Mike Eisenberg, Avant Music News, December 30, 2021
Thursday, December 30, 2021 Press

A new Normandeau is always a welcome addition and, Mélancolie delivers in a big way. This, along with Paul Dolden’s Golden Dolden box (write-up coming eventually, hopefully sooner rather than later) provides a splendid end of the year Acousmatic boost.

On Mélancolie, Normandeau humbly underestimates these works by saying; “All the pieces culled on this album were composed in a dome of loudspeakers and are designed to be presented in that format. They are immersive, inviting listeners to dive into the sounds. The stereo versions found on this album are like postcards of the original pieces: they represent something akin to souvenirs of them. I hope to have one day the opportunity to present them to you on the full loudspeaker array. Until then, enjoy.” While I have no doubt how unbelievably cool it would be to hear these on the proverbial DOME O’ SPEAKERS, I have to say they sound stupendous coming out of my bookshelves (at volume) and even more breathtaking through my DAC augmented earbuds. So, until someone hooks me up with my speaker dome, I’m going to have to “settle” the OG way.

The album consists of five lengthy pieces composed between 2013-2021. Since his 2013 release Palimpsestes, Normandeau has refined his style somewhat to incorporate more of a wall of sound’ish drone-like vibe. This “new thing” was (and continues with this latest release) very elegantly layered over with what you might call a more traditional (traditional as it relates to an empreintes DIGITALes “sound”, if such a thing exists) Acousmatic feel. By this, I mean a creative organization of disparate, unidentified sound events into a highly pleasing sonic space with somewhat smooth edges and pristine sound and production.

The first piece, Le ravissement exposes this sound wall in a slow build fashion. The piece is unique in the way that this base drone layer is somewhat down in the mix, immediately throwing me off guard. I would have expected this facet to be much more prominent. Normandeau inverted my expectations by overlaying gorgeously breathy, sporadic bursts of a symphonic nature (maybe strings, maybe not) that are quite loud, powerful, and wildly dramatic. As if this now true “wall of sound” wasn’t enough, he also adds other strange and unnamed sonic samples which ramps up an already chaotic and psychedelic listening experience. I can only describe the result as a sensory stimulation of the highest order.

The next piece, Tunnel azur has the composer channeling a little Gilles Gobeil energy. As the title implies, the listener can’t help but transport themselves to a dark, dank, oppressively confining tunnel inhabited by machines, steam pistons and sinister automatons of all sorts. All working in concert, is this a synthetic leviathan powering unimaginable structures? But to what end? As a warning, this work will stretch your speakers to the limit and is best listened to loud. (Of note, the very rare octobass is in use so… watch out!)

Next, we have Melancholia which has the composer further exploring the creative sound manipulation of the human voice. But wait… I just read the liner notes where I was informed that the only sound source on this piece was the Bandoneon. This demonstrates to me one of the coolest things about listening to Acousmatic music, namely sound sources and physical gestures mean nothing. Once you accept this key concept, the sound world will literally burst wide open and you’ll experience it not just physically, but, if you are committed, with an extreme heightened state of mental / psychic awareness as well. The piece itself expands beautifully starting with a vaguely metallic hum that spectrally morphs into a louder, more majestic and polyphonic layer. Key sound events drop out and what’s left becomes wonderfully sliced and chopped up by some unique studio processing. Overall effect… maximum emotion-infused drama!

On L’engloutissement we get another elevated emotional sound world that transported me to a secluded beach. Dawn light greeted by ocean waves lap at the shore and seagulls cries that are strangely re-worked into something “not of this world” hover over head. Lurking underneath this scene is the sautillé bowing of an orchestra that creates a low pitched, and somewhat menacing hum… occasionally interrupted by moments of electrostatic glitsch. As with all these pieces, experiencing this under Normandeau’s proposed speaker dome can only be stunning (squared!!!).

The final piece on the album is Raíl which pays homage to the train and all sounds that go with it. This is a very powerful work that leads you through a sonic coffee table book of whistles, steam engines, hydraulic brakes, the click-clack of metal wheels on iron tracks, the perception of movement to an outsider and the perception of commuters en route to their destination on the inside. This work brings the album to a close in a fitting whirlwind of industrial chaos.

