Premier volet d’un diptyque intitulé Cycle des profondeurs, Sous le regard d’un soleil noir était déjà paru sur vinyle en 1982. Il s’agit une réédition importante pour l’art acousmatique. Ce «mélodrame» de Francis Dhomont, un des pionniers de l’électroacoustique, s’inspire d’une réflexion sur la schizophrénie. Réflexion au sens premier, donc action de l’esprit qui examine et approfondit ses pensées. Chez Dhomont, cette réflexion est d’abord et avant tout artistique, puisque l’exploration de la citadelle intérieure du schizophrène par le compositeur produit une œuvre qui se justifie principalement par sa grande qualité musicale. Il s’agit bien d’une mise en musique, mais, plutôt que le texte, qui est utilisé ici à bon escient, c’est l’état du schizophrène qui est évoqué par les sons. Ce tour de force incroyable, ce défi artistique que s’est imposé Dhomont, est relevé avec un art d’une finesse et d’une force troublantes. Les sons créés par le compositeur réussissent bel et bien à nous faire approcher de cet univers cauchemardesque qu’en d’autres circonstances nous cherchons à fuir. Comme quoi l’art jette parfois des ponts entre nous et ce que nous n’osons pas voir. Une grande œuvre musicale.

AVIS: Le texte reproduit ici est extrait du site de Voir et est protégé par la Loi sur le droit d’auteur du Canada. © Communications Voir Inc, 1997

Jon Appleton has been composing and constructing electronic music since the early ’60s, and a professor at Dartmouth for nearly as long. This career retrospective begins in 1966, with a few abstract tape pieces typical of the period (layered machine sounds, Moog cascades punctuated by sharp points). But he quickly turned a humorist’s ear to the world of sound — his Chef d’œuvre mixes amplified and distorted cooking noises with the overlapping, stretched and pinched voices of the Andrews Sisters singing a Chef Boy-Ar-Dee commercial. Times Square Times Ten peruses the elaborate soundscape of the New York landmark, then messes with it: sidewalks seemingly breathe and twist, subway and truck rumbles become overpowering, the whole area becomes taken over by a giant wind chime, then by elfin voices from a wax cylinder. Other highlights include a piece for altered voices that ends up sounding remarkably similar to Native American chanting, but disorientingly not quite, and two pieces made from responses people in airports gave to the question “What do you think of this new electronic music?” — made, respectively, in 1969 and 1996.

[…] Far more engaging was Paul Dolden’s The Gravity of Silence. Resonance #5, for flute and piccolo (both excellently played by Chenoa Anderson) accompanied by taped sounds. The Gravity of Silence. Resonance #5 turned out to be a volte-face for the typically irascible Dolden — it sounded as though he was having fun sending up classical showpiece clichés. This tonal and melodious music is a long way from the noisy, chaotic territory his music usually explores.

Chose promise… Voici donc la deuxième partie de ce fabuleux mélodrame de Francis Dhomont Cette fois c’est par la porte des contes de fées, de Grimm notamment, que l’imagination créatrice de Dhomont vient nous déranger et nous enrichir.

Il s’agit de la troisième version que le compositeur livre de son œuvre, lui qui, comme Boileau, cent fois sur le métier… La musique y est plus prégnante que dans la première partie du cycle. On pourrait lancer l’hypothèse que le compositeur s’est plus servi de la parole comme moteur dans la première partie du cycle (Sous le regard d’un soleil noir), territoire des adultes, et qu’il a plus besoin d’enrobage sonore pour aborder le monde de l’enfance, plus fugitif et plus intuitif. Le discours de deuxième niveau est donc plus utilisé.

S’inspirant fortement des travaux de Bruno Bettelheim sur les contes pour enfants, de manière un peu trop soulignée en un certain passage, Dhomont tente d’allier discours fantastique et séduisant (on pense parfois à des trames sonores d’Hollywood) à celui plus exigeant de la confrontation avec des utilisations acousmatiques pures et dures (la «fureur humaine»). Le résultat est fascinant. Comme par exemple, dans le début de la troisième partie où la trame narrative est claire et efficace. Des sons «bizarres» et tout à coup une chaude voix de femme qui dit «Ce n’est rien» et plus loin: «Qu’est-ce qui se passe?».

Oui, il faut vraiment écouter cela comme un conte de fées. Francis Dhomont se révèle ici un formidable conteur. Et même les enfants embarquent dans son périple, y comprenant bien ce qu’ils peuvent, comme nous d’ailleurs.

