Décidément, le Québec n’a rien à envier aux autres pays en matière de musique électroacoustique. En effet, la province regorge de compositeurs créatifs qui ne cessent de repousser les limites de leur discipline et d’être reconnus internationalement. Même si dans la majorité des cas, la musique de ces compositeurs se rapproche du style acousmatique que l’on peut entendre en Europe, il y a bel et bien quelque chose qui les distingue: ils ont un son et une esthétique bien à eux.

Je vous propose donc une liste de dix œuvres incontournables par des compositeurs et compositrices d’ici afin de découvrir le panorama de notre production électroacoustique.

Crystal Music (1994) de Stéphane Roy

Dans Crystal Music, le compositeur Stéphane Roy traite sa matière sonore comme s’il s’agissait de verre en la dilatant, la moulant, la faisant se transmuter. D’ailleurs, la nature même des sons employés vient rappeler le verre, le cristal. Il y a quelque chose de nerveux, d’instable dans cette pièce. L’œuvre se caractérise par de grandes variations de la dynamique ainsi que par des explosions d’énergie qui émergent soudainement du silence pour ensuite s’éteindre aussi rapidement. À l’écoute, l’auditeur peut trouver des ressemblances avec certaines pièces les plus abstraites de Francis Dhomont. Ce n’est pas un hasard puisque Stéphane Roy a été son élève.

Stéphane Roy est l’auteur d’un ouvrage sur l’analyse de la musique électroacoustique, L’analyse des musiques électroacoustiques: Modèles et propositions. Au cours de sa carrière, il a également enseigné à l’Université de Montréal ainsi qu’au Conservatoire de musique de Montréal. Sa pièce Crystal Music a notamment obtenu le premier prix au 3^e Prix international Noroit-Léonce Petitot (Arras, France, 1994)

Kaleidos, empreintes DIGITALes, 1996

StrinGDberg (2001, 02, 03) de Robert Normandeau

Véritable tour de force musical, StrinGDberg est une œuvre minimaliste 16 pistes entièrement basée sur deux sources sonores: une prise de son d’une vielle à roue d’une durée d’une minute et une autre tirée du jeu d’un violoncelle. Le caractère tramé de la pièce, voir méditatif, invite l’auditeur à pénétrer au cœur du son et à être témoin des microvariations qui surviennent, à s’en émouvoir même. Une partie plus rythmique, caractéristique de l’œuvre de Normandeau, s’insère vers la moitié de la pièce. Comme pour une bonne partie de son catalogue, StrinGDberg a été composée pour accompagner une pièce de théâtre, Mademoiselle Julie d’August Strindberg, dont la mise en scène était assurée par Brigitte Haentjens et présentée à l’Espace GO (Montréal) en mai 2001.

Robert Normandeau enseigne à l’Université de Montréal. Ses œuvres ont été maintes fois primées lors de concours internationaux. Il est à noter qu’il est le cofondateur de Réseaux, une société de concerts dédiée à la diffusion des arts médiatiques qui a présenté les séries de concerts Rien à voir et Akousma.

Puzzles, empreintes DIGITALes, 2005

Les corps éblouis (1992-93, 94) de Christian Calon

Les corps éblouis tire ses matériaux sonores d’une seule source: la guitare électrique. Véritable travail sur la métamorphose, non seulement des sons de base mais également dans sa durée, la pièce a été pensée afin d’engendrer un effet de spirale où tout s’imbrique dans une perpétuelle mouvance. Ici on reconnaît le savoir-faire exemplaire de Calon, et une technique d’écriture comparable à celles des Parmegiani et Dhomont de ce monde. Les corps éblouis a obtenu le 2^e prix du jury au 22^e Concours international de musique électroacoustique de Bourges (France, 1994) ainsi que des distinctions au Prix Ars Electronica (Linz, Autriche, 1995, 97).

Christian Calon est un artiste indépendant œuvrant également en photographie et dont les œuvres ont maintes fois été récompensées aussi bien à l’international que chez nous.