Mélancolie is a worthy addition to the Normandeau canon and comes highly recommended. Additionally, all attributes of the empreintes DIGITALes label such as sound and production qualities are unsurprisingly firmly intact.

… the sound world will literally burst wide open […] Mélancolie is a worthy addition to the Normandeau canon and comes highly recommended.


Roberto Mandolini, Ondarock, December 25, 2021
Saturday, December 25, 2021 Press

Dodici minuti di bucolica ambient pastorale aprono il ciclo Into the Forest del compositore Louis Dufort. Un suono multidimensionale che continua a spostarsi anche sul semplice ascolto stereofonico. Ispirato dalla Natura fotografata sulla copertina dell’album, Dufort costruisce una lenta sinfonia con lunghe note d’organo e ripetuti crescendo a intervalli irregolari. Strato su strato si addensano livelli sonori inizialmente impercettibili, poi lentamente sempre più in evidenza e infine avvolti da maestose folate di vento elettronico.

I dieci minuti della seconda parte dell’opera non potrebbero essere più diversi. Into the forest my wounded arms wide open parte come una maratona degli Autechre, tra groove interrotti e bassi che sembrano prender vita da glitch digitali. Rumori in 3D coprono l’ossessivo incedere del brano, creando un’atmosfera degna di un inseguimento in un film di fantascienza.

Nulla in confronto al caos apocalittico che genera l’omonima Into the Forest, come se Dufort avesse programmato lo spazio accendendo tutti i livelli contemporaneamente, per poi spengerli all’improvviso e lasciare una desolante sensazione di vuoto. Appena il tempo di un respiro, per capire quali strani suoni si percepiscano in lontananza, prima che lo spettro venga riempito di nuovo con una valanga ubriacante di suoni.

Il finale è travolgente: Into the forest I’ve seen under è, nelle parole dello stesso autore: “[…] il pezzo più astratto del ciclo; materiali organici, sintetici e musicali sono riuniti in un’ode alla natura”. Dopo una prima parte in cui un basso subsonico tiene il tempo a una fantasia incontenibile di dettagli, una melodia cresce lentamente per avvolgere ogni suono all’orizzonte.

L’opera è stata registrata nello studio dello stesso Dufort a Montréal (Québec) tra il 2020 e il 2021, dopo che una prima stesura era stata presentata l’11 gennaio del 2018 all’Ultrasons festival at Salle Claude-Champagne, sempre di Montréal.

… and finally enveloped by majestic gusts of electronic wind.

Release Tipp: Neue Veröffentlichungen vom Label Empreintes DIGITALes

Radiohoerer, December 8, 2021
Wednesday, December 8, 2021 Press

Wer auf akustische Abenteuer aus ist, sprich neudeutsch: Kopfkino, der ist auf dem kanadischen Label empreintes DIGITALes bestens aufgehoben. Seit 1990 zählen sie zu den wichtigsten Labels für elektroakustische Musik und das aus vielerlei Gründen.

Ihre Veröffentlichungen sind mir seit Jahren immer wieder aufgefallen. Hier fand ich Horacio Vaggione wieder und entdeckte neue Klangforscher. Mittlerweile übernimmt mein „Dealer“ diese Funktion und schickt mir immer wieder die neusten Produktionen. Auch wenn mir vieles davon gefiel – einiges kaufte ich auch selbst – konnte ich mich nie dazu aufraffen, das in einen Tipp umzusetzen.

Das soll heute anders sein. Ich bin mir sehr bewusst, dass ich zu wenig über das Label weiß und so erwartet Euch eine Mixtur aus Fundstücken und ich hoffe, dass es Euch zum Anhören ermuntert! Die Klangqualität, die Euch erwartet, ist der Wahnsinn. Sie waren die ersten, die eine Bluray Audio auf den Markt brachten und besser kann diese Musik nicht klingen. Hier sind empreintes DIGITALes eine unerreichte Referenz und man hat schnell mehrere Gigabyte an Musik auf der Festplatte.

