Décidément, le Québec n’a rien à envier aux autres pays en matière de musique électroacoustique. En effet, la province regorge de compositeurs créatifs qui ne cessent de repousser les limites de leur discipline et d’être reconnus internationalement. Même si dans la majorité des cas, la musique de ces compositeurs se rapproche du style acousmatique que l’on peut entendre en Europe, il y a bel et bien quelque chose qui les distingue: ils ont un son et une esthétique bien à eux.

Je vous propose donc une liste de dix œuvres incontournables par des compositeurs et compositrices d’ici afin de découvrir le panorama de notre production électroacoustique.

Crystal Music (1994) de Stéphane Roy

Dans Crystal Music, le compositeur Stéphane Roy traite sa matière sonore comme s’il s’agissait de verre en la dilatant, la moulant, la faisant se transmuter. D’ailleurs, la nature même des sons employés vient rappeler le verre, le cristal. Il y a quelque chose de nerveux, d’instable dans cette pièce. L’œuvre se caractérise par de grandes variations de la dynamique ainsi que par des explosions d’énergie qui émergent soudainement du silence pour ensuite s’éteindre aussi rapidement. À l’écoute, l’auditeur peut trouver des ressemblances avec certaines pièces les plus abstraites de Francis Dhomont. Ce n’est pas un hasard puisque Stéphane Roy a été son élève.

Stéphane Roy est l’auteur d’un ouvrage sur l’analyse de la musique électroacoustique, L’analyse des musiques électroacoustiques: Modèles et propositions. Au cours de sa carrière, il a également enseigné à l’Université de Montréal ainsi qu’au Conservatoire de musique de Montréal. Sa pièce Crystal Music a notamment obtenu le premier prix au 3^e Prix international Noroit-Léonce Petitot (Arras, France, 1994)

Kaleidos, empreintes DIGITALes, 1996

StrinGDberg (2001, 02, 03) de Robert Normandeau

Véritable tour de force musical, StrinGDberg est une œuvre minimaliste 16 pistes entièrement basée sur deux sources sonores: une prise de son d’une vielle à roue d’une durée d’une minute et une autre tirée du jeu d’un violoncelle. Le caractère tramé de la pièce, voir méditatif, invite l’auditeur à pénétrer au cœur du son et à être témoin des microvariations qui surviennent, à s’en émouvoir même. Une partie plus rythmique, caractéristique de l’œuvre de Normandeau, s’insère vers la moitié de la pièce. Comme pour une bonne partie de son catalogue, StrinGDberg a été composée pour accompagner une pièce de théâtre, Mademoiselle Julie d’August Strindberg, dont la mise en scène était assurée par Brigitte Haentjens et présentée à l’Espace GO (Montréal) en mai 2001.

Robert Normandeau enseigne à l’Université de Montréal. Ses œuvres ont été maintes fois primées lors de concours internationaux. Il est à noter qu’il est le cofondateur de Réseaux, une société de concerts dédiée à la diffusion des arts médiatiques qui a présenté les séries de concerts Rien à voir et Akousma.

Puzzles, empreintes DIGITALes, 2005

Les corps éblouis (1992-93, 94) de Christian Calon

Les corps éblouis tire ses matériaux sonores d’une seule source: la guitare électrique. Véritable travail sur la métamorphose, non seulement des sons de base mais également dans sa durée, la pièce a été pensée afin d’engendrer un effet de spirale où tout s’imbrique dans une perpétuelle mouvance. Ici on reconnaît le savoir-faire exemplaire de Calon, et une technique d’écriture comparable à celles des Parmegiani et Dhomont de ce monde. Les corps éblouis a obtenu le 2^e prix du jury au 22^e Concours international de musique électroacoustique de Bourges (France, 1994) ainsi que des distinctions au Prix Ars Electronica (Linz, Autriche, 1995, 97).

