Electroacoustic music is an acquired taste. Like it or not, radio and television have conditioned us from an early age into accepting some musical (tonal and rhythmical) molds as being “normal.” Therefore, electroacoustics, along with other sound-based (in opposition to note-based) forms of musical expression like free improvisation, is perceived as being “abnormal.” That’s why a first exposure to this kind of music often turns into a memorable experience — for better or worse. Many factors come into play, but choosing an album that offers an adequate (i.e. friendly and gentle) introduction to the genre will greatly help in letting the initial esthetic shock turn into an experience of Beauty and mark the beginning of a new adventure in sound.

My goal with this sound path is simply to point out a few titles that I think have the potential to encourage instead of discourage, titles opening a door to a new musical dimension. Of course, this selection can only be subjective. But it might be helpful to new enthusiasts and to aficionados looking for gift ideas that would spread good music around. After all, Christmas is only a few weeks away!

Bridges

We usually develop new interests from existing interests. What I mean is: we explore music genres that are new to us because a related interest brought us there. That’s why when it comes to electroacoustic music, mixed works (for tape and instrument) or works related to specific topics are often the best place to find a bridge that will gently lead the listener into the new territory. For example, people who enjoy reading travel literature will find in Kristoff K.Roll’s Corazón Road the sublimated narrative of a journey through Central America. Those still young enough to enjoy fairy tales (I’m one of them) will find in Francis Dhomont’s Forêt profonde an in-depth reflection on this literary genre as inspired by the works of psychoanalyst Bruno Bettelheim, in the form of a captivating work with multiple narratives (in many languages) and electroacoustic music of a great evocative strength. Lighter and more fanciful, Libellune by Roxanne Turcotte finds its source in childlike imagination and is in part aimed at children without over-simplifying its artistic process.

Guitar fans can turn to Parr(A)cousmatique, a wonderful project for which classical guitarist Arturo Parra co-wrote pieces with some of Quebec’s best electroacoustic composers: Stéphane Roy, Francis Dhomont (Quebecer at heart, at the very least), Robert Normandeau, and Gilles Gobeil. The latter has just released an album-long piece, Le contrat, written with and featuring avant-garde guitarist René Lussier. Lussier’s followers and people interested in Goethe’s play Faust (and its rich heritage) will find here an essential point of convergence, another bridge.

Essential listens

Those who want to explore further will probably want to venture into more abstract electroacoustic art. I recommend starting with the Quebec composers. Chauvinism? No way. It’s just that the music of composers like Dhomont, Normandeau, Gobeil, Yves Daoust, or Yves Beaupré seems to me to be more accessible than the music of British or French composers. It is more immediate, has a stronger impact (Gobeil, usually hitting hard), a more pleasant form of lyricism (Daoust, Beaupré), more welcoming architectures and themes (Dhomont, Normandeau). If you need places to start, try Normandeau’s Figures, Gobeil’s La mécanique des ruptures, Dhomont’s Cycle du son, and Beaupré’s Humeur de facteur.

That being said, there are hours upon hours of beauty and fascination to be found in the works of Michel Chion (his powerful Requiem), Bernard Parmegiani (La création du monde), Jonty Harrsison (Articles indéfinis), Denis Smalley (Sources/Scènes), and Natasha Barrett (Isostasie), but they may seem more difficult or thankless on first listen. And for those interested in where these music come from, the EMF label offers L’œuvre musicale, the complete works of Pierre Schaeffer, the father of musique concrète and grandfather of electroacoustics.

Tiny ideas

A compilation album has the advantage of offering a large selection of artists and esthetics in a small, affordable format. Available at a budget price, eXcitations proposes a strong sampler of the productions on the label empreintes DIGITALes. The albums Electro clips and Miniatures concrètes, along with the brand new volume of the DISContact! series, cull short pieces (often under three minutes) to trigger interrogations and discoveries in those with a short attention span.

And finally, for those of you who want to take their time and explore in short steps, the Cinéma pour l’oreille collection produced by the French label Métamkine contains many wonderful 3” CDs, 20 minutes in duration each, for a reduced price. The catalog includes titles by renown composers such as Michel Chion, Lionel Marchetti, Michèle Bokanowski, Bernhard Günter, and Éliane Radigue. These tiny albums are perfect for gift exchanges.

Of course, all of the above are only recommendations. The best sound path to discovery is the one you follow by yourself, little by little.

Best listens!

Translated from French.

Para cierto sector de la musicología, en la obra de Pierre Boulez convergen tanto los signos propios de la Vanguardia como los inherentes a estéticas más recientes. En el esplendor de Darmstadt, la obra considerada unánimemente faro de las nuevas preocupaciones de lenguaje fue Le marteau sans maître de Boulez. Ahora, en plena crisis del modernismo, Jean-Jacques Nattiez ve en el Répons de Boulez el mayor logro musical contemporáneo. En su ensayo Boulez à l’âge postmoderne: le temps de Répons, Nattiez efectúa una pertinente distinción entre modernismo y postmodernismo: “El modernismo musical, el que se da en la época de postguerra, significa la búsqueda inicial de un sistema con vocación universal, siempre ávido de lo nuevo. Ahora, los músicos postmodernos favorecen la multiplicidad de estilos, el rechazo de la idea de progreso a favor de una música no experimental, inmediata y comprensible”. Paul Griffiths, en Modern Music and After, reniega de la pluralidad de estilos y la diseminación del postmodernismo: “Desde los años 80 domina un estilo de imitación, se relajan los materiales y la necesidad de novedad se desvanece. Incluso, algunos autores e intérpretes se autopromocionan gracias a la grabación fonográfica”. Francis Dhomont es más rotundo: “El postmodernismo es impuro, permisivo, ecléctico, irónico, inmediato”.