Das 1989 von Jean-François Denis und Claude Schryer in Montréal gegründete Label empreintes DIGITALes – seit 1991 unter der Leitung von Jean-François Denis – konzentriert sich auf Elektroakustik, Akustik, Musique Concrète… 2005 geht empreintes DIGITALes innovativ von der CD zum DVD-Audio über und bringt die Tiefe und Räumlichkeit des Klangs von Konzertsälen in Ihr Wohnzimmer. Die DVD-Audio bietet mit ihrer 24-Bit-Kodierung eine sehr hohe Klangtreue und einen immersiven Klangraum, der dem Surround 5.1-Klang des Heimkinos entspricht. Im Jahr 2014 hat empreintes DIGITALes mit der Veröffentlichung einer ersten Disc auf Blu-ray (nur Audio) noch in 24-Bit-High-Resolution und in Surround 7.1, Surround 5.1 und Stereo eine weitere Innovation geschaffen. Seit dem Frühjahr 2018 sind digitale Audiodateien in FLAC (neben OGG und MP3) in „Studio“-Qualität erhältlich! © Text: empreintes DIGITALes

Bei meiner Recherche fand ich einen Text von Jochen Kleinhenz, der auf Bad Alchemy 1992 erschienen ist (wo auch sonst).

In Kanada hat sich ein neues Label die Veröffentlichung zeitgenössischer elektronischer/elektroakustischer Musik zum Programm gemacht: in der Reihe »empreintes DIGITALes« sind bis jetzt sechs CDs erschienen, die sowohl durch die Musik als auch durch klangliche Aufarbeitung derselben und die Fülle an Informationen in den Booklets Maßstäbe setzen. Die Stärke solcher Musik liegt, wie auch bei den Ina-GRM-Veröffentlichungen, in der individuellen Wirkung und widersetzt sich den Versuchen, sich in Schemata pressen zu lassen (genauso wenig will sich ja auch der aufgeschlossene Musikkonsument in eine Schublade stecken lassen).

Jochen Kleinhenz, Bad Alchemy, 1992 / Auszug

Alle Stücke auf diesem Album wurden in einer Lautsprecherkuppel komponiert und sind für eine Präsentation in diesem Format konzipiert. Sie sind eindringlich und laden den Hörer ein, in die Klänge einzutauchen. Die Stereoversionen auf diesem Album sind wie Postkarten der Originalstücke: Sie sind so etwas wie ein Andenken an sie. Ich hoffe, dass ich eines Tages die Gelegenheit haben werde, sie Ihnen auf dem vollen Lautsprecherfeld zu präsentieren. Bis dahin, viel Spaß. © Robert Normandeau

Über Robert Normandeau: Sein kompositorisches Schaffen ist hauptsächlich der akusmatischen Musik gewidmet, obwohl er auch einige gemischte Werke komponierte. In seinen Kompositionen werden ästhetische Kriterien angewandt, um ein „Kino für das Ohr“ zu schaffen, in dem sowohl die „Bedeutung“ als auch der „Klang“ zu den Elementen werden, die seine Werke ausmachen. In jüngster Zeit hat Robert Normandeau einen Zyklus mit immersiver mehrstimmiger Musik für eine Lautsprecherkuppel komponiert. Neben Konzertmusik komponiert er seit zwanzig Jahren auch Bühnenmusik, insbesondere für das Theater. Über zwanzig Jahre lang war er auch als künstlerischer Leiter tätig, insbesondere für die Konzertreihe Clair de terre (Association pour la création et la recherche électroacoustiques du Québec (ACREQ)) von 1989 bis ’93 im Planétarium de Montréal sowie Rien à voir und Akousma (Réseaux) von 1997 bis 2006. © empreintes DIGITALes

Von all den Releases, die ich hier ansprechen werde, ist dies mein Favorit. Ein akustisches Abenteuer „par Exzellence“ erwarten Euch. Seine akusmatischen Räume nehmen einen gefangen, die Soundscapes entfachen einen Malstrom, aus dem es kein Entrinnen gibt. Außer man setzt die Kopfhörer ab;) Kopfkino wie es besser nicht geht.

