Décidément, le Québec n’a rien à envier aux autres pays en matière de musique électroacoustique. En effet, la province regorge de compositeurs créatifs qui ne cessent de repousser les limites de leur discipline et d’être reconnus internationalement. Même si dans la majorité des cas, la musique de ces compositeurs se rapproche du style acousmatique que l’on peut entendre en Europe, il y a bel et bien quelque chose qui les distingue: ils ont un son et une esthétique bien à eux.

Je vous propose donc une liste de dix œuvres incontournables par des compositeurs et compositrices d’ici afin de découvrir le panorama de notre production électroacoustique.

Crystal Music (1994) de Stéphane Roy

Dans Crystal Music, le compositeur Stéphane Roy traite sa matière sonore comme s’il s’agissait de verre en la dilatant, la moulant, la faisant se transmuter. D’ailleurs, la nature même des sons employés vient rappeler le verre, le cristal. Il y a quelque chose de nerveux, d’instable dans cette pièce. L’œuvre se caractérise par de grandes variations de la dynamique ainsi que par des explosions d’énergie qui émergent soudainement du silence pour ensuite s’éteindre aussi rapidement. À l’écoute, l’auditeur peut trouver des ressemblances avec certaines pièces les plus abstraites de Francis Dhomont. Ce n’est pas un hasard puisque Stéphane Roy a été son élève.

Stéphane Roy est l’auteur d’un ouvrage sur l’analyse de la musique électroacoustique, L’analyse des musiques électroacoustiques: Modèles et propositions. Au cours de sa carrière, il a également enseigné à l’Université de Montréal ainsi qu’au Conservatoire de musique de Montréal. Sa pièce Crystal Music a notamment obtenu le premier prix au 3^e Prix international Noroit-Léonce Petitot (Arras, France, 1994)

Kaleidos, empreintes DIGITALes, 1996

StrinGDberg (2001, 02, 03) de Robert Normandeau

Véritable tour de force musical, StrinGDberg est une œuvre minimaliste 16 pistes entièrement basée sur deux sources sonores: une prise de son d’une vielle à roue d’une durée d’une minute et une autre tirée du jeu d’un violoncelle. Le caractère tramé de la pièce, voir méditatif, invite l’auditeur à pénétrer au cœur du son et à être témoin des microvariations qui surviennent, à s’en émouvoir même. Une partie plus rythmique, caractéristique de l’œuvre de Normandeau, s’insère vers la moitié de la pièce. Comme pour une bonne partie de son catalogue, StrinGDberg a été composée pour accompagner une pièce de théâtre, Mademoiselle Julie d’August Strindberg, dont la mise en scène était assurée par Brigitte Haentjens et présentée à l’Espace GO (Montréal) en mai 2001.

Robert Normandeau enseigne à l’Université de Montréal. Ses œuvres ont été maintes fois primées lors de concours internationaux. Il est à noter qu’il est le cofondateur de Réseaux, une société de concerts dédiée à la diffusion des arts médiatiques qui a présenté les séries de concerts Rien à voir et Akousma.

Puzzles, empreintes DIGITALes, 2005

Les corps éblouis (1992-93, 94) de Christian Calon

Les corps éblouis tire ses matériaux sonores d’une seule source: la guitare électrique. Véritable travail sur la métamorphose, non seulement des sons de base mais également dans sa durée, la pièce a été pensée afin d’engendrer un effet de spirale où tout s’imbrique dans une perpétuelle mouvance. Ici on reconnaît le savoir-faire exemplaire de Calon, et une technique d’écriture comparable à celles des Parmegiani et Dhomont de ce monde. Les corps éblouis a obtenu le 2^e prix du jury au 22^e Concours international de musique électroacoustique de Bourges (France, 1994) ainsi que des distinctions au Prix Ars Electronica (Linz, Autriche, 1995, 97).

Christian Calon est un artiste indépendant œuvrant également en photographie et dont les œuvres ont maintes fois été récompensées aussi bien à l’international que chez nous.

Les corps éblouis, empreintes DIGITALes, 1998

Le vertige inconnu (1993-94) de Gilles Gobeil

Le vertige inconnu est probablement la pièce la plus forte non seulement de l’album La mécanique des ruptures, mais aussi du répertoire entier de Gilles Gobeil. Construite à partir de sons concrets, dont on peut reconnaître la provenance, le compositeur crée un univers cinématographique quasi surréaliste à l’intérieur duquel coexistent grillons et machines à air comprimé. Toutes les habiletés de Gobeil qui en font un compositeur si unique sont brillamment illustrées dans cette pièce: articulations vives, rupture du silence par des explosions sonores soudaines… Le vertige inconnu a remporté le Prix des arts électroniques de Stockholm, un concours international de musique électroacoustique (Suède, 1994) et a obtenu le 2^e prix au Prix Ars Electronica (Linz, Autriche, 1995).

Gilles Gobeil est professeur en technologies musicales au Cégep de Drummondville (depuis 1992) et a été professeur invité de composition électroacoustique à l’Université de Montréal (2005-06) et au Conservatoire de musique de Montréal (2007). Il est également lauréat de plus d’une vingtaine de prix sur la scène nationale et internationale.

La mécanique des ruptures, empreintes DIGITALes, 1994

Sous le regard d’un soleil noir (1979-81) de Francis Dhomont

Cette œuvre tourmentée, faisant partie du Cycle des profondeurs, explore et illustre l’univers de la schizophrénie en huit parties. Une des particularités de l’œuvre est l’emploi de la narration. Afin d’entrer dans le sujet, Dhomont utilise des textes du psychiatre et psychanalyste Ronald D Laing. Mais cette narration ne sert pas seulement à informer. Elle guide carrément le développement de la pièce, devenant même matériau sonore à certains moments. Selon Dhomont, cette œuvre propose la rencontre de l’imagination et de l’imagerie mentale produite par le traitement des sons. Sous le regard d’un soleil noir a obtenu le 1^er prix de la catégorie Musique à programme au 9^e Concours international de musique électroacoustique de Bourges (France, 1981).

Originaire de Paris, Francis Dhomont a passé une bonne partie de sa vie à Montréal pendant laquelle il enseigna à l’Université de Montréal (de 1980 à 1996). C’est d’ailleurs lors de cette période qu’il composa Sous le regard d’un soleil noir. Il est une des figures les plus marquantes dans le domaine de la musique électroacoustique et son travail a été largement reconnu et encensé.

Sous le regard d’un soleil noir, empreintes DIGITALes, 1996

Water Music (1991) de Yves Daoust

C’est par un beau jour de printemps que le compositeur eut l’idée de Water Music. Les gouttelettes tombant des glaçons fondants lui semblèrent mélodiques. La beauté de cette pièce vient du fait qu’elle met en vedette un matériau qui nous est assez familier, l’eau, permettant à l’auditeur de vraiment lui porter attention pour une fois. Le passage entre les différentes sections est particulièrement bien réussi.

