Quartier Libre a rencontré le professeur en composition électroacoustique à la Faculté de musique Robert Normandeau. Alors que l’UdeM a proposé un concert intitulé Carte blanche à Robert Normandeau le 25 novembre dernier dans le cadre du festival Vibrations, retour sur plus de 40 ans de carrière en électroacoustique pour le compositeur.

Le jeudi 24 novembre dernier, à la lumière des grandes fenêtres de son bureau qui donne sur le flan enneigé du mont Royal, le compositeur et professeur à la Faculté de musique de l’UdeM Robert Normandeau peaufine un morceau du spectacle qu’il s’apprête à présenter le lendemain dans le cadre du festival Vibrations de l’UdeM.

Une structure de métal sur laquelle sont accrochés une vingtaine de haut-parleurs surplombe son bureau, étrangement placé au centre de la pièce. Autour, une dizaine d’autres haut-parleurs sur pied donnent une allure de studio à la pièce et jurent avec l’aiguisoir de métal fixé au mur près de la porte, vestige d’une autre époque universitaire.

Dôme de son

La structure, montée à l’été 2020, permet à M. Normandeau de composer ses pièces de musique immersive multiphonique (NDLR: Qui a plusieurs sources sonores). Deux dômes similaires sont mis à la disposition des étudiant·e·s de l’UdeM dans les studio de la Faculté de musique.

Un nouveau dôme, obtenu grâce à des subventions du Fonds canadien pour l’innovation, a également été installé temporairement le 25 novembre dernier à l’occasion de la soirée «Carte blanche à Robert Normandeau». C’était la première fois que la structure était utilisée pour un spectacle devant public.

Le professeur, qui est le premier au Canada à avoir reçu un doctorat en électroacoustique, s’intéresse tout particulièrement à la spatialisation sonore. L’idée du son dans l’espace est essentielle à la composition de ses pièces acousmatiques (NDLR: Musique fixée sur un support, qui s’écoute sans se voir). «C’est moi qui ai fait la demande pour le doctorat, je voulais continuer, explique M. Normandeau, visiblement passionné par sa pratique. En 1988, quand j’ai commencé au doctorat, l’équipement coûtait horriblement cher. [Les compositeurs] dépendaient complètement des studios institutionnels.»

Pour modéliser les déplacements du son dans ces dômes, le professeur a d’ailleurs développé SpatGRIS, un logiciel de spatialisation sonore, avec les étudiant·e·s du Groupe de recherche en spatialisation sonore (GRIS), qu’il a fondé en 2008. Premier du genre au monde, le logiciel permet de représenter le déplacement du son dans l’espace pour un ensemble de haut-parleurs et de composer ainsi des pièces immersives. Il est offert gratuitement sur la page web du groupe de recherche.

«On peut avoir autant de sources qu’on veut, c’est virtuel, explique M. Normandeau, souriant sous sa canopée de haut-parleurs. Le nombre de haut-parleurs n’a pas vraiment d’importance, on peut mettre les sons n’importe où dans l’espace.» Dans la lumière de l’après-midi enneigé, le compositeur semble encore s’émerveiller des possibilités du dispositif.

Expérience immersive

«[L’humain est] très précis dans sa localisation du son, poursuit M. Normandeau. L’auditeur perçoit tous les sons que je place dans le dôme, même s’il ne sait pas exactement d’où ils proviennent.» Dans ses compositions, différents sons se superposent, et renouvellent l’attention de l’auditoire en se déplaçant dans l’espace.

L’UdeM possède quatre dômes , dont le nombre de haut-parleurs varie entre 16 et 32.

Lors de la soirée du 25 novembre, une foule d’une soixantaine de personnes s’est agglutinée sur quelques rangées de sièges dans la section centrale de la salle Claude Champagne. Dans chaque allée, deux haut-parleurs s’élevaient à près de deux mètres du sol sur de gros trépieds chromés. D’autres haut-parleurs étaient suspendus au-dessus du public, pour un total de 24 haut-parleurs.