En cuanto a su recepción, el modernismo profundiza en el divorcio con respecto al público, mientras que el postmodernismo intenta ganar el favor de los aficionados echando mano de estilos pretéritos. La Vanguardia manejaba la idea de que un día sus creaciones serían comprendidas; el postmodernismo, en cambio, confía en ser entendido inmediatamente. Nattiez elige Répons como modelo a seguir por los despistados postmodernistas (“Répons restaura el equilibrio entre los parámetros musicales. El timbre está integrado en una estructura melódico-rítmica a dos niveles: el de la gran forma y el del detalle sin que el segundo oscurezca al primero”). Griffiths, en cambio, no tiene reparos en señalar las debilidades que, evidentemente, lastran el discurso de Répons: pobreza del arsenal electroacústico, línea melódica liviana y rudimentaria y abuso de la métrica regular. Parece observarse en Boulez un intento desesperado por ser Stravinsky, adoptando una postura objetiva ante la obra y aplicando con frialdad un lenguaje poliestilista.

Coinciden estos musicólogos en negar a la Electroacústica toda posibilidad de alternativa válida. Ignorando que la base de esta propuesta descansa en la ESCUCHA y no en las notas, achacan a la obra electroacústica una sintaxis poco coherente, fundamentada únicamente en el uso del timbre: “¿Puede el objeto sonoro, con todas sus variantes morfológicas, constituir el material de base para la elaboración de una obra?”

2

La historia de la música en Occidente está estrechamente ligada a la de los instrumentos. El ejecutante ejerce un papel fundamental en la transmisión de las ideas del compositor. El problema surge cuando el excesivo culto al intérprete y al director de orquesta resta protagonismo a la obra y al autor: esa es la corriente dominante en los programas de conciertos. Desde que el músico deja de escribir exclusivamente para la gran orquesta a favor de plantillas instrumentales reducidas, el interés del público y los programadores hacia lo nuevo decae ostensiblemente: el lugar del Espectáculo -el escenario del Gran Auditorio- no admite a los pequeños conjuntos. Su armazón no se aviene con la estética de ese espacio, preparado sólo para acoger grandes fastos.

El dominio del instrumento se ha seguido dando en la producción musical del siglo XX. En este sentido, el rompimiento con el pasado sólo se da en términos de lenguaje. Los materiales que originan el sonido de la obra moderna siguen siendo los mismos que en el clasicismo. En 1948, Pierre Schaeffer descubre las posibilidades del material electrónico. Empieza ahí a cuestionarse el dominio del instrumento convencional. Nace la música concreta.

Aunque asumida por buena parte de compositores, hasta el punto de influir decididamente en la concepción tímbrica de muchas obras de corte orquestal, la electroacústica no ha sido acogida por los musicólogos con el mismo rango que la obra convencional. Nace aquí la paradoja de que la misma Modernidad discute el valor de un arsenal nuevo. Al seguir apegada al instrumento, cae la Modernidad en esa misma dependencia con respecto al intérprete que se critica en la música del clasicismo.

“La música concreta es todavía sospechosa” (Michel Chion).
En efecto, frente al reinado del instrumento, el material elaborado electrónicamente vive fuera de la historia, es aún calificado de “experimental”. El ruido es considerado un signo humilde, y a la hora de establecer alternativas a la crisis del Modernismo y encontrar nuevas soluciones estéticas en el cambio de siglo, la musicología se debate exclusivamente en territorios ocupados por la música instrumental: estéticas del pastiche, el juego de la memoria… Hay una resistencia a aceptar libremente las posibilidades expresivas de un material que es nuevo, más en razón de su escasa apreciación que por su verdadera naturaleza.

Frente a tantas obras actuales que llevan el lastre del pasado, se yergue exultante una pieza electroacústica compuesta en 1996 por Pierre Henry de valor excepcional, Intérieur/Extérieur, auténtico y extraordinario exponente de un lenguaje comprometido con nuestro tiempo (Philips la editó en Disco Compacto).

3

El Arte Acusmático, concebido como un arte sonoro basado en el mundo exterior y visible -concreto-, se vuelve abstracto en la escucha. Elaborado a partir de sonidos grabados, este arte sonoro no tiene memoria. Al oyente se le sustraen los elementos de recurrencia típicos del discurso convencional. El ruido es un signo humilde, no apto, por su propia naturaleza, para obtener los mismos resultados que logramos con el material instrumental: un ruido no es una nota. Y es ahí donde surge el problema de la recepción del arte sonoro en el público. A éste, educado en su mayoría en las -únicas- bellezas del concierto instrumental, y al que en nada le preocupa, cuando contempla una bella pintura, que ésta se haya elaborado con materiales humildes (serrín, tierra), la sola idea de que se pueda conseguir un bello sonido a partir de un pedazo de cartón o una puerta le choca enormemente. Como dice Michel Chion (El sonido / Paidós), el material sonoro de origen sigue considerándose, por lo general, como lo que ennoblece al sonido.

El maestro del Arte Acusmático es Francis Dhomont. Su obra fundamental la constituyen dos volúmenes: el Cycle de l’errance y el Cycle des profondeurs (discos IMED, distribuidos en España por Arsonal). Points de fuite, … mourir un peu y Espace / Escape forman un tríptico acusmático en el que, dice Dhomont, “intento expresar los símbolos y sensaciones que asociamos a la idea del viaje: la evasión, la fuga, la nostalgia, el espacio -el espacio imaginado y el de la ausencia-, pero también la errancia, los vagabundeos del ensueño, los trastornos que forjan el tejido mismo de la vida”. Es este un universo sonoro que penetra en la mente del receptor como un taladro. El genio de Dhomont consiste en actuar sobre el inconsciente. De sus sonidos (de una belleza inmarcesible), extraídos de lo cotidiano, obtenemos la escucha de lugares y sensaciones que agitan nuestros propios recuerdos, nos ponen en guardia. Luigi Nono la llamaría “música de la subversión”.

Mucho más devastador, el Cycle des profondeurs contiene dos melodramas acusmáticos: Sous le regard d’un soleil noir recrea textos de El yo dividido de R. D. Laing. Las observaciones anotadas por el analista se alternan con descripciones atormentadas de las experiencias de esquizofrénicos. La narrada en la 7ª sección, la de la joven con síntomas catatónicos, es espeluznante.