Parallèlement à son enseignement au Conservatoire de musique de Montréal (qu’il a quitté en 2011), Yves Daoust a contribué au développement de la scène électroacoustique au Québec, notamment en participant très activement en 1978 à la fondation et au développement du premier organisme au pays voué à la promotion et à la diffusion de la musique électroacoustique, l’ACREQ. En 2009, il a reçu le Prix Serge-Garant (Fondation Émile-Nelligan) pour l’ensemble de son œuvre.

Musiques naïves, empreintes DIGITALes, 1998

eXpress (2001-02) de Jean Piché

Jean Piché est décidément un innovateur. Au départ compositeur (pensons à la pièce Taxis to Burning Sky), il s’est rapidement tourné vers l’image pour ensuite développer une toute nouvelle discipline à laquelle il donnera le nom de «vidéomusique». Ce que le compositeur tente de traduire, c’est une perception symétrique entre l’image et le son, une synergie. Pour eXpress, une œuvre pour trois écrans, Piché a filmé les images dans le train reliant Bourges et Paris. On peut y reconnaître des paysages. L’allure très cinétique d’Express est obtenue en réglant la caméra à une vitesse d’obturation très rapide avec une grande ouverture de l’objectif. La musique minimaliste et répétitive contribue à l’effet de transe de l’œuvre.

L’enseignement et la recherche en composition électroacoustique à l’Université de Montréal occupent une part importante de la vie professionnelle de Jean Piché. Il est également impliqué dans le développement de logiciels. On lui doit notamment Cecilia, un logiciel de traitement sonore.

www.jeanpiche.com/express.htm

Big Bang II (1987, 95) de Marcelle Deschênes

Dans Big Bang II, on se retrouve dans un univers postnucléaire. L’œuvre avait d’abord été conçue comme trame sonore servant d’accompagnement à une installation multimédia du sculpteur holographe et artiste de la lumière, Georges Dyens, intégrant sculptures holographiques, éclairages, fibre optique, musique électroacoustique, le tout en mouvement chorégraphié par un système de synchronisation programmée. De nature tramée et minimaliste, la pièce est brillamment écrite et a inspiré bon nombre de compositeurs.

De 1980 à 97, Marcelle Deschênes enseigne à la Faculté de musique de l’Université de Montréal la composition électroacoustique et multimédia, la perception auditive et les techniques d’écriture électroacoustique. Elle met sur pied, développe et dirige un programme inédit en composition électroacoustique aux trois cycles (baccalauréat, maîtrise et doctorat).

petits Big Bangs, empreintes DIGITALes, 2006

Arksalalartôq (1970-71) de Micheline Coulombe Saint-Marcoux

Cette pièce joue autour de l’abstraction de la parole, de la voix et même des instruments de musique. Arksalalartôq, d’après des textes des poètes québécois Noël Audet et Gilles Marsolais, exprime le vertige des mots, des sons, par analogie avec le jeu inuit où les participants (le plus souvent des femmes) mettent à l’épreuve leur capacité d’invention à créer et de résistance à émettre des sons, des mots pour la plupart sans signification. Entrecoupée par des sons percussifs ou dans d’autres cas tirés de synthétiseurs analogiques, Arksalalartôq rappelle certaines pièces de Stockhausen ainsi que Pierrot lunaire de Schönberg.

En 1968, Iannis Xenakis recommande vivement à Micheline Coulombe Saint-Marcoux d’aller à Paris pour y étudier la musique électroacoustique avec le désormais célèbre Groupe de recherches musicales (GRM), ce qu’elle fit. À son retour à Montréal, elle enseignera au Conservatoire de musique de Montréal jusqu’à son décès en 1985.

Impulsion, empreintes DIGITALes, 2001

Mantra (1997) de Jean-François Laporte

Dans l’ère moderne où nous vivons, nous sommes envahis, submergés par des sons de toutes sortes qui accompagnent notre existence. Jean-François Laporte les nomme «mantras», d’où le titre de la pièce. À l’image des mantras orientaux, ceux du compositeur doivent par exemple être d’une bonne longueur et se répéter de façon cyclique dans le temps. Pour cette pièce, Laporte a utilisé exclusivement les sons générés par un compresseur de refroidissement des patinoires lors d’une prise de son unique. Toutes les modifications timbrales ont été effectuées lors de la prise de son, sans aucune manipulation en studio.

Jean-François Laporte est surtout connu pour ses instruments inventés. Il est fondateur et directeur artistique et général des Productions Totem contemporain (PTC), et ses œuvres sont éditées aux Éditions Babel Scores.

Mantra, Cinéma pour l’oreille, 2000

Je ne pourrais passer sous silence les œuvres de ces compositeurs qui deviendront sans doute des incontournables de la musique électroacoustique du Québec dans quelques années: Champs de fouilles (2008) de Martin Bédard, Transit (1998) de Louis Dufort, frequencies (a) (2011-12) de Nicolas Bernier, L’appel (2008) de Georges Forget… et la liste pourrait continuer.

[Article édité en collaboration avec la rédaction du site Cette ville étrange. Chronique de la création musicale (www.cettevilleetrange.org).]

On dit que le gazon du voisin est toujours plus vert que le nôtre, mais quand il s’agit d’électroacoustique, croyez-moi, le Québec n’a rien à envier aux autres régions du monde. Accusez-moi de chauvinisme, je n’en ai cure: le Québec abrite nombre de compositeurs de grand talent et de professeurs influents.

Je ne veux pas m’embarquer dans un exposé analytique, mais, en tant que critique et auditeur invétéré, il existe pour moi une électroacoustique québécoise. Malgré la diversité stylistique de nos compositeurs, je perçois un «son» québécois, quelque chose qui, pour moi, n’est ni britannique, ni français, ni allemand; quelque chose qui m’appelle et me parle dans un langage plus immédiat, plus facile d’écoute.

L’origine partielle de cette unité dans la diversité découle probablement de l’influence de quelques compositeurs-clé dont l’enseignement en milieu universitaire a marqué la relève d’ici. Je pense d’abord à Francis Dhomont et à Yves Daoust. Commençons donc cette piste d’écoute avec ce Français si québécois qu’il s’est mérité une bourse de carrière du Conseil des arts et lettres du Québec. Je peux recommander en toute franchise tous les disques de Dhomont: sa grâce, son sens narratif et son intelligence font de chaque pièce un objet d’émerveillement. J’ai souvent exprimé mon admiration pour Forêt profonde (y compris dans ma première piste d’écoute, je n’y reviendrai donc pas), mais Sous le regard d’un soleil noir, sa première grande œuvre, demeure un classique de l’électroacoustique internationale, et son Cycle du son, beaucoup plus récent, témoigne d’un art raffiné à la perfection — la pièce AvatArsSon, en particulier.