Der Komponist Louis Dufort aus Montréal ist seit den 1990er Jahren eine treibende Kraft in der akusmatischen Musik. Es ist faszinierend zu hören, wie die neuere elektronische Musik der „Akademie“ die elektronische Musik des Dancefloors auf ihre eigene Art und Weise aufnimmt und dekontextualisiert. Über empreintes DIGITALes versammelt Into the Forest Werke von Dufort aus den letzten fünf Jahren, die von Wanderungen in den Bergen und Wäldern Kanadas inspiriert sind. Sie geben die Erfahrung der Natur – ihre Freuden, Annehmlichkeiten, Schrecken und Erhabenheit – mit hochartifiziellen Mitteln wieder und erinnern (auf ihre eigene Weise) an die basslastige, verzerrte Elektronik von Vladislav Delays jüngster Rakka-Duologie. In diesem speziellen 10-Minuten-Stück [Into the forest my wounded arms wide open] konkurrieren schnelle glitchige stereophone elektronische Beats mit digitalisierten Feldaufnahmen und Synthesizer-Pads; anderswo akzentuieren Sub-Bass-Drops statisch gefüllte Landschaften. Ich kann mir nur vorstellen, wie das Erleben dieser Werke in Surround Sound in großen Soundsystemen die Art von Ehrfurcht hervorrufen würde, von der sie selbst inspiriert sind.

Peter Hollo, FBi Radio, November 21, 2021

[Marie-Jeanne Wyckmans:] Ihre Werke spiegeln ihr Interesse an imaginären Welten wider, wie die Welten, die das Radio überträgt, das sie täglich hört, und sie diese Welten als imaginäre Landschaften wiedergibt, in denen ikonische und transformierte Klänge als Landschaften fungieren, die sich den Hörern repräsentieren. Sie vermitteln auch ihre Fähigkeit – die sie in ihrer Karriere als Geräuschemacherin – nicht-instrumentale Klänge zum Sprechen zu bringen, sie ausdrucksstark zu machen, Klangkörper mit Präzision und einem scharfen Blick für die kleinsten, beredten Variationen zu manipulieren, die sie bieten können. Landschaftsaufnahmen und Spielsequenzen sind zu dem Eckpfeiler ihrer Arbeiten geworden. © empreintes DIGITALes

Dieses Album hat mehr mit einem Gedichtband als mit einem Roman zu tun. Zugegeben, die Stücke teilen Bilder und Themen, sowohl musikalisch als auch referenziell, aber jedes bietet sein eigenes Universum und seine eigene Geschichte… daher die langen Pausen zwischen den Stücken, um die Substanz als Echo in der Stille, die auf das Hören folgt, wieder auftauchen zu lassen.

So sind meine Titel wie auch meine Programmnotizen für mich Einladungen, Eindrücke, Anspielungen auf ein unbeschreibliches Gefühl, das die Musik in ihrer unmittelbaren Vielfalt umfassender, wesentlicher ausdrückt: greifbar, wie eine Beschwörung. © Pierre Alexandre Tremblay

Wenn die Zeit gekommen ist, die Musikgeschichte unseres Jahrhunderts zu schreiben, und die endlosen Kämpfe mangels Kämpfern gestorben sind, wird diese Weite des Klanguniversums ihren rechtmäßigen Platz einnehmen. Aber wo ist diese neue Sprache zu diesem Zeitpunkt? Um eine Sprache zu sein, braucht man ein Vokabular, eine Syntax und eine Grammatik; die Freude und der Schmerz der Elektroakustik besteht darin, dass jedes Werk die Erfindung einer eigenen Sprache verlangt, da es sonst, ohne es zu wollen, als Nachahmung versagt. Und dabei haben wir noch nicht einmal über den Stil gesprochen! Jeder Entdecker dieses akustischen Waldes muss eine Spur hinterlassen, die den Hörer leitet, ohne auch nur einen Moment lang den Zauber zu zerstören.

Und genau das ist Normandeau gelungen. Er führt den Hörer nie in ein klangliches Labyrinth, in dem er nicht selbst der Meister und erfahrene Reisende ist. Die Idee der „Hörbarkeit“, die in den letzten 50 Jahren so oft gefehlt hat, kehrt bei ihm mit Macht zurück, ohne dass er sich der Einfachheit oder dem Alltäglichen hingibt. Er spricht seine eigenen Ideen mit seiner eigenen Stimme – jedes Werk ist anders, obwohl es eindeutig zur selben Familie gehört.

Georges Nicholson, Montréal, 1990

Since 1990 they have been one of the most important labels for electroacoustic music for a variety of reasons.

