Premiere

• February 6, 1972, Concert, Musée Guimet, Paris (France)

Moqueur, remix du troisième des Portraits de l’Oiseau-qui-n’existe-pas (n^o 15 — 1963), conçu à l’origine pour les images animées du peintre Robert Lapoujade, est un “vintage”, une archive de mes débuts: ma première œuvre!

Des figures instrumentales écrites «pour le microphone» (c’est à dire pour le gros plan) se trouvent bousculées, cassées, propulsées en grappes volubiles, incorporant chants d’oiseaux véritables et électroniques, rires et accents. La scène avance en formes rebondissantes et en traits colorés qui fusionnent et retombent en cascades.

Triste survient, opposant de sombres et lentes trajectoires à des jacasseries irritées, dans une technique de travail “à la main” directement sur platine tourne-disque (quelques decennies avnt les pratiques DJ!).

L’ensemble s’équilibre avec le troisième rêve Zen, serein et argenté, apposant sur un tremblé harmonique les dessins irréels d’un uirapuru véritable, cet oiseau du Brésil qui annonce la mort paisible (ce moment provenant de l’Expérience Acoustique).

[source: Réseaux des arts médiatiques]

«Des Espaces, à distance je n’ai plus le désir d’alors d’en montrer le «message». Cette œuvre romantique a l’excuse d’être courte, et nos oreilles d’aujourd’hui seront plus surprises de la concision japonaise de chacun des mouvements que par le champ symbolique entrouvert par leurs titres. Un intérêt plus actuel porterait sur l’écriture et les techniques dans ce qui fut ma première œuvre véritable (celle qui m’a lancé sur mes idées d’aujourd’hui).» (Bayle, 2000)

«Cette pièce fut réalisée dans un studio disposant de cinq magnétophones, mais sans appareillage particulier à l’exception de deux filtres continus, et d’une chambre d’écho. Les sons d’extérieurs (bruits marins, bruits d’usines, klaxons dans le radôme de Pleumeur Bodou) ont été enregistrés en stéréophonie (un exploit technique pour l’époque — 1966), et manipulés de même, d’où certains effets étranges dans les transpositions graves. Une prise de son de cithare et de piano joué dans les cordes a complété le matériel (j’indique ces conditions — relativement simples — à titre d’encouragement aux jeunes compositeurs).» (Bayle, 1967)

L’œuvre est ici remixée à partir des sons originaux le moins possible restaurés.

Premiere

• May 30, 1967, Concert, Studio 105 — Maison de la radio, Paris (France)

Premiere

• February 4, 1971, Concert, Halles Baltard, Paris (France)

Premiere

• August 3, 1972, Festival d’Avignon 1972: L’expérience acoustique, Cloître des Célestins, Avignon (Vaucluse, France)

«[…] Le mouvement suivant présente dans un autre rapport de grossissement des matériaux voisins, dans un léger grouillement de bruit de foule: en sous-titre match nul, pour indiquer l’équilibre des contraires, du jour et de la nuit, de la foule et de l’unique, de l’articulé et de l’inarticulé, de la lutte pour un but mystérieux, caché. Le troisième et bref mouvement qui suit, projette brusquement dans une violente intensité la même foule. En sous-titre solitioude démystifie la situation, pour écarter toute dramatisation. Éclaboussures de foule, applaudissement de mer, cette «pop-nature» en trompe-l’oreille s’efforce de rendre sourd au charme-choc des sirènes (de police!)». — François Bayle, 1994

[source: Réseaux des arts médiatiques]

Il m’a été suggéré de faire figurer à ce programme un «classique» du répertoire électroacoustique, le voici: Substance du signe (extrait le L’Expérience acoustique) de François Bayle.

Depuis longtemps cette pièce me retient. Une singulière ténacité est ici à l’œuvre! Voici l’aventure d’un son, un son paradoxal, à la fois acide et fragile, complexe et limpide, acéré et bruiteux. La typologie schaefférienne l’identifierait globalement comme allure — et il ondule effectivement dans une sorte de fuite immobile résolue éperdue. Mais s’agit-il d’un son ou d’un principe de sons, d’un bouquet de sons — à travers lesquels on perçoit une identité, une teneur: cette «substance du signe», et non du son?