Les corps éblouis, empreintes DIGITALes, 1998

Le vertige inconnu (1993-94) de Gilles Gobeil

Le vertige inconnu est probablement la pièce la plus forte non seulement de l’album La mécanique des ruptures, mais aussi du répertoire entier de Gilles Gobeil. Construite à partir de sons concrets, dont on peut reconnaître la provenance, le compositeur crée un univers cinématographique quasi surréaliste à l’intérieur duquel coexistent grillons et machines à air comprimé. Toutes les habiletés de Gobeil qui en font un compositeur si unique sont brillamment illustrées dans cette pièce: articulations vives, rupture du silence par des explosions sonores soudaines… Le vertige inconnu a remporté le Prix des arts électroniques de Stockholm, un concours international de musique électroacoustique (Suède, 1994) et a obtenu le 2^e prix au Prix Ars Electronica (Linz, Autriche, 1995).

Gilles Gobeil est professeur en technologies musicales au Cégep de Drummondville (depuis 1992) et a été professeur invité de composition électroacoustique à l’Université de Montréal (2005-06) et au Conservatoire de musique de Montréal (2007). Il est également lauréat de plus d’une vingtaine de prix sur la scène nationale et internationale.

La mécanique des ruptures, empreintes DIGITALes, 1994

Sous le regard d’un soleil noir (1979-81) de Francis Dhomont

Cette œuvre tourmentée, faisant partie du Cycle des profondeurs, explore et illustre l’univers de la schizophrénie en huit parties. Une des particularités de l’œuvre est l’emploi de la narration. Afin d’entrer dans le sujet, Dhomont utilise des textes du psychiatre et psychanalyste Ronald D Laing. Mais cette narration ne sert pas seulement à informer. Elle guide carrément le développement de la pièce, devenant même matériau sonore à certains moments. Selon Dhomont, cette œuvre propose la rencontre de l’imagination et de l’imagerie mentale produite par le traitement des sons. Sous le regard d’un soleil noir a obtenu le 1^er prix de la catégorie Musique à programme au 9^e Concours international de musique électroacoustique de Bourges (France, 1981).

Originaire de Paris, Francis Dhomont a passé une bonne partie de sa vie à Montréal pendant laquelle il enseigna à l’Université de Montréal (de 1980 à 1996). C’est d’ailleurs lors de cette période qu’il composa Sous le regard d’un soleil noir. Il est une des figures les plus marquantes dans le domaine de la musique électroacoustique et son travail a été largement reconnu et encensé.

Sous le regard d’un soleil noir, empreintes DIGITALes, 1996

Water Music (1991) de Yves Daoust

C’est par un beau jour de printemps que le compositeur eut l’idée de Water Music. Les gouttelettes tombant des glaçons fondants lui semblèrent mélodiques. La beauté de cette pièce vient du fait qu’elle met en vedette un matériau qui nous est assez familier, l’eau, permettant à l’auditeur de vraiment lui porter attention pour une fois. Le passage entre les différentes sections est particulièrement bien réussi.

Parallèlement à son enseignement au Conservatoire de musique de Montréal (qu’il a quitté en 2011), Yves Daoust a contribué au développement de la scène électroacoustique au Québec, notamment en participant très activement en 1978 à la fondation et au développement du premier organisme au pays voué à la promotion et à la diffusion de la musique électroacoustique, l’ACREQ. En 2009, il a reçu le Prix Serge-Garant (Fondation Émile-Nelligan) pour l’ensemble de son œuvre.

Musiques naïves, empreintes DIGITALes, 1998

eXpress (2001-02) de Jean Piché

Jean Piché est décidément un innovateur. Au départ compositeur (pensons à la pièce Taxis to Burning Sky), il s’est rapidement tourné vers l’image pour ensuite développer une toute nouvelle discipline à laquelle il donnera le nom de «vidéomusique». Ce que le compositeur tente de traduire, c’est une perception symétrique entre l’image et le son, une synergie. Pour eXpress, une œuvre pour trois écrans, Piché a filmé les images dans le train reliant Bourges et Paris. On peut y reconnaître des paysages. L’allure très cinétique d’Express est obtenue en réglant la caméra à une vitesse d’obturation très rapide avec une grande ouverture de l’objectif. La musique minimaliste et répétitive contribue à l’effet de transe de l’œuvre.