Les initié·e·s, qui connaissent le fonctionnement du dispositif, se sont empressé·e·s d’avoir une place de choix au centre du dôme pour entendre pleinement les œuvres immersives du compositeur. Si certains sont restés masqués, ils n’ont pas hésiter à frôler les coudes de leur voisins de siège pour tenter l’expérience immersive complète.

Programme rétrospectif

Le programme du concert «Carte blanche à Robert Normandeau», donné pour souligner le départ à la retraite du professeur, a offert une rétrospective chronologique de sa carrière de près de 40 ans en tant que compositeur électroacoustique. Les quatre morceaux, Jeu, Kuppel, Jeu de langues et Le ravissement, ont été composés entre 1989 et 2022.

«Je ne suis pas un intellectuel de la musique qui s’assoit devant une partition, révèle M. Normandeau. Je travaille avec des matériaux.»

Souriant, le professeur de composition, l’air décontracté avec ses cheveux blancs mi-longs et sa chemise aux motifs originaux, confie se considérer davantage comme un «artisan» de la musique.

Bien qu’il se considère comme tel, il explique néanmoins sa pratique en des termes illustratifs et précis, dignes d’un professeur d’université. «Acousmatique provient d’”akousma”, un terme grec employé par le philosophe Pythagore lorsqu’il enseignait en se cachant derrière un rideau», détaille machinalement M. Normandeau, interrogé sur le terme «musique acousmatique».

Bien que la structure soit permanente, le dôme de haut-parleurs mobile de la salle Claude-Champagne a dû être déplacé après le concert d’électroacoustique pour permettre l’usage normal de la salle.

Cinéma pour l’oreille

Pour le compositeur, dont la thèse doctorale s’intitule Un cinéma pour l’oreille, la musique électroacoustique véhicule du sens en utilisant des sons reconnaissables, qui réfèrent à «autre chose que l’aspect musical des sons». Comme à la lecture d’un roman, l’auditoire reconnaît les bruits utilisés et imagine ainsi un narratif, un «film», informé par sa propre expérience.

L’écoute de Jeu, le premier morceau du concert, s’apparente réellement à une expérience cinématographique. En entendant le bruit de rires d’enfants, le public présent dans la salle Claude-Champagne a pu successivement s’imaginer une cour d’école, puis sursauter au bruit menaçant de coups de canon se déplaçant dans le dôme de haut-parleurs. Tous ces bruits, reconnaissables, ont permis à chacun·e de s’imaginer au milieu de scènes fictives, en fermant les yeux.

Pour Kuppel, composé en 2006, M. Normandeau a essayé de reproduire une sensation d’immersion dans le son d’un carillon d’église, fruit d’une expérience personnelle vécue un dimanche matin à Karlsruhe, en Allemagne. «Ce n’est pas un documentaire, précise toutefois le professeur. Le son du carillon n’est pas directement dans la salle de concert, il y a une structure musicale dans l’œuvre, mais la sensation pour l’auditeur est de même nature.»

Tous les morceaux de l’album Mélancolie de Robert Normandeau, paru en octobre 2021, ont été composée à l’aide d’un dôme de haut-parleurs et sont destinées à être écoutés avec le même dispositif. Pour le compositeur, écouter ces pièces en stéréos serait comme de «voir une carte postale» des morceaux d’origine.

Texture et registre

«Aujourd’hui, je travaille d’une façon plus abstraite, j’ai une pensée plus musicale que cinématographique», ajoute M. Normandeau, qui compare la composition électroacoustique avec l’art abstrait. Selon lui, le public veut donner du sens aux sons qu’il entend dans ses pièces musicales. «Et si le sens est difficile à trouver, on en fabrique!», déclare-t-il.

Pour la pièce érotique Jeu de langues, par exemple, la performance de trois flûtistes a été transformée en une trame syncopée d’inspirations, de bruits de langues et de subtils claquements métalliques, un morceau intime qui a jeté une atmosphère de tension dans la salle. Pour Le ravissement, des enregistrements du concert de la chanteuse et violoncelliste Jorane, auxquels M. Normandeau a collaboré en 2020, devient un ensemble texturé où la voix de l’artiste et ses chansons sont méconnaissables.