De la série de catastrophes qui s’abat sur lui — coupures brutales (par inserts fichés dans la bande comme des coins dans le bois, raccords qui le font «changer de pied» dans sa course), tentative de noyade (par mixages avec des masses hétérogènes) — il émerge toujours à nouveau, se démultiplie sans cesse. Le silence devient son attente. Il fait partie de ces «sons débordants» dont Bayle a le secret, et qu’on ne peut s’empêcher de continuer à entendre intérieurement une fois que la musique est finie (autres exemples dans La Langue inconnue ou Toupie dans le Ciel…).

Il y a, au fil de l’écoute, le sentiment d’être en présence d’un phénomène qui défie les lois physiques (Le sommeil d’Euclide, déjà). Un tel mouvement ne puise pas sa force à une source habituelle. Est-il mouvement de l’âme? Celle dont, par exemple, parle Michaux lorsqu’il dit: «L’âme adore nager. (…) On parle souvent de voler. Ce n’est pas ça. C’est nager qu’elle fait»?

[source: Réseaux des arts médiatiques]

Premiere

• August 3, 1972, Festival d’Avignon 1972: L’expérience acoustique, Cloître des Célestins, Avignon (Vaucluse, France)

Premiere

• February 5, 1973, Concert, Théâtre Récamier, Paris (France)

Premiere

• April 7, 1975, Cycle acousmatique 1975: Concert, Grand Auditorium — Maison de Radio France, Paris (France)

Le titre montre l’allusion à cette chambre noire qui le lieu où se forme une image, c’est-à-dire qu’ici, ce n’est pas le noir, c’est le silence. Le son se dessine sur du silence, les contours du visible se dessinent sur l’invisible qui, en son, est le silence. Nous avons un conditionnement avec ce titre. Fin de staccato, toccata, vibrato, rubato, mouvements de l’ordre d’une minute. Les pas… Si l’on mesurait en centimètre de bande la durée effective de ces marques de pas, on s’apercevrait que cela ne fait que quelques mètres, quelques secondes, mais la prégnance est considérable. Il y a effectivement des marqueurs très forts qui impressionnent fantastiquement la conscience. Les manifestations de présence laissent une trace très significative. Ce qui me préoccupait dans Camera oscura, c’était de passer, d’offrir une sorte de mise en commun à l’auditeur, un contour stéréotypé, quelque chose qui soit clairement identifiable, et pourtant ambigu parce qu’on entend des pas mais on entend aussi une balle qui rebondit. Et cette balle qui rebondit reflète dans l’espace et montre aussi le volume, révèle le volume dans lequel s’est effectué le «tournage» de cette scène. Tout autant que les indices, il se passe aussi là-dedans qu’une certaine énergie incluse montre, annonce le type de développement. Quand on entend une balle qui rebondit, on sait qu’il va y avoir un certain nombre de rebonds, que le phénomène va s’étaler dans un certain laps de temps, et dans une certaine mesure on l’attend mais on attend aussi toutes les déviations. Les pas qui circulent annoncent aussi leur programme, on attend les déviations et les manquements au programme. Tout d’un coup, on entend un bruit de porte, et puis rien de reconnaissable. Petit à petit, de ce premier schéma très figuratif résulte un second schéma, comme un calque du précédent qui va en relever les contours de façon beaucoup plus abstraite. Il ne va plus y avoir que des lignes. Il ne va plus y avoir ensuite que des évolutions entre des lignes très droites et des lignes très capricieuses. En fin de compte, ça se termine ainsi en phénomènes énergétiques complètement abstraits qui profitent de la charge de concret annoncé par les événements antérieurs. Tout se passe comme s’il fallait fournir à l’attention non causale sa livraison de vraisemblance de façon que l’invraisemblable puisse s’effectuer en toute liberté.