No menos perturbador, Forêt profonde adopta un tono dolorosamente naturalista en el tratamiento dramático de la voz. Viaje al subconsciente y sutil fábula en la que el bosque es el símbolo de nuestro errar cíclico por un sendero que conduce a lo impenetrable, a mundos secretos, Forêt acoge citas de cuentos de hadas y textos de Bruno Bettelheim.

Dhomont: “El empleo de recursos morfológicos, gracias a la alquimia del laboratorio, procura al autor acusmático un poder de sugestión e intervención sobre el texto original capaz de expresar el inconsciente inexpresable”.

Composed over a two year period, from 1994 to ’96, Francis Dhomont’s Forêt profonde constitutes the second part of a series of his works dubbed the Cycle des profondeurs, or “Cycle of Depths”, inspired by psychoanalytical thought, following on from Sous le regard d’un soleil noir (Beneath the Glare of a Black Sun) of 1979-81, ’83. (The world continues to await the arrival of a third part.)

Francis Dhomont himself describes his works as showing “an interest in morphological interplay and sense / sound ambiguities.” These preoccupations certainly come to the fore in this large-scale (58-minute) acousmatic melodrama, based on Bruno Bettelheim’s essay The Uses of Enchantment. The work is, in fact, a veritable masterpiece in the acousmatic idiom, using readings from academic texts, as well as fairy stories recounted by both children’s and adults’ voices in many languages, coupled with recognisable real-world sound recordings, all designed to invoke images from nightmares and from folk and fairytales. The whole is presented over a bed of processed and synthetic sound — at times little more than chaotic assemblages of noise — which is never anything but deeply penetrating and disturbing and yet profoundly engaging, for all that. As an added touch, tantalising threads from Robert Schumann’s Op. 15 Kinderscenen (Scenes from Childhood) are woven through the fabric of Forêt profonde. Some straight, some warped, the very incongruity of these additions adds greatly to the work’s twilit nether-world nature.

The half-understood texts combine with the sounds of rushing wind and water, forest birds and other creatures, as well as dense electronic sonorities, to make this disc a challenging musical experience, overall. Those listeners with the courage and fortitude to persevere, however, will be treated to a quite magical (and I use that word advisedly) and intoxicating “guided tour of the childhood soul,” which truly offers a chance to awaken the “magic intuition of childhood, that always sleeps in us with one eye open.” And to benefit from the experience, too.

A comprehensive 40-page booklet (in French and English) accompanies the disc, providing full details of the texts used in the work, as well as an analysis of the thinking behind its composition. This makes for a fascinating read of itself. All in all, I would say that no-one can afford to be without this release. So, then, what are you waiting for?

A work of great profundity indeed! 5/5

At age 70, electroacoustic composer Francis Dhomont released his magnum opus, the 58 minute piece Forêt profonde (“Deep Forest”). The second installment of a cycle on psychoanalysis started in 1981 with Sous le regard d’un soleil noir, this album/piece was inspired by Bruno Bettelheim’s book on the meaning of fairy tales The Uses of Enchantment. The piece unfolds over 13 parts. Seven are thematic and include an important use of speech to tie up the narrative, while the six other parts (the titles playing on the word “chambre”) work as instrumental bridges. Dhomont accumulates excerpts from classic fairy tales (from Charles Perrault and the Grimm brothers), bits of Shakespeare and other storytellers for adults, plus segments of Bettelheim’s analysis, along with various testimonies. Some voices belong to actors, others are anonymous (including many children); some speak in French, English, Spanish, Italian, and German — the whole “libretto” is translated in English. From the opening chorus of “Once upon a time… ” the listener is sucked into a mesmerizing sound world that shifts from the tender to the shizophrenic, from the childlike to the claustrophobic with dizzying speed. Words and acousmatic sound events are closely intertwined, stemming a number of levels of interpretation that insures hundreds of fascinating listening experiences. Such richness and poetry had never been achieved before in a genre too often categorized as academic. There is nothing dry or affected here. Forêt profonde is essential listening for anyone interested in tape music and one of the easiest points of entry for the newcomer or the curious by-passer.

From the liner notes Forêt profonde is described as an “acoustmatic” melodrama based on Bruno Bettelheim’s essay The Uses of Enchantment. Canadian composer Francis Dhomont has painstakingly assembled this discursive and fantastical work in his private studio in Montréal using [sounds produced in Paris with the GRM] “real-time sound synthesis system.” An acoustmatic melodrama sounds alot like collaged spoken voice recordings of readers and interviewees, some speed-altered, often in multiple languages, offering excerpts of fairy tales or painful personal memoir, with lots ofunsettling electronic paint underneath and in between. The sound treatments, which swim, seethe and melt in unpredictable glisssandi, have an opaque, metallic timbre, somewhat cold, otherly and nauseating, never quite outrightly beautiful, never relaxing into a soothing ambiance. The very disconcerting perspective is as if one were a pyschoanalyst eavesdropping on the irrational dreaming mind of humanity healing itself from a world of private and tribal fears. A headfull for the extremely adventurous.

Once upon a time, in a deep, dark forest… Forêt profonde is an acousmatic drama in thirteen sections hased on The Uses of Enchantment by Bruno Bettelheim. Those appatrently innocent stories that bathed our childhood are really trees that hide from us the mysterious roots of the forest the deep roots of the soul that Francis Dhomont probes in his psychoanalytical reading of fairy tales. This composition superimposes a rich counterpoint of voices, texts, and languages. At the heart of its gripping sonic material, alternatively mysterious or reassuring, like a fairy tale, we hear the thirteen episodes march by, keeping us spellbound.

Francis Dhomont plays with archetypes in Forêt profonde, not only the ones brought up by the narration (death, happiness, courage, fear, and so on), but also those that are invoked by the underlying sounds. Thus, the archetype of comforting and appeasement, suggested by tender lullabies, is brusquely broken by the tragic and anguished character of unstable sonic morphologies. Like the fairy tales themselves, this piece enchants and bewitches; certain enigmatic passages show to what extent the art of sounds is able to explain the unexplainable. “What’s happening?” murmurs a strange, anxious young voice at the beginning. An undeniable reality hides behind the words that then reassure the child “‘tis nothing…’tis nothing, dear…try to sleep”—soft comfort which, like the happy endings of the fairy tales, turns us aside from the dark morbidity that hangs over our existence.