Christian Calon est un artiste indépendant œuvrant également en photographie et dont les œuvres ont maintes fois été récompensées aussi bien à l’international que chez nous.

Les corps éblouis, empreintes DIGITALes, 1998

Le vertige inconnu (1993-94) de Gilles Gobeil

Le vertige inconnu est probablement la pièce la plus forte non seulement de l’album La mécanique des ruptures, mais aussi du répertoire entier de Gilles Gobeil. Construite à partir de sons concrets, dont on peut reconnaître la provenance, le compositeur crée un univers cinématographique quasi surréaliste à l’intérieur duquel coexistent grillons et machines à air comprimé. Toutes les habiletés de Gobeil qui en font un compositeur si unique sont brillamment illustrées dans cette pièce: articulations vives, rupture du silence par des explosions sonores soudaines… Le vertige inconnu a remporté le Prix des arts électroniques de Stockholm, un concours international de musique électroacoustique (Suède, 1994) et a obtenu le 2^e prix au Prix Ars Electronica (Linz, Autriche, 1995).

Gilles Gobeil est professeur en technologies musicales au Cégep de Drummondville (depuis 1992) et a été professeur invité de composition électroacoustique à l’Université de Montréal (2005-06) et au Conservatoire de musique de Montréal (2007). Il est également lauréat de plus d’une vingtaine de prix sur la scène nationale et internationale.

La mécanique des ruptures, empreintes DIGITALes, 1994

Sous le regard d’un soleil noir (1979-81) de Francis Dhomont

Cette œuvre tourmentée, faisant partie du Cycle des profondeurs, explore et illustre l’univers de la schizophrénie en huit parties. Une des particularités de l’œuvre est l’emploi de la narration. Afin d’entrer dans le sujet, Dhomont utilise des textes du psychiatre et psychanalyste Ronald D Laing. Mais cette narration ne sert pas seulement à informer. Elle guide carrément le développement de la pièce, devenant même matériau sonore à certains moments. Selon Dhomont, cette œuvre propose la rencontre de l’imagination et de l’imagerie mentale produite par le traitement des sons. Sous le regard d’un soleil noir a obtenu le 1^er prix de la catégorie Musique à programme au 9^e Concours international de musique électroacoustique de Bourges (France, 1981).

Originaire de Paris, Francis Dhomont a passé une bonne partie de sa vie à Montréal pendant laquelle il enseigna à l’Université de Montréal (de 1980 à 1996). C’est d’ailleurs lors de cette période qu’il composa Sous le regard d’un soleil noir. Il est une des figures les plus marquantes dans le domaine de la musique électroacoustique et son travail a été largement reconnu et encensé.

Sous le regard d’un soleil noir, empreintes DIGITALes, 1996

Water Music (1991) de Yves Daoust

C’est par un beau jour de printemps que le compositeur eut l’idée de Water Music. Les gouttelettes tombant des glaçons fondants lui semblèrent mélodiques. La beauté de cette pièce vient du fait qu’elle met en vedette un matériau qui nous est assez familier, l’eau, permettant à l’auditeur de vraiment lui porter attention pour une fois. Le passage entre les différentes sections est particulièrement bien réussi.

Parallèlement à son enseignement au Conservatoire de musique de Montréal (qu’il a quitté en 2011), Yves Daoust a contribué au développement de la scène électroacoustique au Québec, notamment en participant très activement en 1978 à la fondation et au développement du premier organisme au pays voué à la promotion et à la diffusion de la musique électroacoustique, l’ACREQ. En 2009, il a reçu le Prix Serge-Garant (Fondation Émile-Nelligan) pour l’ensemble de son œuvre.