L’enseignement et la recherche en composition électroacoustique à l’Université de Montréal occupent une part importante de la vie professionnelle de Jean Piché. Il est également impliqué dans le développement de logiciels. On lui doit notamment Cecilia, un logiciel de traitement sonore.

www.jeanpiche.com/express.htm

Big Bang II (1987, 95) de Marcelle Deschênes

Dans Big Bang II, on se retrouve dans un univers postnucléaire. L’œuvre avait d’abord été conçue comme trame sonore servant d’accompagnement à une installation multimédia du sculpteur holographe et artiste de la lumière, Georges Dyens, intégrant sculptures holographiques, éclairages, fibre optique, musique électroacoustique, le tout en mouvement chorégraphié par un système de synchronisation programmée. De nature tramée et minimaliste, la pièce est brillamment écrite et a inspiré bon nombre de compositeurs.

De 1980 à 97, Marcelle Deschênes enseigne à la Faculté de musique de l’Université de Montréal la composition électroacoustique et multimédia, la perception auditive et les techniques d’écriture électroacoustique. Elle met sur pied, développe et dirige un programme inédit en composition électroacoustique aux trois cycles (baccalauréat, maîtrise et doctorat).

petits Big Bangs, empreintes DIGITALes, 2006

Arksalalartôq (1970-71) de Micheline Coulombe Saint-Marcoux

Cette pièce joue autour de l’abstraction de la parole, de la voix et même des instruments de musique. Arksalalartôq, d’après des textes des poètes québécois Noël Audet et Gilles Marsolais, exprime le vertige des mots, des sons, par analogie avec le jeu inuit où les participants (le plus souvent des femmes) mettent à l’épreuve leur capacité d’invention à créer et de résistance à émettre des sons, des mots pour la plupart sans signification. Entrecoupée par des sons percussifs ou dans d’autres cas tirés de synthétiseurs analogiques, Arksalalartôq rappelle certaines pièces de Stockhausen ainsi que Pierrot lunaire de Schönberg.

En 1968, Iannis Xenakis recommande vivement à Micheline Coulombe Saint-Marcoux d’aller à Paris pour y étudier la musique électroacoustique avec le désormais célèbre Groupe de recherches musicales (GRM), ce qu’elle fit. À son retour à Montréal, elle enseignera au Conservatoire de musique de Montréal jusqu’à son décès en 1985.

Impulsion, empreintes DIGITALes, 2001

Mantra (1997) de Jean-François Laporte

Dans l’ère moderne où nous vivons, nous sommes envahis, submergés par des sons de toutes sortes qui accompagnent notre existence. Jean-François Laporte les nomme «mantras», d’où le titre de la pièce. À l’image des mantras orientaux, ceux du compositeur doivent par exemple être d’une bonne longueur et se répéter de façon cyclique dans le temps. Pour cette pièce, Laporte a utilisé exclusivement les sons générés par un compresseur de refroidissement des patinoires lors d’une prise de son unique. Toutes les modifications timbrales ont été effectuées lors de la prise de son, sans aucune manipulation en studio.

Jean-François Laporte est surtout connu pour ses instruments inventés. Il est fondateur et directeur artistique et général des Productions Totem contemporain (PTC), et ses œuvres sont éditées aux Éditions Babel Scores.

Mantra, Cinéma pour l’oreille, 2000

Je ne pourrais passer sous silence les œuvres de ces compositeurs qui deviendront sans doute des incontournables de la musique électroacoustique du Québec dans quelques années: Champs de fouilles (2008) de Martin Bédard, Transit (1998) de Louis Dufort, frequencies (a) (2011-12) de Nicolas Bernier, L’appel (2008) de Georges Forget… et la liste pourrait continuer.

[Article édité en collaboration avec la rédaction du site Cette ville étrange. Chronique de la création musicale (www.cettevilleetrange.org).]