If these tow works from a diptych, it is because deep in each forest there burns a black sun. Depth and darkness, linked in a single semantic universe, join together in this Cycle des profondeurs to evoke an existentialist anguish that is our lot to share. While Sous le regard d’un soleil noir was inspired by an affliction that turns toward the pathological, Forêt profonde touches on the imaginary world of childhood and the hidden face of the fairy tales that have peopled it. In both, text and music are so well integrated, each extending its resonanees into the other, that it is impossible to disassociate them. On many occasions, we find a narrator giving “clinical” commentary, but no such dryness is sufficient to disturb the dramatic trajectory of the musical discourse. Rather these commentaries serve to articulate the evolution of the drama, providing clues to the listener for understanding the meanings of the symbols and archetypes deployed in the music.

Both discs are beautifully packaged in newly designed cardboard cases. The well-documented, bilingual booklets run 48 pages each, and include a listing of all citations and bibliographical references, and a detailed chronology of Mr. Dhomont’s works from 1972.

Sometimes dreamlike, sometimes nightmarish sound textures accompany spoken texts in a number of languages. Drawing on the ideas of Bruno Bettelheim, Forêt profonde explores the darkest recesses of the human consciousness, through telling use of myths and fairy tales, with a thrilling electroacoustic backdrop. Thoroughly engrossing from beginning to end. Highly recommended.

II y a près d’un an, le producteur d’empreintes DIGITALes lançait à Montréal deux disques optiques consacrés au compositeur canadien Francis Dhomont. Chacun comporte une œuvre d’envergure qui s’inscrit dans le dyptique intitulé le Cycle des profondeurs, qui deviendra un tryptique si le compositeur donne suite à ses nouveaux projets. La première de ces œuvres est une réédition de Sous le regard d’un soleil noir (IMED 9633), mélodrame acousmatique d’une durée de 51m35s, réalisé entre 1979 et 1981. La seconde, nouveau mélodrame acousmatique d’une durée de 58m32s, composé entre 1994 et 1996, s’intitule Forêt profonde (IMED 9634).

Sous le regard d’un soleil noir

Ce noir soleil brûle parfois les ailes de celui qui, tel Icare, trop s’en approche. L’œuvre, troublante, met en scène le vertige schizoïde d’un moi supplicié. Elle n’est pourtant pas l’adaptation d’une thèse sur la schizophrénie: il ne s’agit pas d’un «programme à l’œuvre», mais d’une «œuvre à programme» qui tire d’un propos extra-musical une substance expressive d’une qualité rarement égalée, à ma connaissance, en musique acousmatique.

C’est le discours des profondeurs de la psychanalyse qui a inspiré à Dhomont cette musique magistrale en huit sections. Ce discours, Dhomont l’a puisé essentiellement dans les ouvrages du psychiatre et psychanalyste Ronald D Laing, dont la pièce offre à maintes reprises de très beaux extraits.

Le compositeur a su créer dans son soleil noir une atmosphère mystérieuse et onirique. Le propos se centre autour du thème du moi. Le drame se tisse à mesure que s’effrite la cloison qui sépare ce moi de l’univers extérieur: l’être intérieur est alors envahi, ou plutôt il est absorbé par un trou noir, celui de la schizophrénie: «On est à l’intérieur puis à l’extérieur ce qu’on a été à l’intérieur. On se sent vide […] manger et être mangé pour que l’extérieur devienne l’intérieur et pour être à l’intérieur de l’extérieur. Mais cela ne suffit pas. […] et à l’intérieur de soi il n’y a toujours rien.» Et c’est le lever redoutable d’un soleil noir, dont le caractère torride n’a d’égal que l’intensité du drame qu’il noue.

Ce drame porte divers visages dans l’œuvre. C’est notamment cette note si, véritable obsession, dont le timbre sert parfaitement l’expression d’une angoisse lancinante. Le drame, c’est aussi la rupture. C’est l’Engloutissement évoqué à la section 2 par l’immersion dans des sonorités fluides conduisant à l’asphyxie de la personnalité, dont il ne reste qu’une ombre inarticulée au fond de l’abysse. C’est aussi la tragique Implosion de la section 4, puis cette Pétrification progressive de la personnalité à la section 7. C’est le premier son de Citadelle intérieure, une lourde porte se refermant, qui symbolise l’isolement, l’emmurement de la personnalité. Et c’est enfin le contrepoint vocal à la fin de la même section, disséminé dans l’espace comme si cette voix au loin, fragile et presque inaudible, symbolisait la perte de contact entre le moi de l’individu et la conscience de sa propre existence.

Forêt profonde

Il était une fois une Forêt profonde, mélodrame acousmatique en treize sections basé sur la Psychanalyse des contes de fées de Bruno Bettelheim. Les récits apparemment innocents qui ont baigné notre enfance sont autant d’arbres qui nous cachent les replis mystérieux de la forêt, profonds replis de l’âme que Francis Dhomont sonde à travers une lecture psychanalytique des contes de fées. L’œuvre fait foisonner un riche contrepoint de voix, de textes et de langues. Elle intercale au sein d’une substance sonore saisissante les illustrations alternativement mystérieuses et rassurantes du conte; l’auditeur écoute défiler treize stations qui le tiennent véritablement en haleine.

Dans Forêt profonde, Francis Dhomont joue avec les archétypes, non seulement ceux que le récit porte en lui (la mort, le bonheur, le courage, la peur et ainsi de suite) mais encore ceux que peut évoquer le substrat sonore. Ainsi l’archétype du réconfort et de l’apaisement, suggéré par de tendres berceuses, est brusquement rompu par le caractère tragique et angoissé de sons aux morphologies instables. Cette œuvre, à l’égal des contes, enchante, ensorcelle par certains passages énigmatiques qui montrent à quel point l’art des sons parvient à exprimer l’inexprimable. «Qu’est-ce qui se passe?», murmure au début de l’œuvre une voix inquiète. Une réalité redoutable se cache derrière les paroles adressées à l’enfant: «ce n’est rien chérie, essaie de dormir…», doux réconfort qui, comme la fin heureuse des contes, nous détourne de la morbidité qui plane sur nos existences.