Musiques naïves, empreintes DIGITALes, 1998

eXpress (2001-02) de Jean Piché

Jean Piché est décidément un innovateur. Au départ compositeur (pensons à la pièce Taxis to Burning Sky), il s’est rapidement tourné vers l’image pour ensuite développer une toute nouvelle discipline à laquelle il donnera le nom de «vidéomusique». Ce que le compositeur tente de traduire, c’est une perception symétrique entre l’image et le son, une synergie. Pour eXpress, une œuvre pour trois écrans, Piché a filmé les images dans le train reliant Bourges et Paris. On peut y reconnaître des paysages. L’allure très cinétique d’Express est obtenue en réglant la caméra à une vitesse d’obturation très rapide avec une grande ouverture de l’objectif. La musique minimaliste et répétitive contribue à l’effet de transe de l’œuvre.

L’enseignement et la recherche en composition électroacoustique à l’Université de Montréal occupent une part importante de la vie professionnelle de Jean Piché. Il est également impliqué dans le développement de logiciels. On lui doit notamment Cecilia, un logiciel de traitement sonore.

www.jeanpiche.com/express.htm

Big Bang II (1987, 95) de Marcelle Deschênes

Dans Big Bang II, on se retrouve dans un univers postnucléaire. L’œuvre avait d’abord été conçue comme trame sonore servant d’accompagnement à une installation multimédia du sculpteur holographe et artiste de la lumière, Georges Dyens, intégrant sculptures holographiques, éclairages, fibre optique, musique électroacoustique, le tout en mouvement chorégraphié par un système de synchronisation programmée. De nature tramée et minimaliste, la pièce est brillamment écrite et a inspiré bon nombre de compositeurs.

De 1980 à 97, Marcelle Deschênes enseigne à la Faculté de musique de l’Université de Montréal la composition électroacoustique et multimédia, la perception auditive et les techniques d’écriture électroacoustique. Elle met sur pied, développe et dirige un programme inédit en composition électroacoustique aux trois cycles (baccalauréat, maîtrise et doctorat).

petits Big Bangs, empreintes DIGITALes, 2006

Arksalalartôq (1970-71) de Micheline Coulombe Saint-Marcoux

Cette pièce joue autour de l’abstraction de la parole, de la voix et même des instruments de musique. Arksalalartôq, d’après des textes des poètes québécois Noël Audet et Gilles Marsolais, exprime le vertige des mots, des sons, par analogie avec le jeu inuit où les participants (le plus souvent des femmes) mettent à l’épreuve leur capacité d’invention à créer et de résistance à émettre des sons, des mots pour la plupart sans signification. Entrecoupée par des sons percussifs ou dans d’autres cas tirés de synthétiseurs analogiques, Arksalalartôq rappelle certaines pièces de Stockhausen ainsi que Pierrot lunaire de Schönberg.

En 1968, Iannis Xenakis recommande vivement à Micheline Coulombe Saint-Marcoux d’aller à Paris pour y étudier la musique électroacoustique avec le désormais célèbre Groupe de recherches musicales (GRM), ce qu’elle fit. À son retour à Montréal, elle enseignera au Conservatoire de musique de Montréal jusqu’à son décès en 1985.

Impulsion, empreintes DIGITALes, 2001

Mantra (1997) de Jean-François Laporte

Dans l’ère moderne où nous vivons, nous sommes envahis, submergés par des sons de toutes sortes qui accompagnent notre existence. Jean-François Laporte les nomme «mantras», d’où le titre de la pièce. À l’image des mantras orientaux, ceux du compositeur doivent par exemple être d’une bonne longueur et se répéter de façon cyclique dans le temps. Pour cette pièce, Laporte a utilisé exclusivement les sons générés par un compresseur de refroidissement des patinoires lors d’une prise de son unique. Toutes les modifications timbrales ont été effectuées lors de la prise de son, sans aucune manipulation en studio.

Jean-François Laporte est surtout connu pour ses instruments inventés. Il est fondateur et directeur artistique et général des Productions Totem contemporain (PTC), et ses œuvres sont éditées aux Éditions Babel Scores.