Modern Composition

Julian Cowley, The Wire, no. 455, January 1, 2022
Tuesday, December 7, 2021 Press

Psychologist William James wrote of an oceanic feeling at the heart of religious experience, as the trickling stream of consciousness gives way to a sense of boundlessness. Montréal based electroacoustic composer Dufort prefers to look to the forest as a holistic realm, where human beings may receive intimations of comparably expansive melding with the natural world. Still, extended passages within this 40-minute cycle possess an immersive and potentially overwhelming character, summed up perfectly by that word oceanic. Sepulchral chords and a deep wash of ambient electronics swell the contours of the opening movement. Human voices, or their digitised simulacrum, emerge at the cycle’s close. In between there are crunchy beats and grainy distractions at ground level. Essentially, however, the ear is drawn to the forest’s canopy, with its suggestion of boundlessness beyond.

… a deep wash of ambient electronics swell the contours of the opening movement.

Utility Fog

Peter Hollo, FBi Radio, November 21, 2021
Monday, November 22, 2021 Press

[…] Montréal composer Louis Dufort has been a force in acousmatic music since the 1990s. It’s fascinating to hear the way the more recent electronic music of “the academy” ingests and de-contextualises the electronic music of the dancefloor in its own way. Via empreintes DIGITALes, Into the Forest collects works from Dufort from the last five years inspired by walks in the mountains and forests of Canada, and renders the experience of nature - its pleasures, comforts, and horrors and majesty - through highly artificial means, recalling (in its own way) the bass-heavy distorted electronics of Vladislav Delay’s recent Rakka duology. On this particular 10-minute track [Into the forest my wounded arms wide open], fast-paced glitchy stereophonic electronic beats compete with digitized field recordings and synth pads; elsewhere sub-bass drops accentuate static-filled landscapes. I can only imagine how experiencing these works in surround sound in large soundsystems would inspire the kind of awe they are themselves inspired by. […]

… imagine how experiencing these works in surround sound in large soundsystems would inspire the kind of awe…

Robert Normandeau: toujours rien à voir à l’horizon et… tout à écouter

Alain Brunet, PAN M 360, October 14, 2021
Sunday, November 14, 2021 Press

Nous voilà 30 ans plus tard, trois décennies après nos premières conversations avec le compositeur, pédagogue et directeur artistique Robert Normandeau. Et 17 festivals Akousma plus tard.

L’interviewé de PAN M 360 est issu de la deuxième génération de la communauté électroacoustique, ayant succédé à la première frange montréalaise des Micheline Coulombe Saint-Marcoux, Marcelle Deschênes, Gisèle Ricard, Yves Daoust, Philippe Ménard, Francis Dhomont (rentré en France depuis 2004).

Au tournant des années 90, la communauté électroacoustique québécoise se scindait en deux tendances, l’une encline à l’art multimédia et l’autre fidèle aux vertus de la diffusion acousmatique, c’est-à-dire sans l’image.

Rien à voir, telle était l’approche du premier festival Akousma, fondé par Robert Normandeau, Jean-François Denis et Gilles Gobeil. L’autre tendance lança le festival Élektra, fondé et dirigé par le compositeur Alain Thibault.

Longtemps perçu comme l’antre des purs et durs de l’électroacoustique, Akousma demeura un événement confidentiel pour finalement remporter l’épreuve du temps sous la gouverne artistique du compositeur Louis Dufort. En témoignent les salles pleines du 17e Akousma et l’équilibre atteint entre la poursuite d’une tradition et la porte ouverte aux tendances les plus vivifiantes de l’électro fondamentale. Voilà une des innombrables preuves qu’une bonne piste de création peut mettre beaucoup de temps à être balisée.

En cette dernière soirée Akousma, cette fois consacrée aux pionniers de la profession pour commémorer un 30e anniversaire, il appartient à Robert Normandeau de faire le point sur sa pratique artistique, dont une œuvre récente est présentée à l’Usine C ce vendredi 15 octobre.

PAN M 360: Satisfait des réalisations et du rayonnement du festival dont tu es un des instigateurs et le tout premier directeur artistique?

