The new Tomas Jirku album, Bleak 1999, was launched on August 31, 2003 at Casa del Popolo (Montréal) with special guests The Unireverse and Dj Tobias. This premiere was the start of Jirku’s two month world tour that took him from Irleand to Germany as well as France and Eastern Europe. Known to a small group of individuals, Bleak 1999 is a pearl of deeply warm electronic music that emerges untarnished from 5 years hidden on a hard drive.

empreintes DIGITALes het Canadese label dat zich toelegt op Electro Akoestische componisten heeft intussen een indrukwekkende catalogus opgebouwd. Maar het gegeven van ronkende namen en indrukwekkende CV’s levert niet altijd even coherente muziek. Het durft nogal eens uit de bocht te gaan met deze academische kunst richting. Waarbij de componisten een onbeluisterbare kluwen van omgevingsgeluiden, tape manipulaties en ingespeelde stukken componeren waar alleen mede studenten een kop aan kunnen krijgen Veel studeren bevordert niet altijd de onbevangen creativiteit. Maar deze twee CD’s gaan niet gebukt onder kunstzinnige hoogdraverij.

Monique Jean woont en werkt in Montréal ze heeft hier aan de universiteit gestudeerd onder begeleiding van grootmeester Francis Dhomont, haar werken zijn genomineerd op de grote Europese festivals. Haar werk op deze CD kenmerkt zich door het vele gebruik van de menselijke stem. Ze laat stukken tekst of gedichten voordragen en manipuleert deze stukken tot het telkens nieuwe geluidsfragmenten zijn die knap in de huidige sfeer van de compositie ingepast worden. Deze sfeer is vaak donker, sinister of onheilspellend. De combinatie van het kille, desolate en de aanwezigheid van de menselijke stem hierin in verschillende toonaarden spreekt me enorm aan. Francis Dhomont studeerde in de jaren veertig in Parijs onder Ginette Waldmeier, Charles Koechlin en Nadia Boulanger. Hij legt zich nu toe op het componeren en de theorie, heeft les gegeven aan universiteiten in Frankrijk en Canada en heeft diverse prijzen in de wacht gesleept. Zijn muziek op deze CD klinkt veel vrolijker en speelser dan die van zijn leerlinge. Het openingsstuk geeft mooi de sfeer weer in een zuid Europees dorp dat zich opmaakt voor een nachtelijk festival. Er wordt veel gebruik gemaakt van natuurlijke omgevingsgeluiden wat de composities fris en levendig maakt. Twee schijfjes die goed beluisterbaar zijn en waar de concepten duidelijk naar voor komen zonder de meerdere te worden van de compositie.

Die Kanadierin Monique Jean, Jahrgang 1960, hat ihr elektroakustisches Metier an der Université de Montréal unter Anleitung von Francis Dhomont studiert, der dort von 1980 bis ’96 gelehrt hat. L’adieu au s.o.s. (IMED 0366), ihr erster Tonträger, gibt Gelegenheit, vier ihrer Kompositionen kennenzulernen. 13’13 pour voix défigurées (1997) lebt vom Eindruck der Desorientierung angesichts einer gewaltigen Zerstörung, die sich ausdrückt in verfremdeten und entstellten Stimmen, die mit Zeilen von Hélène Cixous und Alejo Carpentier Szenen der Verwüstung heraufbeschwören. Bei Danse de l’enfant esseulée (1999) geht es um die Spannungsmomente, die entstehen, wenn man ‘ins Leere’ tritt oder wenn ein Klang abreißt, wenn also Löcher entstehen, die aber die Anwesenheit von etwas Unbekanntem signalisieren. Das mit 23 Minuten umfangreichste Werk, das dreigegliederte Figures du temps (1998/99) sucht die Kollisionspunkte und Schnittlinien zwischen dem Individuellen und Öffentlich-Allgemeinen zu umkreisen und bleibende Momente zu kreieren, wie es etwas kryptisch-pathetisch angedeutet wird. Eingearbeitet in den Mittelteil … et les déchets qu’on brûle ist auch hier ein dystopischer Text aus Cimetières: la rage muette von Denise Desautels. low Memory #2 (2001) schließlich konfrontiert die intimen Instrumentalklänge von Bass- und Piccoloflöte mit der dichten Andersheit der elektroakustischen Sounds eines 4-Spur-Tapes. Was sich einstellen würde an Eindrücken, Assoziationen, Gefühlen, Stimmungen ohne die verbalen Leitplanken, wer weiß? Es ist schon ein Paradox, dass die elektroakustische Zunft gern Munks >Schrei< vertont, sich dazu aber den Mund zupflastert, um dann beredt zu stöhnen.