Mantra, Cinéma pour l’oreille, 2000

Je ne pourrais passer sous silence les œuvres de ces compositeurs qui deviendront sans doute des incontournables de la musique électroacoustique du Québec dans quelques années: Champs de fouilles (2008) de Martin Bédard, Transit (1998) de Louis Dufort, frequencies (a) (2011-12) de Nicolas Bernier, L’appel (2008) de Georges Forget… et la liste pourrait continuer.

[Article édité en collaboration avec la rédaction du site Cette ville étrange. Chronique de la création musicale (www.cettevilleetrange.org).]

Here is another intriguing release from the adventurous folks at Diffusion i Media. Apparently, Mr. Roy has been involved in the visual arts and the literary world for quite some time now, and he has also won several awards at various worldwide experimental music competitions. Plus, he currently teaches at Université de Montréal! Anyone with credentials as impressive as this obviously knows what they are doing, and this level of artistic experience is very evident on Kaleidos. This is electroacoustic music achieved by guitar, tape, and various other sources. It is pure sound chemistry which attempts to establish a fascinating sonic soundscape without any nod to convention. Roy succeeds in reaching this much strived for territory in which rules simply do not exist. A very bold work.

On this CD there are 4 compositions, each is performed almost in the same style of music. Stéphane plays with sounds that he is able to create in an acoustic way and also in an electronic way. Sometimes the acoustic sounds are reworked electronically. Sometimes the composition is a chaotic mix of tunes, while in some songs it is a peaceful mix of easy tunes. It is not ambient music it is electronic music that can become real hypnotic.

Combinaciones espesas de sonido electroacústico creado a través de la guitarra fuente. La obra consta de cuatro partes que a su vez so corresponden a situaciones muy diversas en el tienpo, ya que éstas se desrollan desde 1987 a 1994. El sonido queda expuesto en murmullos de textura granulada como representación de estados internos que se expresan y alternan en progresiones de chocante rupturas dinámicas.

Traduit de l’espagnol.

Het akoesmatische Kaleidos van Stéphane Roy is minder toegankelijk. Roy speelt met klanken en geluiden zoals een schilder met verf en kleurnuances. Als pointilisme in de muziek bestaat dan is Kaleidos daar een perfect voorbeeld van. De spaarzame tonen verspreiden zich op het eerste gehoor achteloos in alle richtingen als kleuren in een kaleidoscoop. Toch is dit een meticuleus en perfectionistisch samengesteld klankenpalet dat zijn volle rijkdom toont in Mimetismo, waar hij in de clinch gaat met de Spaanse, akoestische gitaar van Arturo Parra, en in het betoverende en kristalheldere Crystal Music.

The 40-year-old Stéphane Roy brings a background in literature to his work in electroacoustic music. This Montréal-based composer has received numerous awards for his music. The composer associates his style with the school of “acousmatic” composition of the GRM in Paris.

Kaleidos brings together four compositions composed over the period 1987-1994. Mr. Roy’s sonic palette is consistent throughout this collection. In sudden gestures, he scatters fleeting sprays ot oily resonant grains. These are often mixed on top of distant, amorphous textures. Stéphane Roy also relies on another strategy: wide variations in dynamic range. Violent outbursts of energy emerge dramatically from near-silence to make curious gestures, then quickly disappear.

Mimetismo (1992) is a virtuoso composition based on strumming in the style of Spanish flamenco guitar, spanning 10 min and 36 sec. The piece was realized in several stages, with initial work using the SYTER system at the GRM studios, and final editing at the studios of the Universite de Montréal. The piece hegins gradually, building frenetically to an extended summit (but not a climax) at 3:30. The intensity gradually lowers, and we are transported to a realm of distant atmospheres. I was impressed by the composer’s fluid treatment of macro form.