[source: Réseaux des arts médiatiques]

Premiere

• November 19, 1976, 5^es Rencontres internationales de musique contemporaine, Metz (Moselle, France)

Premiere

• July 4, 2012, Raum-Musik 2012: François Bayle, Musiksaal — Universität zu Köln, Cologne (Nordrhein-Westfalen, Germany)

Le titre — en hommage musical à Max Ernst — veut évoquer le monde des images auditives accordées à la fantaisie des rapports inattendus. L’étrange naît du familier. Que rappellent ces roulements, ces murmures, ces élans, ce chant, ces rondes paisibles, ces éclats soudains, ces calmes revenus? Les propriétés souterraines de l’écoute bousculent doucement les idées… Le trajet de l’œuvre pourrait aussi figurer le déroulement dramatique d’une journée (d’une vie?), du lever du jour (climat 1) jusqu’à la nuit (paysage 4), en passant par des rencontres inquiètes, des transits (1 à 3), préparant au drame qui se noue au paysage 3 avant de se dénouer au climat 4. La ‘narration’ organise des valeurs musicales réglées où s’équilibrent, s’ajustent et s’enchaînent des températures harmoniques, des espaces clos, des mouvements sourds, un moment d’affolement, des brillances, une reprise grave qui reste en suspens…

Premiere

• March 19, 1979, Cycle acousmatique 1979: Concert, Grand Auditorium — Maison de Radio France, Paris (France)

«… si les poissons distinguent à la façon de l’esthète les parfums en clair et foncé, et si les abeilles classent les intensités lumineuses en termes de pesanteur, l’obscurité étant pour elles lourde et la clarté légère…» Ces suppositions, trouvées dans Lévi-Strauss, conviendraient assez bien aux variations de la pensée perceptive à l’écoute de cette rêverie. Distance, vitesse, pression, densité, température, couleur, intensité, constituent les «thèmes» des 27 brèves cellules qui s’enchaînent et se fondent dans l’apparente unité du mouvement. Une onde se balance sur deux tierces mineures. Le balancement grave, toujours le même et toujours varié, tourne dans une myriade de dessins aigus clignotant en couches de densité et de mobilité croissantes. Par moment le tissu est troué de ciels piqués de petites comètes. Au centre un lent glissement accroche des harmoniques lointaines de l’accord de base. Vers la fin revient ce grand glissement qui part en flammes. Fines lignes et ronflements proviennent du chant d’une toupie ancienne en rotation. Et enfin (pour le sourire) Toupie dans le ciel, par son titre, se rappelle de Lucy in the sky (with diamonds) des Beatles, Lucie, la plus ancienne australopithèque (3 millions d’années), notre grand-mère africaine, dans l’Érosphère. Le titre d’Érosphère fait allusion au désir contenu dans l’écoute et renvoie aux repères très primitifs qui entretiennent l’attention auditive et fondent le plaisir musical.

Premiere

• November 18, 1983, 12^es Rencontres internationales de musique contemporaine, Metz (Moselle, France)

Premiere

• March 23, 1981, Cycle acousmatique 1981: Concert, Grand Auditorium — Maison de Radio France, Paris (France)

Premiere

• March 23, 1981, Cycle acousmatique 1981: Concert, Grand Auditorium — Maison de Radio France, Paris (France)

Premiere

• November 18, 1983, 12^es Rencontres internationales de musique contemporaine, Metz (Moselle, France)

D’abord mon amour pour Jules Verne (Espaces inhabitables, Jeîta) ses symboles. Autant que mon impossibilité à ne pas refléter l’expérience surréaliste dont ma génération est héritière. C’est ainsi qu’on y «voit» se rencontrer deux images sonores qui se mettent à se parler, se répondre, s’épouser comme deux fragments de la même: l’image transformée d’un chant de monastère, et celle — normale — d’une femme chez elle faisant son café (intérieur à la cafetière vs centre de la tête!).

Cette section est en effet dédiée à «l’intérieur». L’objet entre en nous.