Robert Normandeau: 30 ans de production de concerts, c’est beaucoup de souvenirs, beaucoup de rencontres et plein de belles et durables amitiés un peu partout dans le monde. Nous avions créé Réseaux des arts médiatiques (c’est le nom sur les Lettres patentes…) à une époque où on voyait disparaître peu à peu des salles les musiques électroacoustiques de concert. Les organismes de l’époque préférant le live, les installations et la vidéomusique. Encore à ce jour, Akousma (c’est son nom usuel aujourd’hui) demeure le seul producteur de ce genre musical au Canada. Ce qui a changé en 30 ans c’est qu’à peu près tout le monde fait au moins peu d’électro dans sa programmation régulière. Alors, oui, sur ce plan on peut dire que c’est gagné, que l’électro n’est plus ghettoïsé dans un coin obscur de l’activité culturelle. Et après avoir «erré» de salle en salle pendant des années, Akousma s’est installé à l’Usine C sous la férule de Louis Dufort et de Réjean Beaucage, ce qui est sans doute l’un des plus beaux écrins pour la musique qui y est présentée.

PAN M 360: Les pionniers d’alors étaient considérés comme des protagonistes de la branche électronique de la musique contemporaine. Quelle est ta perception aujourd’hui?

Robert Normandeau: Les pionniers comme tu dis (Deschênes, Daoust, Dhomont, Coulombe Saint-Marcoux et autres) étaient en fait des compositeurs issus de l’instrumental qui ont fait le saut en électroacoustique. Certains sont restés à demeure, d’autres ont vagabondé. Nous trois (Denis, Gobeil et moi), sommes des «purs»! En ce sens que, essentiellement, nous avons construit nos œuvres et nos pratiques presque exclusivement en électroacoustique. C’est un luxe qu’on peut se permettre lorsqu’on vit à Montréal… ou en Europe. Ailleurs en Amérique du Nord, c’est pratiquement impossible. Trop peu de structures professionnelles, trop peu d’opportunités de jouer en concert, trop peu d’aide aux artistes. Bien que nous soyons plutôt du côté de la musique acousmatique, la situation culturelle à Montréal est encore meilleure qu’elle ne l’était en 1991. Certes, la jeune génération ne pratique plus beaucoup la musique acousmatique, remplacée par toutes les autres déclinaisons du genre, mais les opportunités de jouer, de participer à des créations collectives (danse, théâtre, installations) se sont multipliées. Et en revoyant des ancien. nes étudiant. es au festival cette semaine, je constate que nombre d’entre eux. elles, après avoir terminé leurs études il y a plusieurs années, sont encore actif. ves dans le milieu. C’est très réjouissant de constater cela.

PAN M 360: On pourrait en parler longtemps mais peux-tu esquisser une brève comparaison entre la programmation 1991 et la programmation 2021?

Robert Normandeau: En 1991, et par les années suivantes, soit jusqu’en 2005, première édition d’Akousma, notre programmation était principalement dédiée à la musique acousmatique, présentée sur des orchestres de haut-parleurs. Notre première série régulière se nommait Rien à voir. Il n’avait en effet rien à voir, mais surtout, elle n’avait rien à voir avec la musique instrumentale! Nous y avons fait venir – la présence des compositeurs était essentielle pour nous – des artistes dont nous aimions les musiques et qui habitaient un peu partout sur la planète. Lorsque nous avons fondé Akousma, c’était pour élargir notre horizon d’une part, et parce qu’on se rendait bien compte que la pratique changeait, même chez des compositeurs acousmatiques. On a donc incorporé le direct, les installations, la vidéomusique, la danse par exemple. Et qu’on retrouve-ton à Akousma cette année? Un peu de toutes ces pratiques, avec une forte présence de la musique acousmatique! C’est qu’au fond, d’une direction artistique à l’autre, ce qui est demeuré chez nous, c’est l’idée de présenter des musiques de concert, dans les meilleures conditions possibles. Après l’éclipse créée par la pandémie, on se rend bien compte aussi que le rituel de l’écoute en salle, entouré d’auditeurs attentifs, demeure une expérience irremplaçable.