Paysages intérieurs (1988), realized at the Universite de Montréal studios, works with a limited palette of source sounds that are transformed in the manner of musique concrète: filtered, transposed, remixed, spliced. The first several minutes consist of variations in what sound like small bells. The opposition between distant, Iooming figures and nervous cross-panning grains creates a dramatic landscape. As the composer states: “In these landscapes, where the unspoken reigns, a thousand fears suddenly emerge under the pressure of an interior murmur. The mysteries of our spirit open up ancient fratricidal debates, nourished by our entire existence” (program notes). This is a mysterious yet intriguing work, continuous in texture with a beautiful low-layer weaving throughout.

Ondes / Arborescences (1987), created in Montréal a year before Paysages intérieurs, Iasts 9 min and 36 sec. It begins with a cascade ot high and low frequencies. The source of its watery timbres is untraceable. Pitch plays more of a role in the opening of this work, which adds layers of long sustained tones to create harmonic fields that eventually destadestabilize into noises. The (analog synthesizer?) pitches return, drifting down in amplitude and across the spatial panorama. The melodic material seems improvised and quasi-random, so although the piece is skillfuily mixed, I did not find this piece to be as strong as the others.

Crystal Music (1994), at 14 min and 46 sec, is the newest and longest work on this disc. The work unfolds in the same unstable style as Mimetismo Realized with the Common Lisp music language, the first minute opens in a dramatic “acousmatic” style. As the composer states: “Like glasswork, the material has been expanded, moulded, transmuted in the fiery furnaces of experimentation.” A wide range of dynamics and techniques of granulation plays a major role in this tour-de-force of mixing.

Par sa série de «Compact-Compact» à courte durée (autour de 40 minutes de musique), Empreintes digitales veut offrir une collection de «découvertes électroacoustiques à moitié prix». On aurait tort de se priver de celui-ci, qui en termes de richesse musicale en surpasse bien d’autres, plus longs et plus chers.

Stéphane Roy est l’un des jeunes compositeurs de ce qu’il faut bien appeler maintenant l’École électroacoustique de Montréal, tellement les réalisations des nombreux compositeurs d’ici ont fait leurs marques dans le réseau mondial de ce médium. Roy a gravité autour de Francis Dhomont et de Jean-Jacques Nattiez pour son doctorat à l’Université de Montréal. De nombreux prix internationaux et résidences à l’étranger jalonnent déjà sa jeune carrière. Regroupées sous le titre de Kaleidos (ce qui se rapporte à l’intérêt de Roy tant pour les arts visuels que pour les couleurs sonores), les quatre œuvres présentées ici s’échelonnent entre 1987 et 1994. En écoutant les œuvres dans l’ordre de leur conception, je me suis surpris à les percevoir globalement comme les mouvements d’une véritable «Sonate électroacoustique», tant leur thématique, caractère et construction entretient de rapports avec le modèle classique.

FORME-SONATE. Dans Ondes/Arborescences, c’est l’opposition de deux discours que l’on perçoit d’emblée, celui du «bouleversement intérieur», sourd, «tellurique et violent» avec ses surgissements, et celui, plus «mélodique», où «élégies», «sirènes» et «violoncelles» contrebalancent, par leur monde harmonique plus près des hauteurs définies, le domaine plus indéterminé du premier discours. Le «développement» de ces deux «thèmes» s’élabore à l’intérieur de leur alternance, trois fois reprise.

LARGO. Les Paysages intérieurs se veulent contrastés par rapport à «la conception affirmative et énergique» de l’œuvre précédente. Un «univers sonore sinueux», «hachuré par le silence» et fait de «carillons aquatiques oscillants», d’itérations instables, de «berceuses floues chantées par des chceurs lointains», est troublé par des «émergences sporadiques», échos des «débats fratricides anciens qu’ébauche notre esprit».