Si ces deux œuvres forment un diptyque, c’est qu’au plus profond de notre forêt se consume un soleil noir; profondeur et noirceur, associées dans un même univers sémantique, se conjuguent dans ce Cycle des profondeurs pour évoquer une angoisse existentielle que nous échoit en partage. Alors que Sous le regard d’un soleil noir s’inspirait d’un mal-être qui se transforme parfois en pathologie, Forêt profonde touche à l’imaginaire de l’enfance et à la face cachée des contes qui l’ont peuplé. Dans ces deux univers, texte et musique sont si bien intégrés, l’un prolongeant ses résonances dans l’autre, qu’il est impossible de les voir dissocier. On rencontre à maintes reprises un narrateur présentant certains commentaires «cliniques», mais rien d’asséchant, qui nuirait à la trame dramatique du discours muscial. Ces commentaires rythment l’évolution du drame en offrant quelques clés à l’auditeur sur le foisonnement des symboles et des archétypes musicaux qui s’y déploient.

Sous le regard d’un soleil noir et Forêt profonde sont des œuvres de substance qui transcendent les impératifs technologiques. Lorsqu’on se met à l’écoute de ces pièces, on découvre plein de choses sur la musique et certains de ses vertiges…

Ces œuvres sont présentées dans deux beaux coffrets orginaux. Un livret bilingue (anglais/français) bien documenté, totalisant près de 50 pages, les accompagne. On peut y trouver les extraits cités, avec référence bibliographique, ainsi qu’un catalogue détaillé des pièces réalisées par le compositeur depuis 1972.

In Forêt profonde, we may be better able to relate to the central proposition — we have all been children at least, even if this is only one of the many levels on which the piece operates. Dhomont’s evocation of childhood through fairy tales is potent — dangerous, even — to our urbanised sensibilities. What is staggering about this work, as with so much Dhomont, is the sheer accuracy of the observation — he might be talking about me, my life, my singular experience; the insight cuts the listener like a knife. The piece exhibits a masterly and poignant interweaving of the sounds of childhood (actual? remembered?), an adult’s awareness of the ‘real’ subject matter of fairy tales and documentary references to the life of Bettelheim, who survived Dachau but committed suicide in 1990.

Those who know other works by Francis Dhomont will recognise some fingerprints: the exquisite sound world; the beautifully executed recordings of real-world sounds; the apparent simplicity, yet complete appropriateness to the poetic intent, of the studio transformations (particularly, in these two works, of the voice); the sense of everything happening at just the right time, the right speed, the right density; the staggering depth of field, from infinity to much too close for comfort; the subtle reference, not only to the real world (but what is really ‘real’ in this aural evocation of an internal super-reality?), but to a musical heritage of which he is fully aware, even if his art now extends beyond this. In Sous le regard d’un soleil noir, this manifests itself in the insistent B natural (si in French, also meaning ‘if’) which permeates the work, recalling what the composer calls ‘the memory of Wozzeck’ (from Berg’s ‘Invention’ on this note in his opera of the same name), and echoing Laing’s repetition of what Nattiez calls ‘the conditional if… [which] becomes obsessive alliteration’. In Forêt profonde the primary musical reference is to Schumann. As Dhomont explains, ‘each of the 13 sections borrows a brief element, a colour, an atmosphere, from the 13 Kinderszenen (Scenes from Childhood)’.

As ever with works by Dhomont, the listener’s ear in these two remarkable pieces is enhanced by the composer — he makes us hear better than we might otherwise. He makes us aware of connections, of subtle exchanges and interplays; and by contrast, he makes radically different material sound ‘right’, sound organic and logical. He holds the listener in a suspension of belief, in a magical land not unlike the ‘deep forest’ of the imagination, guided — so unusually in this day and age, and so all the more strikingly — by our ears. What Dhomont tells us is true — the proof is the confirmation of aural perception: hearing is believing.

Francis Dhomont is Canada’s electroacoustics master. Founding member of the Canadian Electroacoustic Community (CEC), he has won many distinctions around the world (five-time winner at the Bourges International Electroacoustic Music Competition).

His new record contains only one work, Forêt profonde (Deep Forest), which runs for 58:32. Written between 1994 and 1996, it is the second part of a “Cycle of Depths,” started with Sous le regard d’un soleil noir, another recent release on empreintes DIGITALes [IMED 9633].

“Forêt profonde is an acousmatic melodrama, based on Bruno Bettelheim’s essay The Uses of Enchantment” (Francis Dhomont, liner notes). The work comprises 13 sections that alternate from instrumental to narrative phases. Texts are taken from Christian Andersen, Bruno Bettelheim, Dante, the Grimm brothers, Arturo Parra, Charles Perrault, Shakespeare, and are narrated by various voices in various languages. The constant motion created by these exchanges allow the composer to avoid monotony while creating an atmosphere both magical and disquieting. I would not hesitate to call it a CHEF D’ŒUVRE. Subtle and profound for the initiate, it remains listener-friendly for the new ears. In fact, Forêt profonde is a very good starting point for who wants to acquire a taste in the arts of electroacoustics. And if you think you do not like this kind of music, maybe this is the record that will change your mind! A serious candidate for my ‘Best Records of 1997’ list!

Translated from French.

Le divan du psychanalyste

De son côté Francis Dhomont poursuit sa route déjà longue et qui se prolonge bien au-delà de nos frontières. En véritable artiste, Dhomont ne met jamais à l’avant-plan les ressources prestigieuses des outils dont il dispose; c’est d’abord et avant tout ce qu’il a à dire qui façonne ses réalisations. Après nous avoir donné Sous le regard d’un soleil noir, il nous offre cette Forêt profonde en cultivant toujours l’ambivalence poétique entre le son et le sens. Ces deux réalisations s’inscrivent dans un vaste et ambitieux projet ayant pour titre générique Cycle des profondeurs, auquel s’ajoutera peut-étre (nous l’espérons) un troisième volet. La Forêt profonde de Dhomont est celle de l’inconscient marqué dès l’enfance par les contes d’Andersen, de Grimm et de Perrault. Autant de brèches qui nous permettent de faire de saisissantes incursions dans un passé déterminant. Mais nous ne sommes pas laissés à nous-mêmes. Des séquences narratives nous guident et nous aident à entrer plus avant dans le propos. Dhomont indique les chemins du labyrinthe. Nous avons en lui le chef de file de l’électroacoustique qui, par son art et son instinct, nous fait oublier le prosaisme clinquant des machines.