Former des artistes

Dans les escaliers pour descendre de son bureau, M. Normandeau revient sur ses années d’enseignement, qui prendront fin au printemps. Il mentionne avoir parfois eu des reproches pour ne pas donner assez d’indications techniques lors de la supervision de projets créatifs. «C’était réfléchi, se défend-il en dévalant les marches. J’ai toujours essayé de développer le sens artistique des étudiants, leur créativité m’importait plus que la technique.»

Sur scène, devant la foule venue assister au concert, le professeur s’est dit ému de reconnaître les visages de proches et de collègues, ainsi que d’étudiant·e·s qu’il n’avait pas vus depuis plusieurs années. Un sentiment manifestement partagé, car le compositeur a été remercié par une longue pluie d’applaudissements, et ce, avant même le début du spectacle.

The album Into the Forest by Louis Dufort is nominated for the 2021-22 Opus Prize in the category “Album of the Year — Musique actuelle, Electroacoustics.” The work Le ravissement by Robert Normandeau — available on the album Mélancolie — is nominated in the category “Premiere of the Year.” The 26th Opus Prize Gala will take place on February 5, 2023 at Salle Bourgie of the Musée des beaux-arts de Montréal.

Nous voilà 30 ans plus tard, trois décennies après nos premières conversations avec le compositeur, pédagogue et directeur artistique Robert Normandeau. Et 17 festivals Akousma plus tard.

L’interviewé de PAN M 360 est issu de la deuxième génération de la communauté électroacoustique, ayant succédé à la première frange montréalaise des Micheline Coulombe Saint-Marcoux, Marcelle Deschênes, Gisèle Ricard, Yves Daoust, Philippe Ménard, Francis Dhomont (rentré en France depuis 2004).

Au tournant des années 90, la communauté électroacoustique québécoise se scindait en deux tendances, l’une encline à l’art multimédia et l’autre fidèle aux vertus de la diffusion acousmatique, c’est-à-dire sans l’image.

Rien à voir, telle était l’approche du premier festival Akousma, fondé par Robert Normandeau, Jean-François Denis et Gilles Gobeil. L’autre tendance lança le festival Élektra, fondé et dirigé par le compositeur Alain Thibault.

Longtemps perçu comme l’antre des purs et durs de l’électroacoustique, Akousma demeura un événement confidentiel pour finalement remporter l’épreuve du temps sous la gouverne artistique du compositeur Louis Dufort. En témoignent les salles pleines du 17^e Akousma et l’équilibre atteint entre la poursuite d’une tradition et la porte ouverte aux tendances les plus vivifiantes de l’électro fondamentale. Voilà une des innombrables preuves qu’une bonne piste de création peut mettre beaucoup de temps à être balisée.

En cette dernière soirée Akousma, cette fois consacrée aux pionniers de la profession pour commémorer un 30^e anniversaire, il appartient à Robert Normandeau de faire le point sur sa pratique artistique, dont une œuvre récente est présentée à l’Usine C ce vendredi 15 octobre.

PAN M 360: Satisfait des réalisations et du rayonnement du festival dont tu es un des instigateurs et le tout premier directeur artistique?

Robert Normandeau: 30 ans de production de concerts, c’est beaucoup de souvenirs, beaucoup de rencontres et plein de belles et durables amitiés un peu partout dans le monde. Nous avions créé Réseaux des arts médiatiques (c’est le nom sur les Lettres patentes…) à une époque où on voyait disparaître peu à peu des salles les musiques électroacoustiques de concert. Les organismes de l’époque préférant le live, les installations et la vidéomusique. Encore à ce jour, Akousma (c’est son nom usuel aujourd’hui) demeure le seul producteur de ce genre musical au Canada. Ce qui a changé en 30 ans c’est qu’à peu près tout le monde fait au moins peu d’électro dans sa programmation régulière. Alors, oui, sur ce plan on peut dire que c’est gagné, que l’électro n’est plus ghettoïsé dans un coin obscur de l’activité culturelle. Et après avoir «erré» de salle en salle pendant des années, Akousma s’est installé à l’Usine C sous la férule de Louis Dufort et de Réjean Beaucage, ce qui est sans doute l’un des plus beaux écrins pour la musique qui y est présentée.