On l’aura vu, il serait intéressant pour l’auditeur de confronter sa propre perception des œuvres avec les textes descriptifs du compositeur. Ceux-ci font souvent référence aux réalités de la vie intérieure, psychologique, aux masses inconscientes, presque somatiques que la musique cherche à évoquer. On ne peut savoir jusqu’à quel point ces référents ont conditionné consciemment la mise en forme du matériau, si Roy a réagi intellectuellement ou affectivement au contact du matériau pour interpréter plus tard ses choix dans le sens de ses textes ou si c’est la volonté d’exprimer l’une quelconque de ces réalités intérieures qui l’a constamment guidé dans ses choix compositionnels; mais nous pouvons cependant, à l’audition, examiner comment ces interprétations du compositeur peuvent orienter les nôtres…

SCHERZO. En schématisant grossièrement, on pourrait déceler deux tendances majeures en acousmatique actuelle (qui ne sont pas sans rappeler les deux «écoles», électronique et concrète, des débuts de ce médium). L’une d’elle, gravitant autour du pôle ircamien, accorde à l’analyse et au contrôle de l’aspect fréquentiel du timbre une très grande importance et symptomatiquement donne naissance le plus souvent à des œuvres mixtes, en confrontant le monde acousmatique ainsi conçu aux hauteurs de sons instrumentaux joués en direct. L’autre tendance cherche à composer «tout le sonore» sans fixation sur aucun mode traditionnel de conception ou de perception musicale, a fortiori celui accordant une prééminence aux hauteurs.

La réalité rattrape les compositeurs de cette deuxième approche lorsque le hasard des commandes les met en contact, pour une œuvre mixte, avec la réalité d’un instrument traditionnel. Mimetismo, pour guitare et bande est né de la collaboration de Roy avec le brillant guitariste Arturo Parra, dont les improvisations ont fourni la matière enregistrée sur la bande et qui assume aussi, pour le présent enregistrement, la partie de guitare. L’œuvre révèle, de façon encore plus évidente que les autres du disque (encore que Crystal Music soit particulièrement subtile sur ce plan), que l’électroacousticien convaincant qu’est Roy sait aussi composer intelligemment avec «l’autre monde». En effet, après une première partie fortement «bruitiste», faite de cliquetis, de grouillements nerveux, de tremoli en glissando menant à un premier sommet suivi d’une longue désinence, une musique fortement polarisée autour du mi caractéristique de la guitare commence à s’établir et s’affirme bientôt vigoureusement. Cet appel à un mode d’écoute plus «fréquentiel» est d’autant plus clair qu’il se double d’une référence stylistique, soit l’évocation de la musique flamenca par la technique et les harmonies employées. Après l’animation rythmique du «scherzo» initial et cette centration de l’oreille sur un mode peut-être plus «mélodique» (proche en cela de l’esprit de certains trios de la forme ternaire classique…), la partie finale apparaît comme la synthèse des deux précédentes, les faisant se collisionner rapidement jusqu’à la culmination finale.

RONDO. Crystal Music est sans doute, formellement, l’œuvre la plus riche de ce DC. L’instable pédale grave initiale entourée de ses multiples agitations agit un peu comme un refrain lorsqu’on la retrouve au centre (quelque peu enfouie) et à la clôture de la musique, encadrant des «couplets» où, entre autres matériaux, certains petits «mélodismes coquins» ou encore des clochettes à l’attaque inversée disputent notre intérêt à des accords quasi mineurs doucement pulsés.

II faut se repasser plusieurs fois ces musiques nerveuses pour en découvrir chacune des courbes, pour s’incorporer les incessants détours de ces formes complexes et riches. Et le plaisir en est d’autant renouvelé, conforté par un mixage efficace, conçu pour une audition maison idéale et mettant en valeur chacune des multiples couleurs minutieusement et magnifiquement mises en temps par Stéphane Roy.