J’avais écrit lors de la création, dédicacée à P Schaeffer, P Henry, I Xenakis — ensemble, «nous avons en nous une harpe de sons silencieux, que les sonorités extérieures viennent toucher, comme si elles étaient des doigts. Seuls les premiers — les silencieux — nous font musique, lorsque les doigts — les sons extérieurs — sont habiles…»

[source: Réseaux des arts médiatiques]

Premiere

• April 23, 1982, Cycle acousmatique 1982: Concert, Grand Auditorium — Maison de Radio France, Paris (France)

Deux «formes» occupent l’espace d’écoute dans cette œuvre. L’une est modifiée de façon radicale, et en deçà de la perception, créant un espace d’illusions, un effet d’irréel. L’autre est agitée avec rudesse et sur des fragments appréciables afin que l’oreille puisse suivre et reconnaître les degrés d’ordre et de désordre volontairement introduits.

La transformation de la première «forme» — issue d’un prélèvement bref dans un grincement de poulie — consiste en progressifs étirements et glissements descendants très fins, diversement transposés. Le traitement a utilisé un instrument de gel et de brassage conçu par B Mailliard, et qui a offert une grande variété de morphologies dentelées.

Avec le même instrument a été traitée une seconde «forme» constituée d’un échantillon de chants et bruits de puiseurs d’eau (une noria en Inde…). La réminiscence du cri de la poulie dans le chant de travail du puisage m’a paru être déjà une «transformation naturelle». L’animation sur des coupes plus grossières permettait par contraste d’obtenir des gradations de spatialité, des courbures plus affirmées.

Les fragmentations de cette deuxième «forme» jouent par ailleurs le rôle de motif par rapport à la composition générale d’un ensemble où prend place cette pièce, qui reprenant le matériau d’un mouvement antérieur — Paysage, personnage, nuage — en prolonge l’écoute dans l’idée d’un travail sur l’image de son, tour à tour icône (ou im-son), diagramme (ou di-son), métaphore (mé-son).

Les phonographies présentées à l’état presque naturel dans la partie antérieure sont ici «filtrées» et données à l’état que je propose de désigner du terme de diagramme, ou dessins ne retenant que quelques indices du référent initial, et organisés, variés, du seul point de vue de la géométrie des formes. Naturellement ce mouvement s’apparente à une berceuse. Ou un nocturne.

[source: Réseaux des arts médiatiques]

Premiere

• November 18, 1983, 12^es Rencontres internationales de musique contemporaine, Metz (Moselle, France)

Premiere

• July 6, 1989, Manca 1989: Jumelage Montréal — Nice, Cloître — Monastère de Cimiez, Nice (Alpes-Maritimes, France)

Awards

• Distinction, Computer Music, Prix Ars Electronica 1989, Linz (Austria)

1^er mouvement

De quoi se libère l’art de sons invisibles? Et puisqu’il s’agit ici dans cette œuvre, d’une expérience qui bien sûr m’implique, à quel théâtre me suis-je donc livré en libérant ces ombres? D’abord il faut préciser le propos, lisible dans la fiction qu’évoque le titre-même. Les ombres désignées sont évidemment ombres de sons. Et qui alors deviennent des images, des contours, des formes, des empreintes, des traces, et même des signes. En jouant avec ces formes — ces ombres — je veux sans doute prendre distance avec un principe ancien qui traditionnellement régit le fait musical: celui de l’interprète, personnage constituant et organisant l’écoute en l’installant dans un présent actif. […]

[source: Réseaux des arts médiatiques]

Commande de l’État (Direction de la musique, France) et de l’Ina-GRM (Paris). Création le 6 juillet 1989, Nice — Cloître de Cimiez — Festival MANCA. Prix Ars Electronica 1989.

Premiere

• November 10, 1992, Aujourd’hui musiques, Perpignan (Pyrénées-Orientales, France)

“Considered by many to be France’s most important composer of electroacoustic music, it was this wonderfully kind and generous person who first introduced me to contemporary French musical culture. He is a person with keen insight into people and music. I am honored to be one of his friends. For twenty-five years we spoke only French before he would admit that he spoke English as poorly as I speak French!”