PAN M 360: Les pionniers d’alors étaient considérés comme des protagonistes de la branche électronique de la musique contemporaine. Quelle est ta perception aujourd’hui?

Robert Normandeau: Les pionniers comme tu dis (Deschênes, Daoust, Dhomont, Coulombe Saint-Marcoux et autres) étaient en fait des compositeurs issus de l’instrumental qui ont fait le saut en électroacoustique. Certains sont restés à demeure, d’autres ont vagabondé. Nous trois (Denis, Gobeil et moi), sommes des «purs»! En ce sens que, essentiellement, nous avons construit nos œuvres et nos pratiques presque exclusivement en électroacoustique. C’est un luxe qu’on peut se permettre lorsqu’on vit à Montréal… ou en Europe. Ailleurs en Amérique du Nord, c’est pratiquement impossible. Trop peu de structures professionnelles, trop peu d’opportunités de jouer en concert, trop peu d’aide aux artistes. Bien que nous soyons plutôt du côté de la musique acousmatique, la situation culturelle à Montréal est encore meilleure qu’elle ne l’était en 1991. Certes, la jeune génération ne pratique plus beaucoup la musique acousmatique, remplacée par toutes les autres déclinaisons du genre, mais les opportunités de jouer, de participer à des créations collectives (danse, théâtre, installations) se sont multipliées. Et en revoyant des ancien. nes étudiant. es au festival cette semaine, je constate que nombre d’entre eux. elles, après avoir terminé leurs études il y a plusieurs années, sont encore actif. ves dans le milieu. C’est très réjouissant de constater cela.

PAN M 360: On pourrait en parler longtemps mais peux-tu esquisser une brève comparaison entre la programmation 1991 et la programmation 2021?

Robert Normandeau: En 1991, et par les années suivantes, soit jusqu’en 2005, première édition d’Akousma, notre programmation était principalement dédiée à la musique acousmatique, présentée sur des orchestres de haut-parleurs. Notre première série régulière se nommait Rien à voir. Il n’avait en effet rien à voir, mais surtout, elle n’avait rien à voir avec la musique instrumentale! Nous y avons fait venir – la présence des compositeurs était essentielle pour nous – des artistes dont nous aimions les musiques et qui habitaient un peu partout sur la planète. Lorsque nous avons fondé Akousma, c’était pour élargir notre horizon d’une part, et parce qu’on se rendait bien compte que la pratique changeait, même chez des compositeurs acousmatiques. On a donc incorporé le direct, les installations, la vidéomusique, la danse par exemple. Et qu’on retrouve-ton à Akousma cette année? Un peu de toutes ces pratiques, avec une forte présence de la musique acousmatique! C’est qu’au fond, d’une direction artistique à l’autre, ce qui est demeuré chez nous, c’est l’idée de présenter des musiques de concert, dans les meilleures conditions possibles. Après l’éclipse créée par la pandémie, on se rend bien compte aussi que le rituel de l’écoute en salle, entouré d’auditeurs attentifs, demeure une expérience irremplaçable.

PAN M 360: Parlons de tes œuvres au programme. D’abord L’engloutissement (16:25), que tu expliques ainsi dans les notes de programme:

«Le titre L’engloutissement m’est venu de la lecture du livre de Francisco Goldmann, Say Her Name, lu au Mexique où le livre se déroule en grande partie. Récit de la mort de sa jeune femme survenue sur le bord de la mer, ce livre m’a renvoyé à un événement personnel survenu à l’été 2012 où, bien qu’excellent nageur, j’ai failli me noyer. L’engloutissement est celui ressenti dans l’eau, prisonnier de l’eau où, à trois reprises, je suis arrivé à remonter à la surface, pour ensuite redescendre vers le fond, coincé dans une structure trop lourde. C’est une expérience que je n’avais jamais vécue et qui, curieusement, était exempte de la peur qu’on peut imaginer ressentir dans de telles circonstances. Je m’en suis finalement tiré sain et sauf, avec une migraine intense.