A student of Francis Dhomont and the winner of numerous awards, Stéphane Roy is a new name to keep a look-out-for, that is if you’re interested in sonic construction in the manner of François Bayle and the likes. This is a sound-world, where music of a marginally melodic but often dissonant nature is created from the most unlikely sources. The four works on this disc all have their own unique focus: Mimetismo, wich deconstruct the playing of an acoustic guitar; Paysages intérieurs where excellent use is made of digital processing for a weirdly surreal cosmic feel; Ondes / Arborescences in wich percussive sounds are ripped apart, reverberated and shattered; and finally Crystal Music where the sounds created are indescribable in their fragility, power and diversity. It adds up to a fascinating disc and another worthy addition to empreintes DIGITALes’ budget “Compact Compact” series.

I’m sure there’s as much distinctive nuance in electroacoustic music as there is in anything else, but I clearly haven’t learned to spot it yet, as Stéphane Roy’s Kaleidos sounds to me like a continuation of Harrison’s record.

The stars have calmed down a little. Perhaps now they are reminiscing, instead of berating each other; the sequences of sounds build more slowly, and flutter through more intermediary tones, rather than careening breathlessly from octave to octave. There is a bit more textural density, some of Harrison’s spasmodic flare sublimated into an atmospheric sparkle. Roy manages a bit of instrumental reverse-weirdness, too, on Mimetismo, where some of the alien parts are transposed for Arturo Parra’s guitar. Played back to back, though, these two albums [Harrison’s Articles indéfinis and Roy’s Kaleidos] seem to me like an epic 2001-esque expansion of the black-hole journey that Rush glossed over in the transition from Cygnus X-1 to Hemispheres.

Des enregistrements qui apportent un argument convaincant quant à la valeur de la musique acousmatique paraissent trop rarement, mais c’est ce que fait avec éloquence le CD de Stéphane Roy. Voici de l’art acousmatique dans sa forme la plus pure, la plus élevée. Il y a une fluidité et une mobilité dans le contrôle et la mise en forme du matériau qui révèlent une approche véritablement sculpturale du son — le son comme médium plastique. On remarque immédiatement l’attention soignée portée au détail dans cette musique, bien qu’elle ne soit jamais trop contenue. Il y a toujours un sentiment de joie réelle, de réjouissance dans la beauté des sons pour eux-mêmes.

Cette musique est, dès la première écoute, immédiatement attirante (peut-être à cause du contenu principalement centré sur les sons à hauteur déterminée), mais elle laisse également prévoir qu’une écoute plus approfondie offrira cependant de plus grandes récompenses. Ce qu’on remarque particulièrement dans les pièces présentées est que le compositeur ne fait pas que manipuler des matériaux comme s’ils étaient de la matière inanimée. Au lieu de cela, les sons sont réellement faits pour vivre et respirer, comme s’ils possédaient eux-mêmes une intelligence et montraient des comportements particuliers en réponse directe à leur environnement sonore.

Toutes les pièces sur ce CD ont des attributs stylistiques en commun, en particulier l’utilisation caractéristique du ‘ré-enveloppement’ des sons, à la fois en intensité et en hauteur. Les pièces plus anciennes Ondes / Arborescences et Paysages intérieurs partagent une vitalité parfois écrasante, mais en même temps toujours clairement sous contrôle, alors que Mimetismo réussit, avec une apparence d’aisance, la difficile tâche de transporter un langage si fortement acousmatique dans le champ instrumental d’une façon telle que la guitare et la bande ne font réellement qu’un (ce qu’on prétend souvent pour d’autres pièces, mais rarement de façon réellement justifiée).

Un point important à mentionner à propos de ces œuvres est qu’elles ne témoignent pas seulement de l’art du compositeur mais également de son métier, chose indispensable dans le domaine acousmatique puisque le compositeur ne fait pas que concevoir la musique, mais il la “fait” également. Dans la dernière pièce Crystal Music, le métier est porté à de nouveaux sommets, avec ses explorations extrêmement contrôlées de tessons de sons doux mais intensément actifs.

Traduit de l’anglais.