Cinq œuvres conçues pour des pièces de théâtre (écrites par Feydeau, Duras ou Sophocle) composent ce puzzle sonore complexe et diabolique. Assemblage sophistiqué de sonorités acoustiques et électroniques, chacune de ces réalisations vise à aiguiser la sensibilité «acousmatique» du plus aguerri des solénautes. Un voyage spatio-temporel qui, bien qu’immobile, n’en est pas moins garanti!

Conceiving sound as independent cells, various concrète materials are used as a source to develop small, processed units that allow different combinations. The ‘pieces’ revolve around a central concern with pulse that somehow hints to the realm of the industrial and enables the desired exchangeability. Other pieces explore more abstract sound realms inspired in literary sources and are concerned with the illustration of the far-east atmospheres depicted in the fiction. The overall approach to spatialization, rhythmic structure and general outlook indirectly points to a minimalist ascendancy subtly dyeing the overall aesthetic.

Translated from Spanish.

Een grote held op elektro-akoustisch gebied is de Canadees Robert Normandeau. Hij houdt van experimenten met stemmen. Toch begint hij op zijn Puzzles, eveneens uit 2005 en te beluisteren in 3 formaten, met de gelijknamige track zeer ritmisch met elektronica. Deze blijken desalniettemin te bestaan uit stem en het slaan van een deur. Maar zoals Normandeau zegt, “een puzzel bestaat uit stukjes die op één manier passen terwijl geluid op veel meer manieren passend te maken is”. Dat levert een caleidoscopisch klankbeeld op. In de tweede composities Eden hoor je één van de mooiste elektro-akoestische stemcollages ooit. Hemelse en uiteenlopende zang worden hier gecombineerd en tevens aangedikt met allerlei elektronische klanken. Het is zoals de liftmuziek in het paradijs klinken zou. Normandeau beschikt ook als geen ander over de kwaliteit muziek te maken die je fysiek tot in de diepste vezel voelt. In zijn stuk Chorus wordt het aangrijpende klanklandschap met Gregoriaanse zang steeds onderbroken door of keelzang of een aan de kakofonie grenzende brij van stemflarden en elektronische noise. Van pijn tot paradijs. In StrinGDberg maakt hij weer een mozaïek van cello, draailier en uiteraard stemmen. Het is alsof het mooiste en meest trieste gevoel dat je kent minuten lang aanhoudt. Tot slot krijg je nog een soort bizar radiospel met een rijkdom aan vreemde geluiden die toch bij elkaar passen. Puzzelen of niet, ik ben eruit, dit is één van Normandeau’s meest indrukkende en wonderschoonste releases. Nee dit behoort zelfs tot één van de beste elektro-akoestische werken ooit. Adembenemend meesterwerk.

empreintes DIGITALes here presents the DVD-Audio format debut of two Canadian composers whose electroacoustic works have won awards the world over. Always looking forward, their music is as challenging as it is rewarding.

Perfectly suited to the composer’s acousmatic diffusion techniques, the 5.1 Audio Surround mix makes all the difference. Sound percolates from every corner of the room, making your head spin at break-neck speeds. Starting off Eden is a lovely, serene Vietnamese vocal, which then is replaced by loops of music, stretching into eternity. While an angry voice repeats demands on Hamlet-Machine with Actors, the piece is further coloured by drill presses, screams of agony and bubbling, gurgled noise formations. Momentous and densely populated with new, brave ideas, Puzzles is a journey that should be reserved for only the truly adventurous explorers of new sound worlds.

Une petite révolution chez empreintes DIGITALes. Voici un disque sur lequel on trouve deux versions 5.1 différentes (l’une pour lecteur audio, l’autre pour vidéo), deux versions stéréo (idem) et même les fichiers MP3 des œuvres. L’encodage en 5.1 surround de la musique électroacoustique permet de vivre l’expérience du concert à la maison (moyennant l’achat dudit système de reproduction). Après ça, l’écoute stéréo, c’est comme la télé en noir et blanc… Les œuvres reproduites ici sont principalement des versions de concert des musiques composées pour le théâtre. Éden, Chorus, StrinGDberg, Hamlet-Machine with Actors ou la pièce titre ont pu être goutées en concert; maintenant, on peut vraiment le refaire à la maison. Enfin!