On oublie la technique tant tout cela est fait avec l’inéluctabilité de la vérité qui se dévoile. Je parle ici aussi bien de la réalisation sonore et de la mise en bande (équivalent à l’écriture de la partition pour Dhomont) que de la structure du propos. Un mélodrame, c’est avant tout du théâtre, et Dhomont se montre dramaturge trés original et sûr. Sitôt qu’on pense que la pièce va tourner en rond, arrive une clé — sons synthétiques, parole, sons familiers, Scènes d’enfants de Schumann, bruits connus — qui nous ouvre une nouvelle porte de perception et de compréhension. Encore une fois, Dhomont joue du Labyrinthe en véritable Dédale: il conçoit un édifice dans lequel on pénètre sans savoir comment on en sortira, chacun à sa manière.

C’est donc la partie forte du cycle qui se clôt ici. On a l’impression qu’on ne saurait applaudir: on est tellement pris par cette musique, que quand se fait le silence, on le cultive afin de mieux se pénétrer de ce qui pourrait bien être en passe de devenir une des réussites acousmatiques les plus grandes de cette fin de siècle.

Miam! Les initiatives intelligentes, moi j’aime. Et voilà en plein ce que nous offre la maison québécoise empreintes DIGITALes, seule en Amérique à se spécialiser dans les musiques électroacoustiques. Montréal n’est-elle pas d’ailleurs la capitale nord-américaine du genre? Voici 10 nouveautés et trois rééditions, albums dont nous vous parlerons avec plaisir au fil de l’année. Collection convoitable et le grand privilège de pouvoir s’offrir les albums un à un, de choisir exclusivement qui on aime sans se farcir un onéreux coffret.

À tout seigneur tout honneur, il faut me semble-t-il saluer dès le départ les musiques du montréalais Francis Dhomont. Sous le regard d’un soleil noir et Forêt profonde étaient sans conteste au nombre des rééditions qui s’imposaient (Le cycle des profondeurs, 1982). Ici présenté en dyptique, sous un emballage absolument délicieux et généreux, Sous le regard d’un soleil noir, notamment, nous amène dans des profondeurs de la quête humaine qui parfois fait un peu peur et ailleurs transcendent toutes inepties. Facile d’écoute? Oui et non, comme toute grande musique électroacoustique. Il faut dans un premier temps oser se laisser prendre au langage sans nécessairement chercher à le décoder, puis, se risquer dans l’attrait d’une esthétique différente. C’est ca l’art, il en appelle à l’artiste, il en appelle parfois aussi à qui le reçoit. Réflexion psychanalytique, une quête terrible face au sens de l’existence. Osez pour voir et vous verrez que cette «non musique», comme disent les méchants, est de loin plus musicale qu’on peut le prétendre à la première écoute.

This disc crept up on me. During the first couple of listens, I took little notice. The music made no impression. But with a few more tries, this disc grew more and more compelling. I now find it nearly indispensable and among the best acousmatic music I have heard. Patrick Ascione’s style is acousmatic and in the same family as that of Francis Dhomont and Michel Chion. Perhaps my earlier disinterest was due to the distracted way I now listen to most music. I almost never make time to lie still and listen. I have lost touch with my old habit of meditative listening, the type of listening this music deserves.

The three compositions on this disc each last twenty minutes and longer. Lune noire starts mechanically but sensually. Despite their metallic quality, the timbres sound voice-like. Sur champ d’azur is a panoramic landscape, painted not photographed, a rendition rather than a document. Its range is vast. Valeurs d’ombre finishes the disc in a more sombre, sweeping mood. It is a beautiful piece. However, it ends too abruptly with no feeling of cadence.

Mr. Ascione describes his approach to composition as painterly. He juxtaposes sonic colours as an abstract expressionist would juxtapose coloured pigments. Like an acousmatic Jackson Pollock, he composes massive, intricate textures on a wall-sized canvas. In space, time, and in orchestration, the music is huge and richly complex. Two speakers constrict these three works. They stubbornly demand a concert hall, multiple channels, and darkness. To fake a deeper space, I recently listened to the disc over headphones, but with the sound also coming out over stereo speakers. Then the higher frequencies flew about my head while the bass notes resonated from farther away. This arrangement gave me a better sense of the musical space of these compositions.

The packaging by empreintes DIGITALes is, as usual, complete and attractive.