— Jon Appleton [xi-97] [source: Réseaux des arts médiatiques]

Premiere

• November 25, 1989, Concert, São Paulo (Brazil)

Premiere

• February 20, 1995, Cycle acousmatique Son-Mu 95: Solo: François Bayle, Salle Olivier Messiaen — Maison de Radio France, Paris (France)

Relancés par une énergie giratoire, par l’exposé d’une scène, d’un paysage aux personnages harmoniques, des éléments disloqués s’assemblent. Une figure finale survient, moment éphémère.

Je pensais — mais parce que c’est au-delà de l’audible je n’ai pu mieux m’en approcher — à ces belles lignes de Borgès, où se chante la nouvelle alliance, la nouvelle expérience, qui agite les vibrations, les noue, les défait: «Plus incroyable encore qu’une fleur céleste ou qu’une fleur de songe est la fleur future, cette fleur contradictoire, composée d’atomes qui occupent aujourd’hui d’autres places et dont l’agencement n’existe pas encore», (JL Borgès, Autres Inquisitions).

[source: Réseaux des arts médiatiques]

Premiere

• February 20, 1995, Cycle acousmatique Son-Mu 95: Solo: François Bayle, Salle Olivier Messiaen — Maison de Radio France, Paris (France)
• October 31, 1998, Premiere of the 8-channel version: Rien à voir (4): rétrospective 2, La Chapelle — scènes contemporaines, Montréal (Québec)

Premiere

• April 22, 1996, Cycle acousmatique Son-Mu 96: Concert, Salle Olivier Messiaen — Maison de Radio France, Paris (France)

Parmi les métaphores supérieures — dont la musique offre justement la plus notoire réussite — celle du ciel en est bien proche. On y rattachera ces autres: celles de la lumière, de l’espace, et des anges, l’effet troublant des nuages, tourbillons colorés, aurores, ou encore de l’invisible, de l’au-delà…

Comment rester insensible à tant d’attraits acousmatiques? Aussi bien n’est-ce que par morceau que je tenterai de m’en approcher…

Ayant dans une autre œuvre salué ceux de ma parentèle, c’est à mes maîtres des années soixante, Karlheinz Stockhausen et Olivier Messiaen, que j’ai pensé adresser cette méditation, sur le mystère des qualités et des couleurs.

Commande spéciale du Ministre pour le cinquantenaire de la musique concrète. [Version stéréophonqiue réalisée en 1997.]

Premiere

• January 9, 1998, Cycle acousmatique Son-Mu 98: Concert, Salle Olivier Messiaen — Maison de Radio France, Paris (France)

La nature — ce réservoir d’organismes et de formes temporelles — propose bien des schèmes à notre imagination rythmique: respiration, pulsation, flux et reflux, cycle du jour ou des saisons… Leurs dessins, leurs textures forment le sol, le tapis de l’existence.

Les figures de temps, dont la trace sonore révèle le mouvement intérieur, surprennent par leur vocabulaire familier. Susciter un désir ou plaisir d’écoute à partir des perceptions plutôt temporelles, de leurs élans, images, figures, éclats, tel est bien le projet, son idée dynamique.

Plusieurs «moments» que de mêmes entités traversent vont chacun s’attacher à montrer un aspect du «grain» du temps pour en prolonger l’émotion potentielle.

Voici, mises en œuvre, quelques figures du temps. Il y a celle qui presse et fuit, — qui bat et martelle, — qui déferle en vague, — qui se retire, s’inverse, — qui éclabousse en gerbe, — qui ruisselle en pluie, — qui coule, en s’égrenant, — qui perle lentement, — qui gicle par saccades, — qui gire en tourbillon, — qui s’évapore…

Variations du «coup» à la «trace», de la pulsation épaisse à la mélodie, de la cloche et son mystérieux pouvoir inharmonique jusqu’au poudroiement des sillages et des orbes aux vitesses variées, en passant aussi par la pulsation et ses «allures».