empreintes DIGITALes has issued its first two DVD-Audio discs. This is one of them. I don’t know if most people that are likely to buy these forefront, top-of-the-line sound art works already have compatible DVD players, but most likely they do. Even I got myself one not long ago, and I’m usually very slow in catching on to new technology. Well, maybe that isn’t completely true. Thing is, I don’t even own a video player, and the reason is that I’ve been so very occupied and intensely passionate about sound as sound that I didn’t need or want an visual information from the outside interfering. There are always plenty of visual things happening on the inside of my eyelids when I listen to any kind of music – but especially when I hear electroacoustic music.

However, I wanted to watch some Tarkovsky movies, and when I saw that DVD player prices plummeted, I got a machine – and right after that these two DVD-Audio were released by empreintes DIGITALes, and I’m suddenly finding good listening use too for the player! Besides, you can play these discs on your computer too.

The sound of this Normandeau DVD is amazing! It blows me away!

Puzzle – track 1 – kicks in with a panting, breathing commotion, crunchy and munching, slithering between lips and out of the corner of mouths; saliva ejected in rhythmic frenzy, in a kind of torrential beat of good humor and wry smiles, sideways motions, sudden attacks out of nowhere and a stubborn nose-and-ear-tip tickling that all but drives you nuts! A male sigh-machine is followed by a female lust-borne sigh that comes and goes, repeats itself in soaring eroticisms, slanting and gliding, erupting and stumbling, rushing and breaking, rolling and rocking, yes! The woman even sounds like a horny cat at times, but one that does get her fishy reward, right on! Fritz the Cat, go into hiding: this kitty rules now: cat woman bouncing and jabbing; get lost or get with it!

Slender, chocolate sauce extensions fly cross the listener’s head in glissanding trajectories, above the steady pulse of sexy pistons of steam engines and Ondes Martenots! Terrific! Fast! Strong! Glary and Shiny!

Some sped-up conversations – or rather monologs – inside this frantic musical gesture remind me seriously of Paul Lansky’s More Than Idle Chatter: these stalemates of phonemes and morphemes in a juggling act of insanity… while other puzzling Puzzle traits offer analogies to Pierre Henry’s early Variations for a Door and a Sigh! Clever and FUN!

Piece number two is Éden, a longer work of more serious properties. When I get to this work I feel the need to study the liner notes, which on the tediously composed covers of empreintes DIGITALes’ CDs are found in different font sizes all over the place, geometrically up or down or sideways, so you have to turn the cover this way and that to find out what you need, and if you’re nearsighted, your have some advantage. This is no trouble though, just a specific style of empreintes DIGITALes, and there is a lot of information in place, which I certainly appreciate.

So, when I look and read I find out that the whole Normandeau CD in fact delivers music in the form of adapted compositions made from music for various plays directed by Brigitte Haentjens in Montréal and Quebec City. Puzzle (track 1) is based on the music for Farces conjugales by Georges Feydeau – and this work on track two – Éden – comes out of L’Éden cinéma by Vietnam-born Marguerite Duras.

I became curious as to the origin of thought and intentions as I spun Éden into the laser box, because it begins with an Eastern style female song, close and natural, straight out of the village or the fields, more like a good old Ocora or Folkways field recording than a Canadian electroacoustic work. Normandeau explains this elsewhere on the CD cover: “The music quoted at the beginning is a Laotian song that appears on the album India Song et autres musiques de films that composer Carlos D’Alessio wrote for Marguerite Duras, released by Chant du Monde (LDX 274818).

Normandeau further talks about his composition (elsewhere on the cover): “I imagined music made of very long sound loops over which very little happens, some sound events disseminated here and there over time and space.”

The song is Easterly beautiful, like a lullaby in the rice fields – but soon it is abruptly cut short – or simply ended! – relieved by a dense fabric of glaring, tingling and soaring audio that is layered in several – innumerable – strata of events, long, out-drawn events that seems to encircle the planet like the gas clouds of Jupiter as seen on Voyager imagery plastered om office walls throughout the industrial world.

