goes on. And the hybrid variant of Faisceaux is no exception. Albeit suffering from what has already been discussed regarding hybrid media — namely, that the fixed sounds are accompanied with a narrow number of instruments or performers (in this case, one pianist) — the hybrid rendition is one of the most commanding works included in Illusion.

It is evocative but also pulsating and alive. The performer’s presence is able to disrupt, even if briefly, the moribund, idealistic narrative evoked by the fixed component. It is a refreshing take, compared with similar ventures of Vande Gorne into evocative sound worlds, such as Terre (1991) or the included fixed-medium variant, and although using instrumentation that is as of now depleted by composers time and again, it manages to stand out in a selection dominated by fixed media. What is evident, from Faisceaux but also the other examples noted above, is that the alleged mastery over time is, more than anything, an aesthetic qualifier. Although it is true to some degree that a narrative temporally fixed also allows the composer to have more immediate control over the output, this is by and large incidental and furthermore subordinate to the primary function of the fixed medium, which is to predefine the work aesthetically.

Finally, it is the spirit of Arsène Souffriau that roams Illusion. The album’s opener, Au-delà du réel, with which I find apropos to close this review, is dedicated to the enigmatic composer. Obliquely reminiscent of Vande Gorne’s own Métal (1983), the piece pyramids percussive and instrumental resonance into hypnotic spectra, while conniving at performative gestures. Compared with the former, its use of spectral mobility, pronounced by oscillations and rotations primarily, is much more vivid, thereby evolving faster with a magnetizing effect on the listener. As per the other dedications on Illusion, it is a material, not a merely symbolic celebration. The piece utlizes soundobjects from a rare collection gathered by Souffriau, catalogued according to materials, ranges, and frequencies.

It is as if instruments become doorways to the tenebrous. His self-described “instrumental” piece, Incantation (N’sien ufo d’ra) (1981), for ondes Martenot, tcheng, and three percussionists, albeit with a modus operandi different from that of Vande Gorne, in which both a score and performers are present, achieves analogous aesthetic results. The piece’s backstory is also one that pertains to the discussion on composer and performer reciprocity in the acousmatic strand. Allegedly, another version was intended by the composer but was never realized, due to the performers’ unwillingness to learn “the unusual notation of the score.” Vande Gorne may not be a romantic, yet the acousmatic tradition with which she identifies has always been prone to idealism. Acousmatic music, which, rather interestingly, positioned itself in contrast to concert-hall music, appears all the more today to suffer from the same set of predicaments besetting musique spectrale, once openly described by Grisey also as an aesthetic. And this is Illusion’s weakness as well as source of its partial strength. Acousmatic music, as aesthetic, is recognizable strictly due to the fixity of vision shared by its practitioners, and in that also, it cannot proceed forward unless opening up the creative space for performers, stressing reciprocity and collaboration.

… at times by virtue of the omnipotence of sounds, and at others, through the performer’s material and gestural presence.

Entrevues

Éric Dumais, Bible urbaine, May 6, 2022
Saturday, May 7, 2022 Press

Pierre-Luc Lecours et Huizi Wang vous convient à une expérience unique avec Chroma le 14 mai lors de «Temporel 2022». Préparez-vous à vivre un voyage musical à la fois visuel, auditif et émotionnel!

Ce mois-ci, l’événement Temporel présenté par Codes d’accès est de retour pour deux soirées consécutives, sous le signe de la musique de création! Avec une programmation musicale des plus contemporaines, ce sont la diversité des pratiques du milieu et la créativité sans limites des artistes émergent.e.s qui sont mises en lumière. Pour l’occasion, nous avons échangé avec le compositeur Pierre-Luc Lecours et l’une des interprètes de son cycle Chroma (2022), présenté lors du second volet à l’Ausgang Plaza, le 14 mai dès 20 h.

BU: Pierre-Luc et Huizi, quel plaisir d’échanger avec vous! Pourriez-vous nous raconter quand et dans quel contexte vous avez chacun découvert votre passion pour la musique, et comment vous avez nourri celle-ci au fil des ans?

P-L. «Très jeune! Ça a commencé lorsque j’étais enfant. Je pouvais écouter mes disques compacts en boucle pendant des heures. J’ai ensuite appris à jouer de la guitare et, très vite, j’ai commencé à composer. Cette passion a adopté différentes formes au fil des ans, allant de groupes rock à des projets de musique électronique ou contemporaine.»

H. «Pour ma part, j’ai commencé à jouer de la percussion il y a dix ans, en France. Étant pianiste depuis mon enfance, j’ai de suite redécouvert ma passion envers les instruments percussifs. En tant que percussionniste pratiquante, j’ai développé un sentiment particulier vis-à-vis de la musique contemporaine. En participant à ce genre de projet avec Pierre Luc, ma passion pour la percussion ne fait que croître chaque jour.»