Contemplation aux harmoniques pythagoriciennes bien sûr, puisqu’ainsi parle le poète:
[…] Pythagore révèle à ses Grecs / que la forme du temps est le cercle…
[…] Tout arrive pour la première fois, mais de manière éternelle.
Celui qui lit ces mots les invente.
— JL Borgès, Le Chiffre (1981)

En cinq étapes le parcours d’écoute aura accompli un trajet, celui de l’unité temporelle allant vers son grain le plus fin, et la perception sensible s’aiguisant progressivement dans son appréciation des images et des formes.

La fugacité des couleurs, la vélocité des figures iront se résoudre en spirale (cette forme tri-dimensionelle du cercle), selon laquelle l’image-son initiale (les cloches) va se trouver prolongée à l’infini dans l’image-son finale: celle des grillons d’été dans la nuit d’un temps suspendu, rêveur.

Premiere

• January 12, 2002, Multiphonies 2001-02: Concert, Salle Olivier Messiaen — Maison de Radio France, Paris (France)

… bouillonnement, pression du temps

L’effervescence sonore s’installe et comme un gaz occupe le volume d’écoute.

Mais celui-ci semble comme troué de soudaines amnésies, de parasitaires réminiscences. D’irréelles plages de durées venues d’ailleurs s’interposent. Etranges multiples.

… espacement, temps-miroir

L’air du temps porte le son et ses reflets…

De même que deux tonalités ne sont jamais aussi éloignées entre elles que décalées d’un petit intervalle, de même des sonorités très différentes peuvent aisément fusionner, tandis que très proches elles resteront distinctes.

Ce qui alors vient me chanter comme musique, c’est le jeu de ces associations-dissociations entre figures proches et images lointaines. La perception immédiate les appréhende comme une odeur. L’animalité de l’écoute y flaire une piste et, retournant la mémoire des formes, retrouve les schèmes et les désirs enfouis.

Alors la représentation fonctionne: je m’y reconnais!

Les ailes du temps portent les reflets du son.

Ainsi l’écho des cloches sur les murs des cours intérieures (et singulièrement celles de l’église Saint-Séverin d’où je les écoute chaque jour depuis 30 ans, avec en prime les «piafs» des moineaux qui en cadence y répondent…)

… si proche (à quinze mètres à peine)… si loin (je ne suis pas oiseau)

Ainsi les «coups» que j’imprime aux flûtes de Pan, les reflets dont j’organise les «délais»

Et les différences microtonales, les fusions des matières, les percussions de souffle, les accents dans les lignes. Les mutations de proche en proche, les distances…

L’air porte les ailes.

Le temps porte les battements.

Premiere

• January 8, 2000, Multiphonies 1999-2000: Concert, Salle Olivier Messiaen — Maison de Radio France, Paris (France)

… morcellement, temps interne

Entités agitées, glissées. Figures presto-subito, gigues presque lentes. Étirements contractés, accents contrariés, points espacés, lignes harmonisées. Où est-on, où en est-on?

Quelle est cette agitation, palpitation, altération?

Suis-je concerné par ce fourmillement, tremblement? Suis-je au milieu de cette toile d’araignée qui vibre?

Suis-je le lieu de cette vibration temporelle? De ce phénomène? Vite oublié…

Mais, pourrait-t-il…quand et pourquoi, et pour qui d’autre… se reproduire?

(Ne suis-je moi-même un «tempo-phénomène»?)

Premiere

• October 21, 2000, L’Espace du son 2000: Concert, Théâtre Marni, Brussels (Belgium)

… déplacement, pulsion du temps

Qu’est-ce qu’une «allure»? C’est — dans le solfège concret schaefferien — la qualité fluctuante de l’entretien d’un son. Le mouvement qui anime d’une pulsation interne la vie d’une résonance, qui bat… (à ne pas confondre avec le «vibrato», oscillation mélodique s’apparentant au trille).

Le mot vient du verbe «aller», manière d’aller, démarche (raide ou souple, régulière ou boitillante) dans la vie dynamique de l’être-phénomène.

Le «pulse» de ces êtres. Mon «pulse» participatif.

C’est aussi, l’allure ou manière d’être, ce qui ne peut cacher la faille psychologique: la «dégaine», cette marque de l’expérience (celle du temps).