The soaring, deep and wide sonorities carry all kinds of analogies, in a wicked messenger kind of way, emitting Morse codes and shortwave static, as well as angelic, Stockhausenesque modalities that rise and sink like sea gulls on the wind, like hope that rises in your heart only to descend into despair – and I also hear otherworldly voices from spiritual beings that sing a Mene Mene Tekel Upharsin high up the pitches, in stratospheric vacuum states! They remind me of an old Japanese movie about divine justice that I watched on television in the late 1950s in Sweden, when I was a young Elvis Presley boy of the countryside.

Inside this massive transparency of forth-welling audio you are stung by the viciousness of sharp, granular elements that afflict your face in the below-zero manner of sharp nails of snow in a serious Lapland winter storm, which you’re headed into in the vicinity of Saami village Nikkaluokta.

A deep, rumbling grand piano sails by like the contents of a surrealist painting, relieved of all its traditional ties to a concerto reality, on the loose in a shaman world of sonic gestures and symbolic dream debris, as if in a fever dream on the verge of unconsciousness in which the spirit shakes its shackles and longs to cast off its forced anatomy!

This music is so forcefully compelling and lustful that I get the urge to turn up the volume and really loose myself in it. Other composers, whom I’ve began to feel hostile to, review-vise, can’t handle such a density of sound – but Normandeau succeeds fluently, light-handedly, without any obvious effort. I am impressed! Very beautiful, but also exciting!

The third work on Robert Normandeau’s DVD-Audio disc Puzzles is Chorus, on tracks 3 – 9. This is a genuinely serious matter. The piece has a subtitle: “To the victims of September 11, 2001.” I choose to hear that subtitle as a sorrowful bow also to the current, present-day victims in the aftermath of the New York attacks; those ill-treated and tormented people harnessed in Guantanamo Bay without the benefit of fair trials by the illegitimate war crimes regime in Washington, and the families slaughtered in Afghanistan and Iraq and Palestine by the same illegitimate American war criminals, whom I’d like to see side by side with Milosevic at the War Crimes Tribune in Den Haag. Be sure, though, Mr. Bush: YOU CAN NEVER ESCAPE YOUR NEXT LIFE!

Normandeau also divides this work into the following parts: “Overture”; “Judaism”; “Christianity”; “Islamism”; “War”; “Pain”; “Peace”. Then Normandeau shows that he’s able to broaden his view and see things in a wider and deeper perspective, because he says: “The music is inspired by the subject of the play Nathan the Wise by Gotthold Ephraim Lessing, which demonstrates the tolerance ideal of the Age of the Enlightenment.” In the play, it is said: “If it is not given to mankind to theoretically know which religion is the true one, everyone has the practical possibility, by his self-less actions, to prove the value of his faith and his aptitude to contribute to the happiness of humanity.”

Normandeau further explains that the sound material he used is typical of the three monotheist religions: the shofar of Judaism, the church bells of Christianity and the prayer calls of Islam. The beginning is mighty, with an electronic mimicry of Tibetan monks chanting high up among the mountains of the Himalayas. The soaring, thumping progression of sounds is a dense and still transparent as the sonorities of the piece Éden, only more ominous, fateful – and perhaps… hopeful!

It feels like Robert Normandeau brings something from deep within into the sonic open in this work, that he taps into a common resource of mankind, a common inheritance, far beyond the evil differences of day-to-day life on the surface of the plane; from within a reality that is far more real than this blinding show-off of material objects that occupy our bodily existences and cause us to take up arms against each other. I seldom feel this kind of significance in a piece of music, but here I really do. Normandeau’s skillful merger of the sounds of three monotheistic religions of a common inheritance with a nontheistic religion of the Himalayas is wondrous, immensely beautiful, with an awesome message attached, leading way beyond what seems to be, deep into what IS! Fantastic! Staggering implications!

Normandeau’s next work is StrinGDberg; a title that makes a Swede like myself extra alert, since August Strindberg (1849 – 1912), of course, is one of the giants of Swedish literature and theatre; a stubborn, weak and strong and completely unlikely Renaissance character, whose enfant terrible-role in society is especially apparent in view of that he never received the Nobel Prize of Literature; a startling exposure of the double-standards of the Swedish society and a fact that seriously degrades the significance and importance of the prize.