PAN M 360: Parlons de tes œuvres au programme. D’abord L’engloutissement (16:25), que tu expliques ainsi dans les notes de programme:

«Le titre L’engloutissement m’est venu de la lecture du livre de Francisco Goldmann, Say Her Name, lu au Mexique où le livre se déroule en grande partie. Récit de la mort de sa jeune femme survenue sur le bord de la mer, ce livre m’a renvoyé à un événement personnel survenu à l’été 2012 où, bien qu’excellent nageur, j’ai failli me noyer. L’engloutissement est celui ressenti dans l’eau, prisonnier de l’eau où, à trois reprises, je suis arrivé à remonter à la surface, pour ensuite redescendre vers le fond, coincé dans une structure trop lourde. C’est une expérience que je n’avais jamais vécue et qui, curieusement, était exempte de la peur qu’on peut imaginer ressentir dans de telles circonstances. Je m’en suis finalement tiré sain et sauf, avec une migraine intense.

Le seul traitement sonore utilisé ici a été l’extrême ralenti. C’est un hommage à l’artiste américain Bill Viola, dont la rétrospective vue au Grand Palais à Paris en 2014 m’a profondément touché.

L’engloutissement est une œuvre immersive, destinée à être présentée dans un dôme de haut-parleurs.»

Trois sources d’inspiration donc: La noyade de Say Her Name, ta mésaventure personnelle et la rétrospective de Bill Viola. Comment ces sources d’inspiration se manifestent-elles dans L’engloutissement?

Robert Normandeau: Elles se manifestent à la fois sur le plan sonore, sur le plan personnel et sur le plan formel. Sur le plan sonore, la pièce est faite presque exclusivement de sons d’eau; plongeons et vagues. Sur le plan formel, la pièce est faite d’une seule technique d’écriture: l’extrême élongation des matières sonores. Sur le plan personnel, elle représente un nouveau cycle d’œuvres où j’ai tendance à penser mon travail en termes littéraires ou picturaux, plutôt qu’exclusivement musical. Je raconte une histoire. C’est une aventure émotionnelle que je propose à l’auditeur. C’est un film en quelque sorte. Pas tant un cinéma pour l’oreille comme je l’ai déjà défini par ailleurs, mais plutôt comme une aventure immersive destinée à communiquer une expérience sensible. Quant à Bill Viola, c’est un artiste que je fréquente (professionnellement s’entend) depuis très longtemps. Mais lorsque j’ai vu la rétrospective au Grand Palais à Paris, cela m’a fait rendre compte qu’un artiste peut utiliser plus ou moins les mêmes techniques, et les mêmes ressorts émotifs d’une œuvre à l’autre, sans que jamais on n’ait le sentiment d’une répétition ou d’une redite. C’était littéralement, pour moi, une expérience transcendante. Et comme lui, j’ai utilisé des techniques d’extrême ralentissement afin que l’on puisse découvrir l’intérieur même de la matière sonore en mouvement.

PAN M 360: La deuxième œuvre au menu d’Akousma s’intitule Ravissement (15:21), en voici un extrait des notes de programme:

«Le mot ravissement renvoie à deux sens: celui, spirituel qui consiste à être transporté dans un monde surnaturel et celui de ravir, d’enlever.

Sur le plan musical, cette pièce emprunte l’idée du laminage, qui est, d’une part, un procédé de fabrication par déformation plastique et d’autre part, au figuré, l’action de réduire très fortement l’importance de quelque chose ou de quelqu’un. Ce qui est déformé ici, c’est le temps. Le temps et les spectres sont étirés ici au-delà des seuils de perception. Et au figuré, ce qui est réduit, ce qui est ravi, c’est l’identité des sources musicales utilisées.

En 2018, j’ai été invité à collaborer au plus récent projet de la chanteuse et violoncelliste Jorane. Mon travail de composition consistait à traiter en temps réel le matériel musical de la soliste, des chanteuses et du quatuor à cordes. C’était un retour au temps réel pour moi, qui avait été au cœur de mes premières expérimentations électroacoustiques et que j’avais un peu délaissé au cours des trente dernières années…

Cette pièce est le résultat d’un mélange entre les matériaux créés pour le spectacle présenté en mars 2019 et ceux qui ont été générés lors de deux résidences de création. La première a eu lieu au Virginia Center for the Creative Arts (VCCA) à Amherst (Virginie, ÉU) en octobre 2019, alors que la seconde a eu lieu à Nice en novembre 2019.