Si l’œuvre de Dhomont s’est élaborée à partir de grands thèmes théoriques, littéraires et sociologiques, celui d’Yves Daoust tient plutôt de l’anecdote et de la poésie. La plupart de ses pièces montre une filiation aux idéaux abstractionnistes de l’école française, mais l’apparente naïveté de ses sujets (l’eau, la foule, une Fantaisie de Chopin ou un souvenir d’enfance) donne à sa musique une charge émotive inusitée. Son plus récent disque, Bruits, fait preuve aussi d’une volonté de croissance (on dénote dans la suite titre une certaine influence de ses étudiants) et contient une pièce au sujet politico-historique (Ouverture, sur les relations France-Québec) qui peut très bien accrocher l’auditeur néophyte.

À ces deux noms d’une importance incontestable, il faut ajouter ceux de Robert Normandeau et de Gilles Gobeil. Normandeau représente bien ce que j’entends par un son québécois: un certain académisme dans la plasticité des sons (qui trahit l’influence des Britanniques et des Français), une originalité dans leur utilisation, une intelligence du propos qui, si elle pousse vers la réflexion académique, n’en aliène pas l’auditeur pour autant. Mon disque préféré demeure Figures, qui comprend la superbe pièce Le Renard et la Rose, construite à partir du roman Le Petit Prince, ainsi que Venture, un hommage à l’âge d’or du rock progressif (une marotte que je partage avec le compositeur, faut-il préciser). Gobeil, c’est la folie des grands espaces, la violence des passions humaines, les gestes brusques, les masses sonores lancées à la volée. Si La mécanique des ruptures demeure une écoute essentielle, son récent disque en collaboration avec René Lussier, Le contrat, représente son travail le plus accompli (et fascinant!).

Si ces quatre compositeurs représentent la crème du milieu académique, on trouve aussi au catalogue d’empreintes DIGITALes de jeunes compositeurs et des artistes dont le travail renouvelle en profondeur le discours électroacoustique de leurs collègues.

Mentionnons Fractures, le premier disque, tout frais, de Christian Bouchard, dont l’approche éclatée tient autant de l’électronica expérimentale que de l’électroacoustique universitaire. Ses suites Parcelles 1 et Parcelles 2 évoquent l’art vidéo numérique par leur fébrilité et leur fragmentation. Je recommande aussi chaudement l’album Connexions de Louis Dufort, qui mélange approche académique et bruitisme. La pièce Zénith, dans laquelle il utilise la voix du chanteur death-metal Luc Lemay (du groupe Gorguts), est simplement stupéfiante. J’aime beaucoup aussi l’humour un peu cru de Marc Tremblay. Son Bruit-graffiti fait un usage fréquent de la culture pop (des Beatles à Passe-Partout). Sa pièce Cowboy Fiction, un western pour l’oreille qui remodèle le rêve américain, conclut à merveille cette piste d’écoute.

Sérieuse ou facétieuse, abstraite ou évocatrice, la musique électroacoustique québécoise s’est taillée une place de choix sur la scène internationale. À vous maintenant d’en explorer les multiples facettes.

Para cierto sector de la musicología, en la obra de Pierre Boulez convergen tanto los signos propios de la Vanguardia como los inherentes a estéticas más recientes. En el esplendor de Darmstadt, la obra considerada unánimemente faro de las nuevas preocupaciones de lenguaje fue Le marteau sans maître de Boulez. Ahora, en plena crisis del modernismo, Jean-Jacques Nattiez ve en el Répons de Boulez el mayor logro musical contemporáneo. En su ensayo Boulez à l’âge postmoderne: le temps de Répons, Nattiez efectúa una pertinente distinción entre modernismo y postmodernismo: “El modernismo musical, el que se da en la época de postguerra, significa la búsqueda inicial de un sistema con vocación universal, siempre ávido de lo nuevo. Ahora, los músicos postmodernos favorecen la multiplicidad de estilos, el rechazo de la idea de progreso a favor de una música no experimental, inmediata y comprensible”. Paul Griffiths, en Modern Music and After, reniega de la pluralidad de estilos y la diseminación del postmodernismo: “Desde los años 80 domina un estilo de imitación, se relajan los materiales y la necesidad de novedad se desvanece. Incluso, algunos autores e intérpretes se autopromocionan gracias a la grabación fonográfica”. Francis Dhomont es más rotundo: “El postmodernismo es impuro, permisivo, ecléctico, irónico, inmediato”.

En cuanto a su recepción, el modernismo profundiza en el divorcio con respecto al público, mientras que el postmodernismo intenta ganar el favor de los aficionados echando mano de estilos pretéritos. La Vanguardia manejaba la idea de que un día sus creaciones serían comprendidas; el postmodernismo, en cambio, confía en ser entendido inmediatamente. Nattiez elige Répons como modelo a seguir por los despistados postmodernistas (“Répons restaura el equilibrio entre los parámetros musicales. El timbre está integrado en una estructura melódico-rítmica a dos niveles: el de la gran forma y el del detalle sin que el segundo oscurezca al primero”). Griffiths, en cambio, no tiene reparos en señalar las debilidades que, evidentemente, lastran el discurso de Répons: pobreza del arsenal electroacústico, línea melódica liviana y rudimentaria y abuso de la métrica regular. Parece observarse en Boulez un intento desesperado por ser Stravinsky, adoptando una postura objetiva ante la obra y aplicando con frialdad un lenguaje poliestilista.

Coinciden estos musicólogos en negar a la Electroacústica toda posibilidad de alternativa válida. Ignorando que la base de esta propuesta descansa en la ESCUCHA y no en las notas, achacan a la obra electroacústica una sintaxis poco coherente, fundamentada únicamente en el uso del timbre: “¿Puede el objeto sonoro, con todas sus variantes morfológicas, constituir el material de base para la elaboración de una obra?”

2

La historia de la música en Occidente está estrechamente ligada a la de los instrumentos. El ejecutante ejerce un papel fundamental en la transmisión de las ideas del compositor. El problema surge cuando el excesivo culto al intérprete y al director de orquesta resta protagonismo a la obra y al autor: esa es la corriente dominante en los programas de conciertos. Desde que el músico deja de escribir exclusivamente para la gran orquesta a favor de plantillas instrumentales reducidas, el interés del público y los programadores hacia lo nuevo decae ostensiblemente: el lugar del Espectáculo -el escenario del Gran Auditorio- no admite a los pequeños conjuntos. Su armazón no se aviene con la estética de ese espacio, preparado sólo para acoger grandes fastos.

El dominio del instrumento se ha seguido dando en la producción musical del siglo XX. En este sentido, el rompimiento con el pasado sólo se da en términos de lenguaje. Los materiales que originan el sonido de la obra moderna siguen siendo los mismos que en el clasicismo. En 1948, Pierre Schaeffer descubre las posibilidades del material electrónico. Empieza ahí a cuestionarse el dominio del instrumento convencional. Nace la música concreta.