Deuxième volet du diptyque intitulé Cycle des profondeurs, inspiré au compositeur électroacousticien Francis Dhomont par une réflexion psychanalytique, Forêt profonde est très différente de Sous le regard d’un soleil noir, précédente œuvre du cycle. Loin du cauchemar schizophrénique, et composée presque quinze ans plus tard, Forêt profonde évoque les contes de fées, leur atmosphère, le rôle qu’ils ont joué dans la formation de notre conscience.

Dhomont a recréé pour nous une partie de cet univers intérieur grâce à sa musique, à des extraits de contes ainsi qu’à des citations tirées de Psychanalyse des contes de fées de Bruno Bettelheim. Ici, la musique ne sert pas d’écrin aux textes, ceux-ci deviennent musique. Dhomont ne nous raconte pas une histoire, il nous amène au cœur des sensations, des réflexions et des émotions suscitées par ces histoires qui nous ont marqués, bien souvent, plus profondément qu’on ne le croit. La qualité sonore est inouïe, le son, magnifique; on est tout de suite enveloppé, entraîné dans la forêt comme si on nous prenait par la main. Pour que la magie opère, il n’y a qu’à se laisser porter.

AVIS: Le texte reproduit ici est extrait du site de Voir et est protégé par la Loi sur le droit d’auteur du Canada. © Communications Voir Inc, 1997

Deuxième volet du même cycle, Forêt profonde est une «visite guidée de l’âme enfantine» qui s’inspire des travaux de Bruno Bettelheim sur la psychanalyse des contes de fées. La sonorité se fait du coup plus transparente et Francis Dhomont utilise les formules rituelles du genre en les transgressant, car sa démarche vise à rendre évident le fonctionnement du symbole tout en préservant le charme de son indécision fondamentale. Il s’agit d’une autre réussite technique et musicale où il faut admirer, entre autres, l’intégration des références aux Scènes d’enfants de Schumann.

Chose promise… Voici donc la deuxième partie de ce fabuleux mélodrame de Francis Dhomont Cette fois c’est par la porte des contes de fées, de Grimm notamment, que l’imagination créatrice de Dhomont vient nous déranger et nous enrichir.

Il s’agit de la troisième version que le compositeur livre de son œuvre, lui qui, comme Boileau, cent fois sur le métier… La musique y est plus prégnante que dans la première partie du cycle. On pourrait lancer l’hypothèse que le compositeur s’est plus servi de la parole comme moteur dans la première partie du cycle (Sous le regard d’un soleil noir), territoire des adultes, et qu’il a plus besoin d’enrobage sonore pour aborder le monde de l’enfance, plus fugitif et plus intuitif. Le discours de deuxième niveau est donc plus utilisé.

S’inspirant fortement des travaux de Bruno Bettelheim sur les contes pour enfants, de manière un peu trop soulignée en un certain passage, Dhomont tente d’allier discours fantastique et séduisant (on pense parfois à des trames sonores d’Hollywood) à celui plus exigeant de la confrontation avec des utilisations acousmatiques pures et dures (la «fureur humaine»). Le résultat est fascinant. Comme par exemple, dans le début de la troisième partie où la trame narrative est claire et efficace. Des sons «bizarres» et tout à coup une chaude voix de femme qui dit «Ce n’est rien» et plus loin: «Qu’est-ce qui se passe?».

Oui, il faut vraiment écouter cela comme un conte de fées. Francis Dhomont se révèle ici un formidable conteur. Et même les enfants embarquent dans son périple, y comprenant bien ce qu’ils peuvent, comme nous d’ailleurs.

On oublie la technique tant tout cela est fait avec l’inéluctabilité de la vérité qui se dévoile. Je parle ici aussi bien de la réalisation sonore et de la mise en bande (équivalent à l’écriture de la partition pour Dhomont) que de la structure du propos. Un mélodrame, c’est avant tout du théâtre, et Dhomont se montre dramaturge trés original et sûr. Sitôt qu’on pense que la pièce va tourner en rond, arrive une clé — sons synthétiques, parole, sons familiers, Scènes d’enfants de Schumann, bruits connus — qui nous ouvre une nouvelle porte de perception et de compréhension. Encore une fois, Dhomont joue du Labyrinthe en véritable Dédale: il conçoit un édifice dans lequel on pénètre sans savoir comment on en sortira, chacun à sa manière.

C’est donc la partie forte du cycle qui se clôt ici. On a l’impression qu’on ne saurait applaudir: on est tellement pris par cette musique, que quand se fait le silence, on le cultive afin de mieux se pénétrer de ce qui pourrait bien être en passe de devenir une des réussites acousmatiques les plus grandes de cette fin de siècle.

Forêt profonde (which sadly translates as “Deep Forest” — remember that abysmally beige and blandish semi-Gnu Age array of ethnic samples and drum machines with the same name released three or so years ago?) is fabulous. Forêt profonde is the second part of, what is till now, a diptych (preceded by [Sous le regard d’un soleil noir]). A third part is imminent.

Styled an acousmatic melodrama, Forêt profonde is based on the fascinating book The Uses of Enchantment by Bruno Bettelheim, and it has gradually taken shape as a composition over fifteen years, culminating in two years’ final production. It is, like Bettelheim’s book, a guided tour of the childhood soul, which itself is nothing more than a return to the initiatory world — both cruel and reassuring — of fairy tales. The composition is divided into 13 sections (6 of which are purely instrumental) all of which contain some form of quotation from Schumann’s op.15: Scenes From Childhood. Texts by Hans Christian Andersen, Dante, Those Grimm Brothers, Shakespeare and of course Bettelheim himself are used in the piece.