Der 1926 in Paris geborene Francis Dhomont ist ein großer alter Mann der Elektroakustik, der in den späten 40ern parallel zu Pierre Schaeffer das Einmaleins der Musique Concrète mitentwickelt hat. empreintes DIGITALes feierte einst seinen 65. Geburtstag mit der Doppel-CD Mouvances~Métaphores (IMED 9107/08) und fettem Booklet und ist bis heute sein Hauslabel geblieben. Auf Jalons (IMED 0365) sind acht ‘Meilensteine’ zu finden, entlang derer man sich durch seine Arbeitsweisen von Mitte der 80^er bis jenseits der Milleniumsschwelle hangeln kann. Drôles d’oiseaux (1985-86), Dhomonts einzige rein elektronische Arbeit, und Vol d’Arondes (1999) sind komprimierte Naturimpressionen, in denen allerdings immer auch eine symbolisch-psychische Seite mitschwingt — der Wald etwa als Bild des Unterbewusstseins, die Abenddämmerung in der Provence mit dem Geschwirr von Schwalben als Aufschein einer verlorenen Zeit, als alles noch einfach und unschuldig schien. En cuerdas (1998) entstand im Auftrag des Gitarristen Arturo Parra für dessen Sol y sombra… L’espace des spectres und ist hier in einer Version für Solotape zu hören. Les moirures du temps (1999/2000) lässt die nuancierten Brechungen und Schattierungen von Klängen in einer gleichzeitig spielerischen und systematischen Versuchsanordnung aufscheinen. Daneben sind Studio de nuit (1992) und L’électro (1990) eher kleine mit Stimmen und Sprache jonglierende Gelegenheitsminiaturen, die sich selbstbezüglich über die >acousmotropie< der elektroakustischen Freaks, deren Gedanken über das Hören und die Nacht belauscht werden, und die Schönheit ihrer Schwarzen Madonna beugen. Die funktionalen Vorgaben einer Filmmusik geben Un autre Printemps (2000) das besondere Gepräge, Vivaldi, das Füllhorn des Frühlings, Fluss und Überfluss und wie der Klang der Natur die Natur der Klänge in Frage stellt. Lettre de Sarajevo (1995-96) schließlich reagiert auf den Zynismus und die Barbarei der bosnischen Tragödie und europäischen Schande mit der aggressiven Explizität eines sprachlosen offenen Briefes. Dhomonts benutzt als >Sprache< selbst hier sein ausgefeiltes laokoneskes Ringen mit mikrotonalen Klangwolken, flirrenden Klangmassen, die er verdichtet und entzerrt, abdunkelt und aufhellt und mit der bildhauerischen Verve eines Rodin zu auralen Landschaften knetet, die immer auch Seelenlandschaften sind.

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As in previous years, the range of artists and genres represented at Mutek 2003 was considerable. With over 70 artists from around the world appearing, one had the opportunity to see ‘marquee’ acts like Pole, Coil, and Richie Hawtin, as well as uncompromising artists like Pita, Kevin Drumm, and T. Raumschmiere. Unlike past Muteks, DJ sets were almost entirely absent at this year’s festival (although, for the record, past DJ sets had often been used to bridge the gaps between non-DJ performances). And, in comparison to last year’s ambitious potpourri of concerts, panel discussions, films, and design displays, the 2003 incarnation limited itself to concerts and panel discussions, with seven of the latter. In short, this year felt like a satisfying consolidation of past festivals’ strengths instead of grandiose risk-taking.

There were label showcases by Mego, No Type, and Minus/Plus 8, and sets of dubby microhouse from EGG (Julien Roy and Guillaume Coutu-Dumont), smooth minimal techhouse from Robin Judge and Jeff Milligan (aka Algorithm and Revolver label head), hard-hitting minimal techno by Ototo (Dimitri and Filip), Jeremy Caulfield, and Matthew Dear (aka False), the latter’s music evoking classic Chain Reaction stylings in its treble and bass detailing. Drone and ambient musics were presented, the most notable instance being the appearance by Thomas Köner and Asmus Tietchens (performing as Kontakt Der Jünglinge) who sculpted a slowly unfurling glacial soundscape. Other artists in this genre included Gary Joynes (aka Clinker), who built a singular drone-like piece of slowly metamorphosing waves, and [sic] (Jen Morris), who created ghostly dronescapes against a diptych backdrop of enigmatic photographs. Electroacoustic sets were offered by the nuanced Coin Gutter (Graeme Scott and Michael Hendrix) and sampling artist Diane Labrosse and Aimé Dontigny, whose collaboration resulted in a tactile, improvisatory dialogue. Set Fire to Flames’ member Christof Migone generated a 45-minute stream of body-generated scraping and whirring sounds accompanied by a video triptych that showed a gaping mouth at left, what appeared in the middle to be a tomato encased within a block of ice lodged within a salivating mouth, and, at right, the nighttime silhouette of a cityscape and bridge. There were infectious jazz-inflected funkhouse from Cobblestone Jazz and celebratory Latin techhouse by Mambotur. Chicago-based Telefon Tel Aviv (Joshua Eustis and Charles Cooper) presented a heavy microdub funk of chiming synths and massive bass drum and snare patterns. But, overall, the most memorable performances were turned in by veterans like Pole, Coil, Richie Hawtin, Monolake, and Señor Coconut.

In a Saturday afternoon performance that paid tribute to turntable pioneer Raymond Gervais, four turntable titans — Philip Jeck, Marina Rosenfeld, Martin Tétreault, and Martin Ng — provided an hypnotic set that included extended group collaboration as well as individual spotlights. Ostensibly, the proceedings were directed by Tétreault but his was certainly a benign dictatorship; if anything, the pieces often evolved with the others responding to Jeck’s looping grounds. They began by constructing a beautifully measured collage of scraping and scratching sounds amidst ghostly strains of melody. Immediately following this auspicious beginning, they created an equally effective second piece of whistling tones and bell-like percussion effects. While the concert predominantly featured the four playing together, there were brief duos, trios, and solos. Naturally, as is to be expected in an improvisatory setting, some tentative moments emerged when it seemed as if each of the four was waiting for someone to take the lead, but these registered as not unwelcome moments of brief stillness. Each took solo turns: Jeck, using two turntables, one for 12 inch lps and the other for 45s, drowned the sitar from Stoked in showers of surface noise; Rosenfeld’s solo offered a turntable adagio of sorts filled with treble glissandoes, looped crackling patterns, and phantom melodies; Tétreault’s initial musical quotation was gradually buried under huge slabs of static and hiss, his turn ending with furious scratching and a physical attack on his lps; finally, Ng’s solo impressed less as an exercise in musicality and more as one of physical athleticism. To close, the four collaborated upon a carefully sculpted elegiac piece. In sum, this session was engrossing and nuanced—a demonstration of sensitive listening and collaboration by its participants.