Le ravissement comprend neuf mouvements: L’arrivée; Le doute; La crainte; L’extase; L’agitation; L’appel; Le détachement; Le ravissement; La disparition.»

Cette collaboration avec Jorane a donc généré une œuvre de son côté, puis une autre du tien?

Robert Normandeau: Oui exactement. Jorane a publié une musique qui se nomme Antimatière que nous avons co-composé et qui devrait ouvrir son prochain spectacle. De mon côté, j’ai utilisé avec sa permission et celles de ses musiciens, les matériaux sonores d’un spectacle que nous avons fait ensemble en 2019. C’est le matériau exclusif de cette musique.

PAN M 360: Que retiens-tu de ce «retour au temps réel»? En quoi cela a-t-il modifié la trajectoire de Jorane? Comment cela ensuite pu nourrir une œuvre distincte de ta part?

Robert Normandeau: Jorane était arrivée à un point dans sa vie d’artiste où elle avait envie d’explorer des matières sonores plus expérimentales dans lesquelles l’espace jouerait un rôle important. Un ami commun nous a mis en contact et je lui ai fait écouter une de mes pièces sous un dôme de 32 haut-parleurs. Cela l’a séduite et nous avons ainsi commencé une collaboration. Mon rôle était de faire des transformations en direct des voix et du quatuor à cordes pendant les spectacles. Afin d’ajouter une touche électro à une musique par ailleurs essentiellement instrumentale. Je ne peux parler pour elle, car maintenant nos trajectoires, pandémie oblige, ont légèrement bifurqué, mais aujourd’hui elle vient de sortir son disque Hemenetset, sur lequel figurent deux artistes électroniques! De mon côté, lorsque j’ai la chance de collaborer avec des artistes d’autres disciplines, j’essaie de profiter de ces rencontres pour élargir mon vocabulaire et mes intentions. Je l’ai fait beaucoup au théâtre, notamment avec Brigitte Haentjens où plus de la moitié des musiques que j’ai composées pour ses productions se sont retrouvées dans une salle de concert.

PAN M 360: Comment peux-tu situer ce travail présenté vendredi dans ton propre processus évolutif? Vers quoi ça te mènerait? Nul n’est devin mais…

Robert Normandeau: Depuis 2001, j’ai entrepris un cycle d’œuvres qui se nomme Spatialisation timbrale. Je travaille avec des dispositifs de haut-parleurs immersifs, surtout des dômes. Et je place les auditeurs au centre de ces dômes. La musique est spatialisée, mais ce travail est plutôt de l’ordre de l’immersion que des trajectoires. Notre oreille est très sensible au déplacement des sources sonores, même si celui-ci est léger. Cela a déjà été une question de survie pour l’espèce! J’utilise des sons complexes, comme des sons de vagues ou de vielle à roue, que je décompose et que je diffuse sur des haut-parleurs différents. Les timbres originaux se recomposent ensuite dans l’espace, mais de manière légèrement différente d’un auditeur à l’autre selon sa place dans la salle. Idéalement, je préfère présenter mes musiques dans des [lieux de type] black box, afin de laisser aux auditeurs la possibilité de circuler pendant le concert. C’est une expérience très dynamique sur le plan de la perception de l’espace. Pour paraphraser McLuhan: Le médium, c’est l’espace. À l’Usine C, l’expérience sera un peu différente, mais le volume est tellement fantastique que cela devrait rendre justice aux œuvres. Je travaille personnellement dans un dôme de haut-parleurs depuis plus de 10 ans maintenant et dernièrement j’ai pu faire l’acquisition d’un dôme complet de 24 hp. Donc ces musiques n’ont existé que sous cette forme. Il s’agit d’un nouveau format pour cette musique. Et comme Denis Villeneuve, le cinéaste, je compose pour le grand écran!

Les deux œuvres de Robert Normandeau présentées au concert de vendredi viennent d’être publiées sur empreintes DIGITALes, soit au sein de l’album Mélancolie.

30 ans de production de concerts, c’est beaucoup de souvenirs, beaucoup de rencontres et plein de belles et durables amitiés un peu partout dans le monde.