With a microphone, a computer and sophisticated software, Stéphane Roy is capable of producing worlds of sound unimaginable to the average luddite. In the tradition of Pierre Schaeffer and GRAM, this Montréal-based composer (along with other artists in that city) is devoted to electroacoustic music and what is often referred to as acousmatic sound. Compared to their American counterparts, the French (and Canadian) approach relies more on sounds recorded from the surrounding environment (rather than synthesized timbres) and the diffusion of such sounds through multiple loudspeakers. Naturally, Kaleidos is reduced down to two channels for play on the home stereo, but it isn’t difficult to imagine Roy at the mixer moving these rich and lively sounds to different sets of speakers that surround the listener. Ranging between nine and fifteen minutes in length, these pieces are the 21st century equivalent to the 19th century symphony and it is all done with recorded sounds and digital processing. You won’t hear any violins or brass instruments, although Mimetismo does use the guitar as a sound source. Spanning eight years of Stéphane’s creative output, this collection is solid proof that electronic sound is not a sterile art.

«N’ajustez pas votre appareil»

Des quatre récentes parutions, commençons par Kaleidos de Stéphane Roy. Ici les sonorités acousmatiques se présentent avec une rare délicatesse de traitement. Le vacarme y est proscrit. On retrouve plutôt dans les éléments retenus une grande et judicieuse parcimonie qui permet l’affirmarion d’un véritable style. Vitesse, bruissements, tensions mais surtout douceur, douceur qui parfois frise l’assoupissement, pour déboucher — qui sait? — dans le rêve. Roy opte surtout pour des sonorités éoliennes plutôt que pour des valeurs rythmiques. Aussi perçoit-on dans ses réalisations force grains de poussière, des tempêtes de sable où défilent des bribes de tout poil. Dans la pièce Mimetismo qui ouvre le programme, Roy superpose les sonorités de la guitare (celle d’Arturo Parra) aux ondes fugaces des machines. Nait de cette union un mimétisme certain qui se transforme finalement en une osmose.

Varied sounds come in glimpses, interrupted by periods of silence, or near silence. This might sound even unsettling, but it strikes me more as a series of provoking, sonic propositions. Each idea stands out clearly and time granted for consideration. The French and English liner notes describe “unstable spaces” while Roy’s own notes bring into play the aural color, or “klangfarben.” This seems better suited to the title, to me. I see monuments of diverse form and color placed periodically along a road. Further notes explore each of the four tracks (the shortest cut is nearly ten minutes). Avant-garde compositions for the stereo adventurer.

Intitulé Kaleidos afin de refléter le «fourmillement, éclatement, contraste et transparence» des quatre œuvres acousmatiques de Stéphane Roy qu’il juxtapose, ce recueil fait miroiter des pièces qui ont souvent valu à leur auteur des récompenses prestigieuses: Mimetismo, premier prix du Concours international Luigi Russolo (1992); Paysages intérieurs, deuxième prix du Concours national des jeunes compositeurs de Radio-Canada (1988); et Crystal Music, premier prix au Prix international de musique acousmatique Noroit-Léonce Petitot (1994).

Stéphane Roy’s Kaleidos (empreintes DIGITALes, IMED 9630) is the work by the composer whose earlier artistic life straddled fine art and literature. This is theatrical music where the tonalities are treated as different characters in the sound-play.

Compositeur québécois primé dans de nombreux concours, Stéphane Roy présente quatre pièces dans la collection «Compact-Compact» (courte durée (environ 40’) à prix réduit). Mimetismo pour guitare et bande est marquante par le mariage parfait de l’instrument et de la bande, une fusion totale, au même titre, mais dans une esthétique différente, que la pièce de Gilles Gobeil Associations Libres avec René Lussier à la guitare. Les 3 autres pièces pour bande évoquent plutôt des contrées étranges parcourues par des ondes de choc et diverses couleurs rayonnantes.

• Voir, 13 février 1997
• SOCAN — Paroles & Musique, 1 janvier 1997