Le seul traitement sonore utilisé ici a été l’extrême ralenti. C’est un hommage à l’artiste américain Bill Viola, dont la rétrospective vue au Grand Palais à Paris en 2014 m’a profondément touché.

L’engloutissement est une œuvre immersive, destinée à être présentée dans un dôme de haut-parleurs.»

Trois sources d’inspiration donc: La noyade de Say Her Name, ta mésaventure personnelle et la rétrospective de Bill Viola. Comment ces sources d’inspiration se manifestent-elles dans L’engloutissement?

Robert Normandeau: Elles se manifestent à la fois sur le plan sonore, sur le plan personnel et sur le plan formel. Sur le plan sonore, la pièce est faite presque exclusivement de sons d’eau; plongeons et vagues. Sur le plan formel, la pièce est faite d’une seule technique d’écriture: l’extrême élongation des matières sonores. Sur le plan personnel, elle représente un nouveau cycle d’œuvres où j’ai tendance à penser mon travail en termes littéraires ou picturaux, plutôt qu’exclusivement musical. Je raconte une histoire. C’est une aventure émotionnelle que je propose à l’auditeur. C’est un film en quelque sorte. Pas tant un cinéma pour l’oreille comme je l’ai déjà défini par ailleurs, mais plutôt comme une aventure immersive destinée à communiquer une expérience sensible. Quant à Bill Viola, c’est un artiste que je fréquente (professionnellement s’entend) depuis très longtemps. Mais lorsque j’ai vu la rétrospective au Grand Palais à Paris, cela m’a fait rendre compte qu’un artiste peut utiliser plus ou moins les mêmes techniques, et les mêmes ressorts émotifs d’une œuvre à l’autre, sans que jamais on n’ait le sentiment d’une répétition ou d’une redite. C’était littéralement, pour moi, une expérience transcendante. Et comme lui, j’ai utilisé des techniques d’extrême ralentissement afin que l’on puisse découvrir l’intérieur même de la matière sonore en mouvement.

PAN M 360: La deuxième œuvre au menu d’Akousma s’intitule Ravissement (15:21), en voici un extrait des notes de programme:

«Le mot ravissement renvoie à deux sens: celui, spirituel qui consiste à être transporté dans un monde surnaturel et celui de ravir, d’enlever.

Sur le plan musical, cette pièce emprunte l’idée du laminage, qui est, d’une part, un procédé de fabrication par déformation plastique et d’autre part, au figuré, l’action de réduire très fortement l’importance de quelque chose ou de quelqu’un. Ce qui est déformé ici, c’est le temps. Le temps et les spectres sont étirés ici au-delà des seuils de perception. Et au figuré, ce qui est réduit, ce qui est ravi, c’est l’identité des sources musicales utilisées.

En 2018, j’ai été invité à collaborer au plus récent projet de la chanteuse et violoncelliste Jorane. Mon travail de composition consistait à traiter en temps réel le matériel musical de la soliste, des chanteuses et du quatuor à cordes. C’était un retour au temps réel pour moi, qui avait été au cœur de mes premières expérimentations électroacoustiques et que j’avais un peu délaissé au cours des trente dernières années…

Cette pièce est le résultat d’un mélange entre les matériaux créés pour le spectacle présenté en mars 2019 et ceux qui ont été générés lors de deux résidences de création. La première a eu lieu au Virginia Center for the Creative Arts (VCCA) à Amherst (Virginie, ÉU) en octobre 2019, alors que la seconde a eu lieu à Nice en novembre 2019.

Le ravissement comprend neuf mouvements: L’arrivée; Le doute; La crainte; L’extase; L’agitation; L’appel; Le détachement; Le ravissement; La disparition.»

Cette collaboration avec Jorane a donc généré une œuvre de son côté, puis une autre du tien?

Robert Normandeau: Oui exactement. Jorane a publié une musique qui se nomme Antimatière que nous avons co-composé et qui devrait ouvrir son prochain spectacle. De mon côté, j’ai utilisé avec sa permission et celles de ses musiciens, les matériaux sonores d’un spectacle que nous avons fait ensemble en 2019. C’est le matériau exclusif de cette musique.