Aunque asumida por buena parte de compositores, hasta el punto de influir decididamente en la concepción tímbrica de muchas obras de corte orquestal, la electroacústica no ha sido acogida por los musicólogos con el mismo rango que la obra convencional. Nace aquí la paradoja de que la misma Modernidad discute el valor de un arsenal nuevo. Al seguir apegada al instrumento, cae la Modernidad en esa misma dependencia con respecto al intérprete que se critica en la música del clasicismo.

“La música concreta es todavía sospechosa” (Michel Chion).
En efecto, frente al reinado del instrumento, el material elaborado electrónicamente vive fuera de la historia, es aún calificado de “experimental”. El ruido es considerado un signo humilde, y a la hora de establecer alternativas a la crisis del Modernismo y encontrar nuevas soluciones estéticas en el cambio de siglo, la musicología se debate exclusivamente en territorios ocupados por la música instrumental: estéticas del pastiche, el juego de la memoria… Hay una resistencia a aceptar libremente las posibilidades expresivas de un material que es nuevo, más en razón de su escasa apreciación que por su verdadera naturaleza.

Frente a tantas obras actuales que llevan el lastre del pasado, se yergue exultante una pieza electroacústica compuesta en 1996 por Pierre Henry de valor excepcional, Intérieur/Extérieur, auténtico y extraordinario exponente de un lenguaje comprometido con nuestro tiempo (Philips la editó en Disco Compacto).

3

El Arte Acusmático, concebido como un arte sonoro basado en el mundo exterior y visible -concreto-, se vuelve abstracto en la escucha. Elaborado a partir de sonidos grabados, este arte sonoro no tiene memoria. Al oyente se le sustraen los elementos de recurrencia típicos del discurso convencional. El ruido es un signo humilde, no apto, por su propia naturaleza, para obtener los mismos resultados que logramos con el material instrumental: un ruido no es una nota. Y es ahí donde surge el problema de la recepción del arte sonoro en el público. A éste, educado en su mayoría en las -únicas- bellezas del concierto instrumental, y al que en nada le preocupa, cuando contempla una bella pintura, que ésta se haya elaborado con materiales humildes (serrín, tierra), la sola idea de que se pueda conseguir un bello sonido a partir de un pedazo de cartón o una puerta le choca enormemente. Como dice Michel Chion (El sonido / Paidós), el material sonoro de origen sigue considerándose, por lo general, como lo que ennoblece al sonido.

El maestro del Arte Acusmático es Francis Dhomont. Su obra fundamental la constituyen dos volúmenes: el Cycle de l’errance y el Cycle des profondeurs (discos IMED, distribuidos en España por Arsonal). Points de fuite, … mourir un peu y Espace / Escape forman un tríptico acusmático en el que, dice Dhomont, “intento expresar los símbolos y sensaciones que asociamos a la idea del viaje: la evasión, la fuga, la nostalgia, el espacio -el espacio imaginado y el de la ausencia-, pero también la errancia, los vagabundeos del ensueño, los trastornos que forjan el tejido mismo de la vida”. Es este un universo sonoro que penetra en la mente del receptor como un taladro. El genio de Dhomont consiste en actuar sobre el inconsciente. De sus sonidos (de una belleza inmarcesible), extraídos de lo cotidiano, obtenemos la escucha de lugares y sensaciones que agitan nuestros propios recuerdos, nos ponen en guardia. Luigi Nono la llamaría “música de la subversión”.

Mucho más devastador, el Cycle des profondeurs contiene dos melodramas acusmáticos: Sous le regard d’un soleil noir recrea textos de El yo dividido de R. D. Laing. Las observaciones anotadas por el analista se alternan con descripciones atormentadas de las experiencias de esquizofrénicos. La narrada en la 7ª sección, la de la joven con síntomas catatónicos, es espeluznante.

No menos perturbador, Forêt profonde adopta un tono dolorosamente naturalista en el tratamiento dramático de la voz. Viaje al subconsciente y sutil fábula en la que el bosque es el símbolo de nuestro errar cíclico por un sendero que conduce a lo impenetrable, a mundos secretos, Forêt acoge citas de cuentos de hadas y textos de Bruno Bettelheim.

Dhomont: “El empleo de recursos morfológicos, gracias a la alquimia del laboratorio, procura al autor acusmático un poder de sugestión e intervención sobre el texto original capaz de expresar el inconsciente inexpresable”.

Sous le regard d’un soleil noir (Beneath the Glare of a Black Sun) dates mostly from 1979, with a further, central, movement added in 1981. Francis Dhomont based this large-scale (51-minute) masterpiece on the psychoanalytical writings of RD Laing and the work features settings of texts drawn from the French translations of The Divided Self, Knots and The Politics of Experience. These are used, alongside extracts from Franz Kafka’s The Burrow and Plato’s The Republic, to construct a fantastical acousmatic melodrama, charting a slow descent into the madness of schizophrenia. In subject matter, therefore, it forms the first part of what is currently a diptych of works dubbed Cycle des profondeurs (Cycle of Depths), in which the composer explores madness and other aspects of psychoanalytical thought.

Musically, this first panel of the diptych is considerably less harsh and not as harrowing as the same theme’s treatment in its later counterpart, Forêt profonde. It consists principally of speaking voices, subjected to computer processing (although never to a sufficient degree to render the speech unintelligible) and accompanied by a fairly gentle backdrop of electronic textures and other computer-processed sounds. And thoroughly engaging it is, too.

As is normal for an acousmatician, Francis Dhomont indulges in numerous musical puns and associative trickery throughout the work — such as basing much of the work around B natural (‘si’, in French) as musical reference to the obsessive alliteration of the conditional ‘if’ (also ‘si’ in French) which occurs in part of RD Laing’s Knots. The work’s subject matter, as well as its basis on B natural, also provides the composer with the opportunity to draw upon references to another great ‘invention on one note’, Act III of Alban Berg’s opera Wozzeck. Musical quotations from that work — as well as words from Georg Büchner’s original play — appear in muted and mangled form throughout Sous le regard d’un soleil noir in much the same manner (and with similar effectiveness) as fragments of Robert Schumann’s Kinderscenen are used within Forêt profonde.

How such musical and poetic treatments can be applied to such essentially clinical source material almost beggers belief but, as ever, Francis Dhomont pulls it off completely. This work’s eight movements, which play continuously, weave an intoxicating web of sound that makes for a thoroughly absorbing listen. And, in spite of the work’s heavy dependence upon the spoken word, the musical imagery — and the sheer beauty of the soundworld — should be sufficiently vivid for even the most severely francophone-challenged of listeners to be undeterred. In any case, the bilingual booklet which accompanies the disc gives a full translations of all of the texts, together with copious programme notes.