The recurring theme in fairy tales of being lost in a forest (it’s up to you to work out the psychological parallels here) is reiterated here too. To anybody who has heard fairy tales, this image is unforgettable. As Bettelheim says, “… without fantasies to give us hope, we do not have the strength to meet the adversities of life. Childhood is the time when fantasies have to be nurtured.” Actually, this is probably the best CD I have heard so far this year. Monstrous. Unpredictable. Hallucinatory. It plays on the memories we all have that we connect to specific sounds. It is an intriguing voyage into familiar and dangerous territories where branches snap for no reason, where long shadows flit between the tree trunks and the passing breeze carries traces of wolf-breath. It’s the place where trapped birds are princesses, where the lure is golden, where banished sons become kissable frogs. Magickal slumber, castles and caves, locked rooms (with the key left in the lock, of course) and the endless growth of entangling vegetation…

Treize ans après, Francis Dhomont continue son cycle avec Forêt profonde (1994-96) basé sur des textes de Bruno Bettelheim. Aujourd’hui le son et son façonnage ont changé, ainsi que les outils de sa réalisation (et il en découle un plus grand lissage de l’ensemble), mais le propos reste le même. Cependant il me semble moins fortement atteint que dans la pièce précédente. Ici nous avons affaire à un trop de texte qui donne une dimension presque didactique. D’autre part, une absence de gravité.

A superb concert took place at Montréal’s Usine C last Saturday June 8. Organized by ACREQ, this concert of music by Francis Dhomont was one of the most beautiful acousmatic music events I have attended in a long time. Thanks to the excellent acoustics of this new hall, to the high quality of the sound projection system and to the large number of speakers, the details of this outstanding music were, I believe, faithfully rendered.

In the program were three acoustmatic works: Lettre de Sarajevo, Nocturne à Combray and a recast and augmented version of Forêt profonde.

The first piece, Lettre de Sarajevo, is an acousmatic drama commissioned by the “Futura 96” Festival of Acousmatic Art in France. This work’s complex texture, composed of a rich tangle of layers that successively come to the fore before being overtaken by other soundtracks, creates an atmosphere of constant anxiety. I recognized here the characteristic sound colors, the deep sounds, sometimes guttural, used in many of Dhomont’s works. But this style of composing in large sections, in long shapes that move along until their natural end, appears to me unusual for his work, at least for the works from his “Quebec period”. Without the ruptures, the sudden interruptions, the dramatic stops or the alternating tensions and releases, Lettre de Sarajevo is dominated by constant, uninterrupted tension, and the silences between sections form so many shadow zones where the drama of the preceding sequences still resonate. Lettre de Sarajevo is a beautiful, dark and inexorable work, a tranquil cry, unceasing as it reflects the drama that endures even as the memory fades.

From another era and another sensibility, Nocturne à Combray is a radiophonic piece commissioned by Radio–Canada and is based on excerpts from Marcel Proust’s Du côté de chez Swann. Lost time is forever, and dream blends with reality. In Nocturne à Combray, the sonic material is allusive and dreamlike, dotted with nostalgic quotations (of illusory time recovered?) that evoke several errant recitals by musical instruments of the past. The work is often punctuated by fugitive images of beings and things remembered by a half–conscious narrator in the grip of an agitated sleep. The setting of the voice approaches that of earlier works by Francis Dhomont but here, it seems to me, it is more luminous so wedded to the contemplative nature of the text. This setting, generally stable and well established, is defined at the start of the piece by a melody of spatial relationships and timbres that suddenly transforms words into colorations and different spaces. At certain times, a counterpoint of voices fed by an echo lightly veils the intelligibility of the words a little like those stubbornly resonated in a mind that vacillates between wakefulness and sleep. To each their own reading of In Search of Lost Time, I certainly discovered in Nocturne à Combray a poetic, Proustian atmosphere.

Once upon a time in a deep, dark forest… Forêt profonde, an acousmatic drama based on the Psychoanalysis of Fairytales by Bruno Bettelheim, is a work in thirteen sections and forms, with Sous le regard d’un soleil noir (composed over thirteen years), a diptych that the composer entitles Cycle des profondeurs. Those apparently innocent stories that bathed our childhoods are really trees that hid from us the mysterious roots of the forest, the deep roots the soul of Francis Dhomont probes in his psychoanalytical reading of fairy tales. This composition superimposes a rich counterpoint of voices, texts and languages. At the heart of its gripping sonic material, illustrations successively more mysterious and consoling, building like a fairy tale, we hear thirteen episodes march by keeping us spellbound.

Francis Dhomont plays in Forêt profonde with archetypes, not just the ones the narration brings (death, happiness, courage, fear and so on), but as well those that can be invoked by the underlying sounds. So the archetype of comforting and appeasement, suggested by tender lullabies, is brusquely broken by the tragic and anguished character of unstable morphologies. This work enchanted me, bewitched by certain enigmatic passages that show at what point the art of sounds does know how to explain the unexplainable. “What’s going on?”, murmurs an anxious, strange voice at the start of the work. An undeniable reality hides behind the words that then wants to reassure the child, “It’s nothing, my dear. Try to sleep…” So life turns us aside with certain comforts about the morbid thought of our next disappearance.

Didactic comments here and there throughout the work perhaps don’t make for unanimity (a narrator cites Bettelheim on occasion) but, to my mind, it gives the work an extra dimension by drawing attention to the unconscious significance of fairy tales.

To sum up, I say Forêt profonde is a gripping and beautiful work that, I believe, will complement the success of Sous le regard d’un soleil noir. Both works will soon be released on the empreintes DIGITALes label.

The concert projection by the composer did justice to the quality of these works. At times I would have appreciated higher sound levels, particularly during Forêt profonde, but I know the listening situation probably varied a lot depending on where you were sitting in the hall. I can only congratulate ACREQ for having organized an acousmatic concert of such a high quality, especially since such events are all too rare in Montréal these days.