BU: Comment décririez-vous votre approche musicale, ainsi que votre rapport à la création et/ou à l’interprétation? On aimerait bien que vous nous donniez un petit aperçu de votre signature artistique, en somme!

P-L. «En création, j’aime travailler en deux temps. J’aborde avant tout une idée ou un concept, qui n’est pas nécessairement musical, mais qui m’intéresse. Cette étape peut prendre des mois (voire des années dans certains cas). Ensuite, au moment de la création du projet, je cherche le meilleur chemin pour incarner cette idée en pigeant dans une multitude d’univers musicaux et artistiques qui m’inspirent. Ça donne des œuvres qui sont parfois assez différentes entre elles, mais qui sont traversées par l’idée ou le concept générateur du projet.»

H. «De mon côté, en poursuivant mes recherches de doctorat sur une fusion de la philosophie taoïste avec la gestuelle des arts de la percussion, j’ai découvert que le plus important, selon moi, c’est de jouer de la belle musique de la façon la plus naturelle possible. Suivre son propre flow et mettre de l’humanité (les gestuelles dans le spectacle et la vision sur la musique, mais aussi l’interaction entre le compositeur et les musiciens se reflètent dans cette pensée), et ce, avant la musique, restent des principes qui me sont chers.»

BU: Pourriez-vous nous glisser quelques mots au sujet de l’édition 2022 de Temporel présentée par Codes d’accès, et à laquelle vous prendrez part le 14 mai prochain au Ausgang Plaza?

P-L. «Événement phare de l’organisme Codes d’accès, le public aura l’opportunité de côtoyer des propositions contemporaines assez jeunes et nouvelles. Cette soirée sera l’occasion, pour moi, de présenter pour la première fois le cycle Chroma dans son entièreté, et je serai accompagné par les musiciennes ayant participé à la création des pièces.»

H. «Cette série Chroma, composée par Pierre-Luc, m’a grandement inspiré dans mon cheminement artistique, et j’ai eu énormément de plaisir à interpréter la partie de percussion pour ce concert. Pierre-Luc et moi avons la chance de collaborer depuis de nombreuses années déjà et nous avons toujours eu un lien musical spécial qui nous facilite la compréhension l’un de l’autre.»

«Ses concepts musicaux me conviennent naturellement; sa philosophie et sa vision de la musique m’ont énormément inspiré dans la poursuite de mes recherches, mais aussi dans ma façon d’interpréter d’autres œuvres musicales.»

BU: Lors de cette soirée, la musique contemporaine et la création musicale à saveur locale et novatrice seront mises à l’honneur! Les spectateurs pourront y découvrir une œuvre créée par Pierre-Luc pour trois instruments amplifiés, électronique et vidéo intitulée Chroma, dont l’interprétation (flûtes, percussions, violoncelles et objets amplifiés) sera assurée par Huizi, Julie Delisle et Émilie Girard-Charest. Pourriez-vous nous parler de cette pièce que vous allez présenter ensemble, ainsi que des processus de création et d’exploration interprétative qui vous ont menés à la réalisation de celle-ci?

P-L. «Les pièces du concert Chroma découlent du cycle Éclats, constitué de quatre pièces électroacoustiques où instruments acoustiques, synthèse sonore, enregistrements de paysages sonores et objets du quotidien sont mis en relation. Ces pièces ont fait l’objet d’une parution sur disque avec l’étiquette Empreintes DIGITALes en 2021. Le contenu musical de chaque pièce s’inspire librement de la couleur qui lui est associée (noir, violet, rouge et blanc) et s’est nourri d’échanges créatifs qui ont eu lieu avec les musiciennes lors des sessions d’enregistrement et pendant les répétitions.»

«L’apport des musiciennes dans l’interprétation est très important, puisque les partitions alternent entre des indications précises et d’autres, plus libres. C’est-à-dire qu’il y a certains passages qui sonnent de manière similaire à chaque interprétation et d’autres assez différentes.»

H. «Dans la partie de percussion, le rôle de la caisse claire, de la grosse claire et des timbales est essentiel vis-à-vis de la partie rythmique. Dans un second temps, la partie de vibraphone et du bol tibétain amène un contraste en présentant un aspect de la percussion plus méditatif.»

«J’ai réalisé la partie Éclats | Violet en 2018 en tant que pièce solo de percussion, toujours en collaborant avec Pierre-Luc, dans le cadre de l’Ensemble de musique contemporaine de l’Université de Montréal. Nous avons reçu énormément de compliments suite à ce spectacle. C’est pour cette raison que, lorsque Pierre-Luc m’a proposé de participer à la série Chroma, j’ai tout de suite été très partante à l’idée de collaborer avec deux autres extraordinaires musiciennes: Julie et Émilie!»

«Je suis certaine que nous allons vivre une aventure originale et spéciale tous ensemble à travers l’accomplissement de ce projet.»