Poetic treatments of clinical sources. Wholeheartedly recommended for the adventurous listener. 5/5

Acousmatic and soundscape composition are arguably the most important compositional tendencies in Canadian electroacoustic music today. Rooted in musique concrète, acousmatic music treats the sound source as an abstract element which can be modified to suit a formal plan laid out by the composer. Recorded sounds are taken out of their context and their temporal and spectral characteristics are transformed, sometimes beyond recognition. Contrastingly, soundscape composition keeps the sound material close to the original recordings, and places the musical process within a specific socio-cultural context.

Francis Dhomont is among the foremost composers in the acousmatic tradition.

Since 1963, he has produced several dozens of works for tape. Sous le regard d’un soleil noir (Under the glare of a black sun) was done between 1979 and 1981. Its CD release dates from 1996. This is the first work of a trilogy inspired by psychoanalytic thought.

According to Dhomont, this work proposes a meeting of the imagination (‘psychology of depths’) with the mental images produced by the acousmatic treatment of sounds. Dhomont uses texts by psychiatrist — psychoanalyst Ronald D Laing (among other authors) to describe the journey of a schizophrenic mind from the ‘incarcerated self’ to the catatonic state.

The piece is structured in eight sections lasting four to eight minutes each. Dhomont uses three strategies to achieve formal unity: (1) The text is delivered almost without inflections and it is clearly articulated to keep it comprehensible. Little processing is applied. (2) Material from previous sections is recycled achieving an impressive economy of means. (3) The pitch class B natural is employed as a pivot and as a recurring motive throughout the piece.

Dhomont shows his compositional craftsmanship by keeping the pace of the sections masterly balanced. Sound objects are carefully designed to keep sources’ identities hidden. When these can be identified, they are meant to fulfill a specific formal function. For example, after the listener has been exposed to several minutes of abstract sound, the sudden appearance of a talking crowd (Inner Citadel, at 1:10) provides a striking contrast. The voice of the narrator is usually kept as a layer separate from the musical material.

After twenty years of its conception, Sous le regard d’un soleil noir starts to feel the weight of time. Some of the sound processing techniques employed may sound a bit artificial today, e.g., the low pass and high pass filtering of the voice. The use of amplitude envelopes on natural time varying sounds eliminates important temporal cues. Thus, the spectral characteristics of these sounds do not fit their temporal structure creating a perceptual paradox. Check, for example, the articulation on the B natural in the section titled Implosion.

Keeping in mind the year of its realization and the concepts underlying its formal plan, Sous le regard d’un soleil noir stands as a landmark of acousmatic composition.

In the autumn of 1996, the Montréal electroacoustic label [empreintes DIGITALes] released two new compact discs of the French [/] Canadian composer Francis Dhomont. These recordings present the two parts of a large-scale diptych, Cycle des profondeurs (“Cycle of Depths”), which the composer says may eventually expand into a triptych. The first CD is a new edition of Sous le regard d’un soleil noir (“Under the Glare of a Black Sun”), an acousmatic melodrama of more than 51 minutes in duration, realized between 1979 and 1981. The second is entitled Forêt profonde (“Deep Forest”), a more recent melodrama of more than 58 minutes in duration, composed between 1994 and 1996. For those who have followed the work of this important composer of rich electroacoustic works in the French acousmatic tradition (sometimes called “musique concrète”, though the two terms are not really equivalent), it is also worth noting the reissue of the out-of-print 1991 double CD containing his other major opus, Mouvances—Métaphores (“Mobility—Metaphors”). This work comprises two cycles: Cycle de l’errance (“Cycle of Wanderings”) and Les dérives du signe (“The Drift of the Sign”).

Sous le regard d’un soleil noir

Here, the black sun can burn the wings of those such as Icarus, who come too close. This is a tormented work, spotlighting the schizophrenic vertigo of the anguished self. It is not, however, a musical adaptation of a thesis about insanity; rather, this is true program music, extracting from its extramusical subject an expressive substance of a quality rarely achieved in acousmatic music. The probing of the depths, characteristic of psychoanalysis, has inspired this magisterial work in eight sections. The fine quotes heard throughout are taken mainly from the writings of British psychiatrist and psychoanalyst, Ronald D Laing.

In Sous le regard d’un soleil noir, Mr. Dhomont creates an enigmatic and dreamlike atmosphere, with the subject matter centered on the self. The drama is built up as the barrier crumbles between the self and the external world. The inner being is then invaded, or better, sucked into the black hole of schizophrenia: “One is inside then outside what one has been inside. One feels empty […] to eat and to be eaten to have the outside inside and to be inside the outside. But this is not enough […] and inside oneself there is still nothing.”

This is the worrying black sunrise, as torrid as the intensity of the drama it engenders. The drama takes many forms in the work. Among others, there is an obsessive pitch, B, whose timbre serves to express a searing anguish. There is also the breakdown of the self, evoked in the Engloutissement (“Engulfment”) of Section 2 by the immersion in fluid sonorities that are driven on to an asphyxiation of the personality, until only an inarticulate shadow remains at the bottom of the abyss. Then there is the Implosion of Section 4, and the progressive Pétrification of the personality in Section 7. The first sound of Citadelle intérieure (“Interior Fortress”), a heavy door that suddenly slams shut symholizes the walled-in isolation of the personality. Finally, there is the vocal counterpoint at the end of the same section, spread out in space as if this distant voice, fragile and almost inaudible, symbolizes the loss of contact between the self of the individual and the consciousness of its own existence.

Comme le souligne lui-méme le compositeur Francis Dhomont, cette nouvelle édition discographique de Sous le regard d’un soleil noir, un mélodrame acousmatique, s’inscrit dans la perspective plus ambitieuse d’un ensemble d’œuvres s’inspirant toutes d’une réflexion psychanalytique: le Cycle des profondeurs.

Sous le regard d’un soleil noir est l’histoire d’un naufrage: dérive hallucinée à travers un paysage obsessionnel dont la note si est l’obsédant axe tonique qui cimente entre elles les huit sections qui composent l’album. Cette pièce a été inspirée par la lecture de l’œuvre du psychiatre et psychanalyste Ronald D Laing. Le disque est accompagné d’un volumineux livret.

Dies ist die Wiederveroffentlichung eines bei Ina-GRM erschienenen Tontragers des 1926 in Paris geboren Komponisten der Elektroakustischen Musik. Diese Platte, erschienen in der beruLmten Serie Gramme, ist schon lange und zurecht eine Raritat. Hier wird das Thema Schizophrenie durch feine elektroakustische Bearbeitungen und Text (unter Verwendung von Texten des Schizophrenietheoretikers Ronald D Laing) zu einem akusmatischen Melodram, das unter seinem absurden Titel Einblick in die Empfindungswelt Schizophrener gibt. Dabei geht Dhomont akustisch sehr tief und fasinierend mit den Klangen um, selLst die in franzosisch gesprochenen Texte werden so homogen eingebunden, das sie manchmal selLst zu Musik werden. Das flussige Durchlanfen verschiedener Sektionen, die fesselnden Stimmen und die schone Umsetzung machen Dhomont’s Musik zu einem spannenden Horerlebnis, welches uber Thematik der Schizophrenie auch etwas uber uns selbst erzahlt, uber den alltaglichen Horror, dem wir ins Auge schauen mussen. Erwahnen mochte ich noch das hervorragende Beiheft mit den Ubersetzungen der Texte ins Englische, sowie weiterem Material uber und von Dhomont.