PAN M 360: Que retiens-tu de ce «retour au temps réel»? En quoi cela a-t-il modifié la trajectoire de Jorane? Comment cela ensuite pu nourrir une œuvre distincte de ta part?

Robert Normandeau: Jorane était arrivée à un point dans sa vie d’artiste où elle avait envie d’explorer des matières sonores plus expérimentales dans lesquelles l’espace jouerait un rôle important. Un ami commun nous a mis en contact et je lui ai fait écouter une de mes pièces sous un dôme de 32 haut-parleurs. Cela l’a séduite et nous avons ainsi commencé une collaboration. Mon rôle était de faire des transformations en direct des voix et du quatuor à cordes pendant les spectacles. Afin d’ajouter une touche électro à une musique par ailleurs essentiellement instrumentale. Je ne peux parler pour elle, car maintenant nos trajectoires, pandémie oblige, ont légèrement bifurqué, mais aujourd’hui elle vient de sortir son disque Hemenetset, sur lequel figurent deux artistes électroniques! De mon côté, lorsque j’ai la chance de collaborer avec des artistes d’autres disciplines, j’essaie de profiter de ces rencontres pour élargir mon vocabulaire et mes intentions. Je l’ai fait beaucoup au théâtre, notamment avec Brigitte Haentjens où plus de la moitié des musiques que j’ai composées pour ses productions se sont retrouvées dans une salle de concert.

PAN M 360: Comment peux-tu situer ce travail présenté vendredi dans ton propre processus évolutif? Vers quoi ça te mènerait? Nul n’est devin mais…

Robert Normandeau: Depuis 2001, j’ai entrepris un cycle d’œuvres qui se nomme Spatialisation timbrale. Je travaille avec des dispositifs de haut-parleurs immersifs, surtout des dômes. Et je place les auditeurs au centre de ces dômes. La musique est spatialisée, mais ce travail est plutôt de l’ordre de l’immersion que des trajectoires. Notre oreille est très sensible au déplacement des sources sonores, même si celui-ci est léger. Cela a déjà été une question de survie pour l’espèce! J’utilise des sons complexes, comme des sons de vagues ou de vielle à roue, que je décompose et que je diffuse sur des haut-parleurs différents. Les timbres originaux se recomposent ensuite dans l’espace, mais de manière légèrement différente d’un auditeur à l’autre selon sa place dans la salle. Idéalement, je préfère présenter mes musiques dans des [lieux de type] black box, afin de laisser aux auditeurs la possibilité de circuler pendant le concert. C’est une expérience très dynamique sur le plan de la perception de l’espace. Pour paraphraser McLuhan: Le médium, c’est l’espace. À l’Usine C, l’expérience sera un peu différente, mais le volume est tellement fantastique que cela devrait rendre justice aux œuvres. Je travaille personnellement dans un dôme de haut-parleurs depuis plus de 10 ans maintenant et dernièrement j’ai pu faire l’acquisition d’un dôme complet de 24 hp. Donc ces musiques n’ont existé que sous cette forme. Il s’agit d’un nouveau format pour cette musique. Et comme Denis Villeneuve, le cinéaste, je compose pour le grand écran!

Les deux œuvres de Robert Normandeau présentées au concert de vendredi viennent d’être publiées sur empreintes DIGITALes, soit au sein de l’album Mélancolie.

A música de Mario Mary, Robert Normandeau e Jaime Reis poderá ser ouvida num espaço sonoro tridimensional nas escolas superiores de música de Lisboa, Porto e Castelo Branco.

O próximo ciclo de concertos integrado nos Dias de Música Electroacústica (DME), que decorre entre 19 e 22 de Fevereiro em Lisboa, em Castelo Branco e no Porto, será dedicado aos compositores Mario Mary (Argentina/França/Mónaco) e Robert Normandeau (Canadá), acompanhados pelo português Jaime Reis, fundador e director artístico deste festival itinerante que toma a cidade de Seia como base, mas que tem promovido paralelamente diversas edições noutros pontos do país. Desde 2017, o festival conta também com o Espaço Lisboa Incomum (Rua General Leman, nº 20), destinado a promover a partilha de projectos experimentais nos campos da arte e da ciência.