—Stéphane Roy (English translation by Frank Koustrup)

Stéphane Roy royst@ere.uMontréal.ca is a composer. His pieces have been performed in many European and American countries, and he has won many national and international compositions. A PhD in Music composition, he is presently teaching auditory perception at the University of Montréal.

Translated from French.

On y a en effet amassé un nombre impressionnant de commentaires émis par ses amis, collaborateurs, collègues et élèves. Le ton est uniforme, et une conclusion s’impose: lorsqu’on connaît Francis Dhomont, on se met à aimer l’homme autant que le compositeur. Je constate qu’on y loue justement sa disponibilité, même en période de travail intensif. On y souligne aussi son intégrité, sa sincérité, la profondeur de ses vues artistiques et son manque absolu de prétention, son «écoute», bref, un ensemble de qualité humaines que l’on trouve rarement réunies chez un même individu, toujours sans parler de sa musique!

«Ma musique est plutôt grave», concède Dhomont. «Je ne fais pas beaucoup de musique légère, même si je le voudrais quelquefois. Mais j’ai du mal, ça n’est pas dans ma nature.» Un de ses sujets d’intérêt est depuis longtemps la psychanalyse, qu’il a découverte à seize ans, au sortir de l’occupation allemande. Parisien d’origine et de culture, installé partiellement au Québec depuis 1978 [et définitivement depuis 1997], Francis Dhomont a d’ailleurs découvert sa vocation de compositeur d’une façon inusitée, un peu avant de s’intéresser à Freud. «Je crois que ce qui me caractérise, analyse Dhomont, c’est que je suis assez marginal. Je n’ai pas mené une carrière linéaire. Dès le début, je n’ai pas suivi la filière traditionnelle. J’ai surtout été très vite attiré par la composition, alors je m’y suis lancé pour ainsi dire ‘les yeux fermés’.»

Victime de mauvais traitements médicaux et de privations alimentaires durant l’Occupation — alors qu’il est en pleine adolescence —, Francis Dhomont perd l’usage de ses yeux pendant près d’un an suite à un glaucome, avant d’apprendre qu’il perdra définitivement l’usage d’un œil. Il se plonge alors dans la musique, dont il ne ressortira jamais… «J’ai dû rester un certain temps au repos visuel, plus question d’aller au lycée ou au spectacle. Alors je me suis remis au piano, parce que j’en avais déjà fait, mais uniquement avec mes oreilles. Il y a seulement deux ou trois ans, je me suis demandé si ce n’était pas cette pratique qui m’avait incité à devenir un acousmate, c’est-à-dire quelqu’un qui n’a pas besoin du spectacle en musique. J’ai une véritable passion pour la musique qu’on écoute et qu’on ne regarde pas, sans doute parce que ma formation s’est faite en quelque sorte dans l’obscurité. Lorsque j’ai retrouvé la vue avec un seul œil, j’ai gardé cette façon d’écouter, avec des images qui me viennent de l’intérieur.»

De fait, Francis Dhomont est un des pionniers de l’art acousmatique, et a pratiqué l’électroacoustique depuis les origines de cet art. Par acousmatique, on entend cette sorte de «cinéma pour l’oreille», une musique sur support qui est entendue sans intervention visuelle, contrairement à d’autres musiques électroacoustiques de scène. Excellant dans cet art qui lui convient à merveille, Dhomont a remporté de nombreux prix très prestigieux. Cinq fois lauréat du Concours international de musique électroacoustique de Bourges (France), il s’est vu attribuer en 1988 le prix du Magisterium. Récemment, on pouvait entendre sa musique dans le film Eldorado [du réalisateur québécois Charles Binamé].

Ayant jusqu’à maintenant partagé sa vie entre l’enseignement et la composition, ce créateur original pense que la musique ne doit jamais se compromettre. Plutôt enseigner, écrire, gagner sa vie autrement, que de faire une musique ne correspondant pas à un véritable acte de création. Cet «anti-racolage» donne à l’œuvre de Dhomont une dimension profonde et authentique. Lors du concert que lui consacre cette semaine l’Association pour la création et la recherche électroacoustiques du Québec [ACREQ], on pourra entendre de ses récentes créations, dont l’imposante Forêt profonde, une œuvre de près d’une heure faisant suite à Sous le regard d’un soleil noir, terminée en 1981, et traitant de la schizophrénie. Les deux œuvres forment désormais un tout intitulé Cycle des profondeurs, à paraître bientôt en compact [maintenant disponibles: voir IMED 9633 et IMED 9634]. Forêt profonde s’inspire de plusieurs sources, dont les 13 Kinderzsenen de Schumann. Divisée elle aussi en treize sections, cette œuvre traite par ailleurs d’un sujet à la fois fascinant et tout à fait inusité musicalement: la psychanalyse des contes de fées, telle qu’élaborée par Bruno Bettelheim dans son essai sur le sujet.

Ce mélodrame acousmatique n’est pas simple, on s’en doute. «Une œuvre est toujours quelque chose de complexe, ça ne dit pas une seule chose. Le problème et la difficulté à l’écoute de Forêt profonde, et en même temps, je l’espère, son intérêt, c’est que ça se joue sur plusieurs niveaux d’écoute», explique le compositeur. La musique d’une part, le conte de fées en tant que réminiscence de nos émotions enfantines d’autre part, et, finalement, l’analyse qu’en fait Bettelheim constituent les trois niveaux de l’œuvre. Néanmoins, la première partie du concert nous permettra d’entendre deux autres œuvres tout à fait différentes de Francis Dhomont: Nocturne à Combray et Lettre de Sarajevo. La première nous plongera dans l’univers littéraire de Marcel Proust; alors que la seconde, purement musicale, nous «parlera», brutalement, de la honte. «Que peut-on encore dire de Sarajevo?», interroge le compositeur dans les notes de programme. On peut encore dire sa honte… Impliqué socialement, conscient et lucide, Francis Dhomont est le contraire d’un créateur à la tête dans les nuages, selon sa propre expression. On ne peut que lui en être reconnaissant…

AVIS: Le texte reproduit ici est extrait du site de Voir et est protégé par la Loi sur le droit d’auteur du Canada. © Communications Voir Inc, 1996

• Voir, February 13, 1997