II y a près d’un an, le producteur d’empreintes DIGITALes lançait à Montréal deux disques optiques consacrés au compositeur canadien Francis Dhomont. Chacun comporte une œuvre d’envergure qui s’inscrit dans le dyptique intitulé le Cycle des profondeurs, qui deviendra un tryptique si le compositeur donne suite à ses nouveaux projets. La première de ces œuvres est une réédition de Sous le regard d’un soleil noir (IMED 9633), mélodrame acousmatique d’une durée de 51m35s, réalisé entre 1979 et 1981. La seconde, nouveau mélodrame acousmatique d’une durée de 58m32s, composé entre 1994 et 1996, s’intitule Forêt profonde (IMED 9634).

Sous le regard d’un soleil noir

Ce noir soleil brûle parfois les ailes de celui qui, tel Icare, trop s’en approche. L’œuvre, troublante, met en scène le vertige schizoïde d’un moi supplicié. Elle n’est pourtant pas l’adaptation d’une thèse sur la schizophrénie: il ne s’agit pas d’un «programme à l’œuvre», mais d’une «œuvre à programme» qui tire d’un propos extra-musical une substance expressive d’une qualité rarement égalée, à ma connaissance, en musique acousmatique.

C’est le discours des profondeurs de la psychanalyse qui a inspiré à Dhomont cette musique magistrale en huit sections. Ce discours, Dhomont l’a puisé essentiellement dans les ouvrages du psychiatre et psychanalyste Ronald D Laing, dont la pièce offre à maintes reprises de très beaux extraits.

Le compositeur a su créer dans son soleil noir une atmosphère mystérieuse et onirique. Le propos se centre autour du thème du moi. Le drame se tisse à mesure que s’effrite la cloison qui sépare ce moi de l’univers extérieur: l’être intérieur est alors envahi, ou plutôt il est absorbé par un trou noir, celui de la schizophrénie: «On est à l’intérieur puis à l’extérieur ce qu’on a été à l’intérieur. On se sent vide […] manger et être mangé pour que l’extérieur devienne l’intérieur et pour être à l’intérieur de l’extérieur. Mais cela ne suffit pas. […] et à l’intérieur de soi il n’y a toujours rien.» Et c’est le lever redoutable d’un soleil noir, dont le caractère torride n’a d’égal que l’intensité du drame qu’il noue.

Ce drame porte divers visages dans l’œuvre. C’est notamment cette note si, véritable obsession, dont le timbre sert parfaitement l’expression d’une angoisse lancinante. Le drame, c’est aussi la rupture. C’est l’Engloutissement évoqué à la section 2 par l’immersion dans des sonorités fluides conduisant à l’asphyxie de la personnalité, dont il ne reste qu’une ombre inarticulée au fond de l’abysse. C’est aussi la tragique Implosion de la section 4, puis cette Pétrification progressive de la personnalité à la section 7. C’est le premier son de Citadelle intérieure, une lourde porte se refermant, qui symbolise l’isolement, l’emmurement de la personnalité. Et c’est enfin le contrepoint vocal à la fin de la même section, disséminé dans l’espace comme si cette voix au loin, fragile et presque inaudible, symbolisait la perte de contact entre le moi de l’individu et la conscience de sa propre existence.

Forêt profonde

Il était une fois une Forêt profonde, mélodrame acousmatique en treize sections basé sur la Psychanalyse des contes de fées de Bruno Bettelheim. Les récits apparemment innocents qui ont baigné notre enfance sont autant d’arbres qui nous cachent les replis mystérieux de la forêt, profonds replis de l’âme que Francis Dhomont sonde à travers une lecture psychanalytique des contes de fées. L’œuvre fait foisonner un riche contrepoint de voix, de textes et de langues. Elle intercale au sein d’une substance sonore saisissante les illustrations alternativement mystérieuses et rassurantes du conte; l’auditeur écoute défiler treize stations qui le tiennent véritablement en haleine.

Dans Forêt profonde, Francis Dhomont joue avec les archétypes, non seulement ceux que le récit porte en lui (la mort, le bonheur, le courage, la peur et ainsi de suite) mais encore ceux que peut évoquer le substrat sonore. Ainsi l’archétype du réconfort et de l’apaisement, suggéré par de tendres berceuses, est brusquement rompu par le caractère tragique et angoissé de sons aux morphologies instables. Cette œuvre, à l’égal des contes, enchante, ensorcelle par certains passages énigmatiques qui montrent à quel point l’art des sons parvient à exprimer l’inexprimable. «Qu’est-ce qui se passe?», murmure au début de l’œuvre une voix inquiète. Une réalité redoutable se cache derrière les paroles adressées à l’enfant: «ce n’est rien chérie, essaie de dormir…», doux réconfort qui, comme la fin heureuse des contes, nous détourne de la morbidité qui plane sur nos existences.

Si ces deux œuvres forment un diptyque, c’est qu’au plus profond de notre forêt se consume un soleil noir; profondeur et noirceur, associées dans un même univers sémantique, se conjuguent dans ce Cycle des profondeurs pour évoquer une angoisse existentielle que nous échoit en partage. Alors que Sous le regard d’un soleil noir s’inspirait d’un mal-être qui se transforme parfois en pathologie, Forêt profonde touche à l’imaginaire de l’enfance et à la face cachée des contes qui l’ont peuplé. Dans ces deux univers, texte et musique sont si bien intégrés, l’un prolongeant ses résonances dans l’autre, qu’il est impossible de les voir dissocier. On rencontre à maintes reprises un narrateur présentant certains commentaires «cliniques», mais rien d’asséchant, qui nuirait à la trame dramatique du discours muscial. Ces commentaires rythment l’évolution du drame en offrant quelques clés à l’auditeur sur le foisonnement des symboles et des archétypes musicaux qui s’y déploient.

Sous le regard d’un soleil noir et Forêt profonde sont des œuvres de substance qui transcendent les impératifs technologiques. Lorsqu’on se met à l’écoute de ces pièces, on découvre plein de choses sur la musique et certains de ses vertiges…

Ces œuvres sont présentées dans deux beaux coffrets orginaux. Un livret bilingue (anglais/français) bien documenté, totalisant près de 50 pages, les accompagne. On peut y trouver les extraits cités, avec référence bibliographique, ainsi qu’un catalogue détaillé des pièces réalisées par le compositeur depuis 1972.

Aquitania Ensemble Sequentia (DHM).