Créée le 20 octobre 2000 sous le titre Trois, quatre allures (8m30s) au Théâtre Marni(Bruxelles, Belgique).

Premiere

• October 21, 2000, L’Espace du son 2000: Concert, Théâtre Marni, Brussels (Belgium)

… ruissellement, temps tourbillon

D’abord la grêle légère de ces «grains» du temps qui coule comme d’un sablier et grignote la durée étale, l’anime de risées comme le vent en bouffées sur l’eau, accélérations légères dans la vélocité immobile…

Puis ces souffles glissés qui doucement montent en parcourant circulairement l’aire d’écoute…

Puis ces figures, en forme de constellations que le vent encercle…

Puis ces cercles qui s’agrandissent, s’encerclent eux-mêmes concentriquement, s’animant, s’apaisant…

Puis ce grain fin qui tisse sa trame et celle-ci qui s’étoffe et couvre l’espace…

On l’aura compris, ce jeu pourrait durer…

Premiere

• October 21, 2000, L’Espace du son 2000: Concert, Théâtre Marni, Brussels (Belgium)

Ombrages et trouées

Se glisser à l’intérieur du temps d’une étincelle! Comme sous un arbre, s’y installer…
Un grand frisson va couvrir de sa ramure une zone de bruissements trouée de lumières et de couleurs.
Le continuum multi-résonant émet des formes. Des marques s’y dissimulent, des figures, des signes. Ici ou là, des entités dynamiques enchevêtrées surgissent. Parfois ces «marques» révèlent plutôt les mouvements de la main-oreille instrumentée, ailleurs des figures naissent d’une volonté de signifiance.
Les accidents de l’attention circulent parmi les appels ou plutôt «papillonnent» de l’un à l’autre dans une danse hérissée, heurtée, multipolaire.
Cinq moments se succèdent, maillés de rappels, d’étirements: formes espacées; formes resserrées; formes enchevêtrées; formes contrastées; formes ondulées.

Couleurs inventées

Deux sensibilités auditives s’expriment dans ce diptyque, deux conceptions de la forme papillonnante: l’espace polymorphe étalé — dans ombrages et trouées, le temps polychrome tenu en suspens — dans couleurs inventées.
Après l’intensité survient ici un moment de calme. Ne s’offre plus à entendre, dans sa “concrète immaterialité”, que l’image multiple de résonances colorées et galbées, pour seulement en faire jouer (ainsi que d’un rouge posé sur des lèvres bien dessinées) ses volumes et ses brillances.
L’écoute mise sous pression par ce qui précédait, tout à coup s’enlève et se dilate comme un gaz chaud, ascendant.
Cinq «micro-climats»: couleurs claires; couleurs sombres; couleurs nocturnes; couleurs graves; couleurs éclatées, jusqu’à un moment quasi central, couleur-cristal (de 6:58 à 7:49).
L’écoute colorée bascule alors sur l’écoute dynamisée, qui l’emporte par son martellement jusqu’à la fin avec couleurs-mouvements et couleurs-temps.

Premiere

• October 8, 2004, Concert, Cologne (Nordrhein-Westfalen, Germany)

Créée le 1^er octobre 2002 sous le titre Couleurs (13m00s) au Théâtre Marni (Bruxelles, Belgique).

Composition

• Métamorphoses d’Orphée — Musiques & Recherches, Ohain (Belgium)

Premiere

• October 1, 2002, L’Espace du son 2002: Concert de créations, Théâtre Marni, Brussels (Belgium)

À Karheinz Stockhausen, in memoriam… par sa musique immense il a augmenté l’espace de la terre et maintenant par elle encore il agrandit le ciel…

«L’Univers nerveux de François Bayle est à la fois serré et ouvert. C’est un espace de circulation maximale où la sonorité se propose plus qu’elle ne s’impose. De grandes distances sont franchies. L’ardeur et la précipitation de cet univers en hyper-vitesses n’est pas oppressant — phosphorescent plutôt: les sons s’illuminent de leurs mouvements.»