Desta vez, os DME passarão pela Escola Superior de Música de Lisboa (dia 19), pela Escola Superior de Artes do Espectáculo de Castelo Branco (dia 20) e pela Escola Superior de Música e Artes do Espectáculo do Porto (dia 22), no âmbito de uma digressão que inclui conferências e concertos. Para cada um destes concertos, Jaime Reis preparou “um sistema de difusão de som imersivo”, em forma de cúpula. Segundo este compositor, com uma vasta obra no campo da electroacústica apresentada em Portugal e no estrangeiro, trata-se de “um sistema que permite simular movimentos do som num espaço tridimensional, gerando formas ou percursos espaciais para criar movimentos como rotações elípticas, espirais, explosões espectrais, paredes de som e outros”. Robert Normandeau e Jaime Reis apresentam obras compostas para este tipo de sistema, enquanto Mario Mary mostrará ao público a sua ampla experiência como espacializador sonoro, difundindo em tempo real as suas obras em estéreo e multicanal nos sistemas imersivos preparados para o efeito. A digressão conta ainda com a participação do pianista ucraniano Vasyl Tsanko, solista convidado do ensemble DME.

O programa do concerto desta terça-feira (Auditório da ESML, 21h30) inclui as obras Rock (2013) e El sofisticado sonido del Dasein (2018), de Mario Mary; Fluxus, pas trop haut dans le ciel (2017), de Jaime Reis; e Figures de rhétorique (1997) e Raíl (2019), de Robert Normandeau. Esta última terá nesta ocasião a sua estreia mundial. Composta entre 2012 e 2019 durante várias estadias no estrangeiro, Raíl extrai os seus materiais musicais de várias fontes sonoras, entre as quais comboios (incluindo gravações do Canadá, dos EUA e do México) e helicópteros registados ao longo de 20 anos, entre os quais o helicóptero da Sureté du Québec (a polícia do Quebeque) que sobrevoou o bairro do compositor durante as manifestações estudantis do movimento Spring Maple, em 2012. De Normandeau, professor na Universidade de Montréal e detentor de vários prémios internacionais, será possível ouvir ainda Figures de rhétorique, para fita e piano, em que as figuras de estilo da arte retórica, organizadas por categorias, determinam a relação entre a fita e o piano nos quatro andamentos, e onde se incluem passagens semi-improvisadas.

As composições de Mario Mary, professor na Rainier III Academy, no Mónaco, e director artístico do festival Monaco Electroacoustique compreendem, respectivamente, uma homenagem ao rock progressivo (ou rock sinfónico do início dos anos 70), que marcou a sua adolescência, e uma obra inspirada pelas ideias do filósofo Martin Heidegger, que definiu o sujeito (o homem) como Dasein (o ser-aí). Para Mario Mary, a música de El sofisticado sonido del Dasein “incorpora uma abordagem autêntica em que o material sonoro, a orquestração, a polifonia e o discurso musical” enfatizam características da sua estética pessoal, assim como “um trabalho reflexivo” sobre a arte eletroacústica e o mundo de hoje.

Finalmente, Fluxus, pas trop haut dans le ciel, de Jaime Reis, professor na ESART e na ESML e investigador do INET-md (Universidade Nova de Lisboa), faz parte de um ciclo de peças inspiradas em elementos físicos, que desenvolvem elementos musicais relacionados com a mecânica dos fluidos. Neste caso, a obra centra-se no que o compositor chamou de “paisagens sonoras aéreas”. Segundo Jaime Reis, “a espacialização sonora actua como um parâmetro musical central, onde a distribuição do som pelos altifalantes está relacionada não só com diferentes tipos de movimentos e formas espaciais, mas também com mudanças espectrais, com velocidades diferentes e com outros parâmetros.”

Com pequenas variantes, este programa será apresentado na quarta-feira, às 21h30, em Castelo Branco, e no dia 22, às 19h, no Porto, sendo precedido por conferências e sessões de trabalho com os compositores.

The Weimarer Meisterkurse on July 14-16, 2017 is on acousmatic composition with Robert Normandeau.