Le Clavecin des Couperin Dom André Laberge (Analekta)

Dhama Suna Tibetan Institute of Performing Arts (Erato Detour)

Forêt profonde Francis Dhomont (empreintes DIGITALes)

La Gaia Scienza Franz Schubert (Winter & Winter)

Musique de table de Telemann, première production Ensemble Arion (Analekta)

On the Muse’s Isle Daniel Taylor (Atma)

Provenzale, Passione Cappella della Pietà de’ Turchini (Antonio Florio)

Sérénades Roberto Alagna (EMI Classics)

Le Voyage magnifique Maria Joao Pires (Deutsche Grammophon)

Le nom de Francis Dhomont est bien connu des membres de la CÉC de même que des lecteurs des publications de cette dernière. Actif depuis bientôt vingt ans à Montréal comme compositeur et enseignant, il est le “père musical” de presque toute la jeune génération de compositeurs québécois qui ont laissé leur marque dans le monde de l’électroacoustique durant la dernière décennie.

Les deux CDs recensés ici sont parus en même temps qu’une réédition opportune de l’album double Mouvances~Métaphores de Dhomont sur empreintes DIGITALes, ce dernier paraissant cette fois sous la forme de deux disques simples, Cycle de l’errance et Les dérives du signe.

Comme c’était le cas avec l’ancien album double, les deux nouveaux CDs forment un cycle, le Cycle des profondeurs inspiré de la pensée psychanalytique. La première pièce du cycle, Sous le regard d’un soleil noir, est conçue à partir de textes du psychanalyste britannique Ronald D Laing; la seconde, Forêt profonde prend comme point de départ les écrits de Bruno Bettelheim. Dhomont déclare que le cycle pourrait inclure une troisième œuvre, «consacrée aux œuvres de Kafka, guidée par les écrits de Marthe Robert». Si l’on en juge d’après la qualité de ces deux disques, j’attends cette troisième pièce avec impatience!

Sous le regard d’un soleil noir date de 1979-81, une partie en a été composée dans les studios du GRAM à Paris (les deux CDs ont été produits en collaboration avec l’GRM). D’après Dhomont lui-même, Forêt profonde l’a ‘accompagné’ durant les quinze dernières années, sa production finale l’occupant pendant les années 1994-96.

La première caractéristique remarquable des deux œuvres est leur désignation de ‘mélodrames acousmatiques’. Il y a une part substantielle de texte dans les deux pièces, qui durent chacune près d’une heure, et l’auditeur non francophone pourrait bien sentir une certaine agitation à propos de sa capacité à s’engager dans ce qu’offre Dhomont. De fait, le compositeur partage cette inquiétude. Lors d’une performance récente de Forêt profonde ici à Birmingham [RU], Dhomont tenait vivement à ce que la traduction anglaise des textes soit disponible, au point même de garder l’éclairage de la salle à un niveau assez élevé pour favoriser leur lecture durant la performance! Cependant, la sensation de son pur est si merveilleusement contrôlée que ce problème se pose bien moins qu’on ne pourrait le penser, et la richesse des œuvres est telle qu’elles supporteront plusieurs écoutes répétées, bien que des niveaux de sens additionnels se révéleront certainement à l’étude des textes et des traductions offerts dans le très généreux livret.

Sous le regard d’un soleil noir a rapport à la schizophrénie. À l’instar de Laing, de qui elle s’inspire, la pièce ne traite pas de la schizophrénie mais en est plutôt une sorte d’analogue. Non seulement le matériau suggère-t-il une détérioration de l’état (par exemple, par la séparation et la distribution du texte en “trios de moi”), mais même l’organisation spatiale suggère les dichotomies et la polarisation implicite dans le contenu: le contraste entre le matériau très “présent” à la sonorité réverbérée et des sons centrés de façon très serrée, presque mono, sujets à des interjections soudaines, hautement stéréophoniques. C’est une caractéristique de cette pièce que de tels traitements ne soient jamais simplistes mais toujours frais et en constante redéfinition — servant toujours à rehausser l’“expérience” (dont nous ne pouvons pas faire) de l’expérience d’un autre. Ce faisant, Dhomont construit, comme le fait remarquer Jean-Jacques Nattiez dans son introduction à l’œuvre, un mythe plus général à travers lequel l’homme “normal” découvre ses propres traits schizoïdes.

Traduit de l’anglais.

Sous le regard d’un soleil noir est «l’histoire d’un naufrage» inspirée par les écrits du psychanaliste anglais Ronald D Laing sur la schizophrénie. Une pièce électroacoustique à programme, donc, une chute lente dans la folie où réflexion du médecin, soliloque de la patiente et musique fusionnent dans une histoire qui a pour étapes «l’engloutissement», «l’implosion» et «la pétrification». Le compositeur exploite avec une imagination infaillible la synergie subtile entre la perte des contours et un style musical dont la qualité première est de suggérer l’abscence de limites. Cette musique n’est qu’errance: elle dessine un espace qui se désagrège et se reconstitue d’une façon de plus en plus éphémère.

Premier volet d’un diptyque intitulé Cycle des profondeurs, Sous le regard d’un soleil noir était déjà paru sur vinyle en 1982. Il s’agit une réédition importante pour l’art acousmatique. Ce «mélodrame» de Francis Dhomont, un des pionniers de l’électroacoustique, s’inspire d’une réflexion sur la schizophrénie. Réflexion au sens premier, donc action de l’esprit qui examine et approfondit ses pensées. Chez Dhomont, cette réflexion est d’abord et avant tout artistique, puisque l’exploration de la citadelle intérieure du schizophrène par le compositeur produit une œuvre qui se justifie principalement par sa grande qualité musicale. Il s’agit bien d’une mise en musique, mais, plutôt que le texte, qui est utilisé ici à bon escient, c’est l’état du schizophrène qui est évoqué par les sons. Ce tour de force incroyable, ce défi artistique que s’est imposé Dhomont, est relevé avec un art d’une finesse et d’une force troublantes. Les sons créés par le compositeur réussissent bel et bien à nous faire approcher de cet univers cauchemardesque qu’en d’autres circonstances nous cherchons à fuir. Comme quoi l’art jette parfois des ponts entre nous et ce que nous n’osons pas voir. Une grande œuvre musicale.

AVIS: Le texte reproduit ici est extrait du site de Voir et est protégé par la Loi sur le droit d’auteur du Canada. © Communications Voir Inc, 1997

Miam! Les initiatives intelligentes, moi j’aime. Et voilà en plein ce que nous offre la maison québécoise empreintes DIGITALes, seule en Amérique à se spécialiser dans les musiques électroacoustiques. Montréal n’est-elle pas d’ailleurs la capitale nord-américaine du genre? Voici 10 nouveautés et trois rééditions, albums dont nous vous parlerons avec plaisir au fil de l’année. Collection convoitable et le grand privilège de pouvoir s’offrir les albums un à un, de choisir exclusivement qui on aime sans se farcir un onéreux coffret.