— Régis Renouard Larivière

Un tissu vibratile sous haute tension. Espace cosmique ou simplement toile d’araignée (peu importe l’image mentale associée), un réseau tendu de lignes de forces en tout cas. Antenne pour capter des signaux faibles. Parmi les parasites qui arrivent par paquets, sous pression, une forme accidentée, hésitante, dans la région du sous-grave. (Mais peut-on nommer forme quelque chose d’aussi informe?) Pourtant c’est bien elle qui fera «figure» tout au long du morceau, comme question. (Sans réponse) Et il pourra paraître qu’un moment, la «réception» soit meilleure, l’être plus distinct, comme plus proche, (ne semble-t-il pas qu’une voix se manifeste, à plusieurs reprises!) Cette illusion qui dure quelque peu se déchire, noyée dans la matière même des vibrations bruitées. Image ou mirage d’une figure née de la fièvre du mouvement pur, dissoute en lui.

[xii-07]

Premiere

• October 12, 2007, François Bayle — Die Klangwelt der akusmatischen Musik: Portraitkonzert IV, Universität zu Köln, Cologne (Nordrhein-Westfalen, Germany)

Premiere

• July 6, 2012, Raum-Musik 2012: François Bayle, Hans Tutschku, Musiksaal — Universität zu Köln, Cologne (Nordrhein-Westfalen, Germany)

Premiere

• December 3, 2010, Imatronic 2010: _acousmatique & experimentale, ZKM_Medientheater, Karlsruhe (Baden-Württemberg, Germany)

Let’s place ourselves at the intersection of these two paths of musical expectation, horizontal and vertical.

By way of these spontaneous aptitudes, there are in fact two naturel tendencies. That which from a temporal development follows the almost-stable thread, attempting to maintain it, in attaching itself to textural micro-variations. But also that which would rather open to the breadth of the present and of sound, to its blossoming in sound space, from low to high, from near to far, more or less coloured and illuminated by ephemeral harmonies.

Following these two modalities of auditory sensation, the evolution of multiform entities will unfold in gushing, floating and redescending streams.

And these two modes of concretization of the world of forms — lines or surfaces — capture perception in quite specific ways.

While the ‘differential’ ear immediately perceives subtle modifications in duration and irregularities, the ‘arithmetical’ ear instantly discerns relationships of distance and superimposition. One welcomes incessant ‘salianties’, the other perceives and preserves the advent of ‘pregnances’.

“Bring into play these differentiated attractions, articulate contrasting sensations.
Provoke the appearance of ‘crossbred figures’.
Draw paths, perturb them, skim over them…
Cross and disentangle spatial trajectories with multiphonic sound projection. Give oneself room for play.
But first organize the polyphonies, gathering them into beams or showers.
Provoke attentive listening, attract it with brilliances, accelerate it, puncture it with silence.
Sharpen it…”

As a game, I also wanted to revive a few sound-images from previous works. Thus, might evoke a tiny fraction of Motion-émotion (in horizontal-vertical), some glissandi paths from Toupie dans le ciel (in spiral), and the girations of la fleur future (in diagonal)…

— François Bayle [English translation: Valérie Vivancos, xii-12]

Premiere

• October 6, 2012, Multiphonies 2012-13: François Bayle, concert-hommage, Auditorium Saint-Germain — MPAA, Paris (France)

To Christoph von Blumröder

What initially inspired me was the idea of movement, the thrust of a stream. A double thrust, since to that which slowly invades the listening area, this other is also added, the vertical one, which raises (us). Elevation, revelation. Through successive stanzas these two pressures will support each other, one in a smooth way and the other through impatience. Tablecloths and eddies, updrafts.

— François Bayle [English translation: Valérie Vivancos, xii-12]

To Annette Vande Gorne

Figures of flexibility, in several states: the momentum, the gliding flight, the volutes. Then their deployment as gathered bundles, or sheavesfloating… Floating lines, slippery; knotted, tight lines; frictions, blowouts, relapses. These déplacements (shifts) are the plastic ear.

— François Bayle [English translation: Valérie Vivancos, xii-12]