BU: Et alors, en quoi consiste la conception vidéo «audioréactive» qui accompagne la musique, et comment son utilisation vient-elle soutenir la mise en scène du spectacle?

P-L. «Pour ce concert, j’ai abordé la création de la vidéo pour qu’elle serve de moteur de lecture à la musique, en accentuant certains aspects musicaux ou en devenant une voix complémentaire. Les projections vidéo sont en partie audioréactives et synchronisées avec le contenu musical. Le terme “audioréactif” fait référence à la connexion entre le son, ce qui est joué par nous, et certains paramètres du contenu vidéo. Le son vient donc contrôler certains aspects de ce que l’on voit. Devenant une métaphore du contenu énergétique et du mouvement de la musique, la vidéo est liée aux couleurs de chaque pièce et elle est esthétiquement inspirée par le travail d’abstraction pictural des peintres expressionnistes abstraits – Jean Paul Riopelle, Jackson Pollock et Paul-Émile Borduas, pour ne nommer que ceux-là.»

H. «La partie vidéo est indispensable quant à la réalisation artistique de ce projet. Selon moi, la musique contemporaine aujourd’hui fait non seulement appel à la production sonore, mais aussi à l’aspect visuel. Une fois mis ensemble, les deux jouent un rôle primordial et facilitent le partage et la présentation de la philosophie du compositeur et de l’interprète au public.»

BU: Quelles émotions et/ou réflexions espérez-vous susciter chez ceux qui assisteront à Temporel? En fait, on aimerait que vous nous décriviez l’expérience que vous souhaitez leur faire vivre, que ce soit du point de vue du compositeur ou de l’interprète!

P-L. «Je crois que chaque personne dans le public vivra une expérience assez unique de Chroma. Je crois que c’est le genre d’œuvre qui offre un contenant dans lequel on y met notre sensibilité, et qui fait vivre un voyage propre à chacun. C’est un projet qui évoque, par l’abstraction visuelle et sonore, beaucoup d’états et d’ambiances émotives différentes.»

H. «En tant qu’interprète, mon objectif principal reste que le public puisse recevoir de la façon la plus transparente possible l’idéologie du compositeur. J’essaie de transmettre sur scène chaque information que Pierre-Luc a écrite sur la partition, et je lui donne mon entière confiance pour une excellente expérience du public.»

«De plus, j’espère que les auditeurs pourront voyager avec nous de façon visuelle, auditive et surtout émotionnelle. Mon but premier reste donc de transporter et de faire voyager le public par mon interprétation authentique de la musique de Pierre-Luc.»

BU: À quelques jours de l’événement, comment vous sentez-vous à l’idée de monter sur scène et de partager ce moment avec le public?

P-L. «J’ai personnellement très hâte! J’ai la chance de travailler avec des musiciennes exceptionnelles, ce qui permet de vraiment bien travailler la musique.»

H. «Je me sens très heureuse de pouvoir partager ma musique avec le public, surtout avec un projet d’une telle ampleur. Je ne peux qu’être impatiente d’avoir bientôt la chance de partager la scène avec mes deux autres collègues et le compositeur.»

«Mon plus grand souhait, c’est que ce projet puisse continuer et perdurer pour de nombreuses années, et que dans le futur nous puissions toucher un public encore plus vaste.»

BU: À court ou moyen terme, quels sont vos prochains projets artistiques? On est bien curieux de découvrir sur quoi vous planchez, ces temps-ci… si ce n’est pas un secret d’État, bien sûr!

P-L. «Quelques jours après l’événement Temporel, j’aurai deux pièces pour instruments solos qui seront jouées dans le cadre du Festival Unisson à la Salle Bourgie par Roxanne Sicard et Bruno Gauthier-Bellerose. Le concept du festival est assez intéressant; chaque interprète ne joue que pour une personne à la fois un programme d’une quinzaine de minutes. Une expérience assez unique.»

«Je serai aussi en création pour un album de musique une bonne partie de l’été avec Ida Toninato pour la suite de notre projet Inner Seas. Aussi, beaucoup de date à venir à l’automne pour ce projet.»

H. «Pour l’instant, ma suite artistique reste encore à déterminer de façon plus précise. Cependant, j’envisage de participer à bon nombre de projets comme celui-ci, qui met en valeur la percussion en lui donnant un rôle plus important. J’aimerais faire découvrir l’art de la percussion à un public encore plus grand, et j’estime qu’en tant que percussionniste, il est de mon devoir de partager mon art et ma philosophie de la musique.»

Préparez-vous à vivre un voyage musical à la fois visuel, auditif et émotionnel!

Kritiek

RVP, Gonzo Circus, no. 168, March 1, 2022
Wednesday, March 16, 2022 Press

Evocative, but also well thought out and elaborated.