À tout seigneur tout honneur, il faut me semble-t-il saluer dès le départ les musiques du montréalais Francis Dhomont. Sous le regard d’un soleil noir et Forêt profonde étaient sans conteste au nombre des rééditions qui s’imposaient (Le cycle des profondeurs, 1982). Ici présenté en dyptique, sous un emballage absolument délicieux et généreux, Sous le regard d’un soleil noir, notamment, nous amène dans des profondeurs de la quête humaine qui parfois fait un peu peur et ailleurs transcendent toutes inepties. Facile d’écoute? Oui et non, comme toute grande musique électroacoustique. Il faut dans un premier temps oser se laisser prendre au langage sans nécessairement chercher à le décoder, puis, se risquer dans l’attrait d’une esthétique différente. C’est ca l’art, il en appelle à l’artiste, il en appelle parfois aussi à qui le reçoit. Réflexion psychanalytique, une quête terrible face au sens de l’existence. Osez pour voir et vous verrez que cette «non musique», comme disent les méchants, est de loin plus musicale qu’on peut le prétendre à la première écoute.

Francis Dhomont was born in 1926 and studied under, amongst others, Nadia Boulanger and Charles Koechlin. His theoretical texts and essays are regularly published in various international journals, he lectures regularly and is the author of many radio programmes for national Canadian radio. He has received numerous prestigious awards and now divides his time between Québec and France, teaching electroacoustic composition and theory. These two releases are part of the same group of works titled “Cycle of Depths” (Cycle des profondeurs), which is comparable to his previous “Cycle of Wanderings” (Cycle de l’errance), not only available on empreintes DIGITALes but also on BVHAAST, a Dutch label partly lorded over by Willem Breuker.

Sous le regard d’un soleil noir or “Under The Glare of A Black Sun” to folks like you and I was originally produced in 1979-80, completed in 1981 and since then has won a bunch of awards for electroacoustic composition. It was inspired by the works of British psychoanalyst Ronald D Laing (author of The Politics of Experience and The Divided Self and one of the first in his profession to explore the potential of LSD in analysis), and tells the story of a slow descent into madness. The spoken texts are quoted from the works of Laing, Plato, Kafka and Buchner. The piece makes us share the anxiety, anguish and solitude of the schizophrenic, attempting to present us with a sonorous image of a (mostly) inaccesible world. Laing himself once said “I cannot experience your experience, or vice versa.” Dhomont presents the experience he thinks they (schizophrenics) have, constructing a more general myth through which the ‘normal’ man may discover his own schizoid traits. Sous le regard d’un soleil noir tells us about ourselves, about the terrifying solitude that faces every man, as if we are sitting at the end of a cavern capable only of looking ahead. There is certainly an element of underlying danger here — not from external forces but rather from those sharp, shiny, sterile, surgical razors with which we perform psychological surgery on ourselves as we lay on a ramshackle operating table constructed out of our belief systems which itself is placed in a dimly lit corner of a huge reverberant space. Bats in the belfry. Too many toys in the attic. No room to spare in this warehouse where ominous chords pace the staves… This is the domain of archetypes.

De Francis Dhomont on connaissait déjà le Cycle de l’errance et Les dérives du signe sortis en double CD (IMED 9107/08). Ils sont de nouveau disponibles et cette fois-ci séparément. Réédition également d’une pièce maîtresse de l’œuvre du compositeur franco-québécois, Sous le regard d’un soleil noir sorti à l’origine en LP (Ina-GRM 9109) en 1982. Nous sommes plongés dans la premiére partie du Cycle des profondeurs qui repose sur des réflexions psychanalytiques (textes de Ronald D Laing). Francis Dhomont évoque parfaitement, illustre même parfois, toutes ces fragmentations, ces divisions de l’individu en superpositions de couches, de profondeurs. Par l’utilisation d’exemples de cas cliniques, il amène une dimension réellement bouleversante. On se sent touché au plus profond de notre étre. Franchement, c’est la seule musique qui, à chaque écoute, me fait peur!

Magnifique cadeau que cette mise en compact de la musique de Francis Dhomont. Vraiment, il faut saluer bien bas et avec une infinie gratitude l’initiative des Jean-François Denis et consorts pour avoir vaillamment produit ces disques magnifiquement et très originalement présentés, qui ne cessent de nous faire faire des découvertes et qui sont d’une qualité plus qu’exceptionnelle.

J’ai écouté trois fois la première partie du Cycle des profondeurs que l’on présente ici et qui s’intitule Sous le regard d’un soleil noir (je vous parlerai bientôt de la seconde, Forêt profonde), pour chaque fois me demander; «Mais qu’est-ce que cette cette musique de la non-musique a pour m’émouvoir si musicalement?»

Ce qu’on entend, c’est d’abord un texte qui s’inspire de la réflexion psychanalytique (fuyant donc tout le psychologisme facile) et de la difficulté de l’existence dans son sens le plus vaste. S’y allie cet intérêt de Dhomont pour orienter son message par une qualité littéraire certaine et sérieuse. On ne lit pas ce texte comme un poème; on le lit comme prétexte au poème ultime qu’est sa mise en sonorisation dans l’univers d’apparence discret du compositeur. Attention: en art, les apparences sont trompeuses!

Le verbe prend toute sa portée dans son contexte. Ici, il se conjugue avec un traitement subtil des mots dits, des significations orientées par le contexte musical. Ou alors serait-ce le contraire? Est-ce que la mise en forme de ce texte, la vraie porteuse de sens dans sa profondeur car la moins immédiate, ne serait-elle pas cet état béni de l’art musical que le mot nettement énoncé vient révéler à notre conscience acoustique?

On le comprend, le va-et-vient entre les formidables réseaux créés ici par Dhomont est infiniment riche. A chacun, donc, sa propre stratégie, dont l’effort lui sera récompensé par une émotion — oui, une véritable et profonde émotion — d’autant plus pleine qu’on désire recommencer l’expérience.

Le compositeur se fait Virgile et nous Dante. Le labyrinthe de l’Enfer, s’il est moins violent ici que dans les images apocalyptiques de l’Italien, n’en rejoint pas moins la même originalité, faisant renaître en nous cette quête d’un idéal nouveau. L’exploration est sombre.

Le court poème sur «l’m No One, l’m A No One» va peut-être servir de clé pour tout à coup comprendre à quel travail s’est livré le compositeur pour nous livrer sa pièce. Faites attention: le travail n’est pas la pièce. Cette dernière est le résultat du travail, ne serait-ce que celui d’une main tendue vers l’extérieur.

On ne trouve pas ici le plaisir léger des valses viennoises, confronté que l’on est aux douleurs de la «maladie mentale». Il y en a que cela choque, mais je suis sûr qu’ils admirent van Gogh. Alors, pourquoi se refuser de faire un autre type d’expérience esthétique? Physiquement, rien n’agresse. Artistiquement, on est pris, séduit et enrichit. Et aussi comblé.