The music is based on Strindberg’s play Miss Julie. The title is a play on words, of course: the name StrinDberg and strinG. The instruments used for the source sounds are the cello and the hurdy-gurdy! From this material Normandeau builds a flickering, swaggering wall of Northern Lights; Aurora Borealis shining its wondrous veils over snowy expanses of a midwinter Lapland with no sun but lots of other stars that shine through the blistering cold. This Normandeau work is a beautiful as ever, and illusory in the sense that you may get an impression of fast motion one second and the impression of a completely static state the next, reminiscent of a car rides across a desert (which I once experienced, from Damascus to Baghdad), when you may feel that you’re not moving at all even though you travel at 75 miles per hour. Normandeau says: “It is a deep listening work that penetrates into the sound.” So it is! And there are wolves in this music, a circle of wolves around the listener, at the periphery of light around his campfire: glowing eyes…

The last piece, on track 11, is Hamlet-Machine with Actors. What a title! Normandeau says: “The music, like the play, tries to express the oppression society exerts on Man, the representation of taboos […]” The sounds are more rough here than in the preceding works, more industrial, coming on in slabs of steel and machinery and enormous forces, while human sounds are clear and loud too, inside this Hamlet-Machine, laughter and moans, shouting crowds, pain and pleasure and dust and smoke: relentless events, unstoppable cruelties – but also the open-space dijeridoos of Australia, implying a spiritual context as well in all this violently physical stasis of flesh and metal.

Conçus à leur genèse pour des mises en scène de Brigitte Haentjens, ces 5 pièces ont été remixées en vue de leur sortie sur cet album. Puzzles est le septième enregistrement du très respecté Robert Normandeau, auteur compositeur sur Rephlex, empreintes DIGITALes ou encore Sub Rosa. Ce disque marque une petite révolution technologique, dans la mesure où il est enregistré sous format DVD Audio «Advanced Resolution» qui au-delà des aspects techniques, procure une écoute incomparable, digne de véritables conditions de concert. Voici ainsi Robert Normandeau rendu dans notre salon aux seules fins d’un concert privé en 5 actes. L’originalité de ce disque tient également à son principe, évoqué par Normandeau dans le livret «cette musique a été composée, comme son titre l’indique, comme une suite de petits morceaux destinés à s’emboîter les uns dans les autres. Mais contrairement au jeu traditionnel, les morceaux de musique ici peuvent s’agencer les uns aux autres dans n’importe quel ordre. Autrement dit, sur le plan temporel et sur le plan timbral, les sonorités utilisées ont été accordées de tell sorte qu’elles puissent se superposer ou se juxtaposer de mille et une manières différentes […]» Ces pièces, venons-y, ont l’empreinte électroacoustique du label empreintes DIGITALes mais conservent pourtant la touche unique de leur concepteur. Une musique subliminale, somatique, eidétique, une musique profondément impressionniste où les touches électroniques et acoustiques de Normandeau nous plongent dans un film sans image (qui n’en nécessite pas nécessairement, d’ailleurs) aux confins d’univers oniriques à la croisée du couple Baron ou des musiques de films d’Hermann. Construites à partir d’onomatopées vocales et de sons de portes diverses, les 5 compositions regroupées par Puzzles s’inspirent de mises en scène célèbres, depuis Marguerite Duras à William Shakespeare, en passant par Lessing pour appuyer son univers d’idées et de préceptes intellectuels. Un voyage unique.

On découvrait Robert Normandeau il y a quelques années à l’occasion de Sonars, paru chez Rephlex, compilation de quelques unes de ces précédentes œuvres, déjà publiées chez empreintes DIGITALes. Puzzles est le cinquième album de cet artiste de renommée mondiale, maintes fois primé, et professeur de composition électroacoustique à l’Université de Montréal, à être publié sur ce label canadien, également largement reconnu pour la qualité de ses sorties, son packaging original, et son approche didactique (les notes de pochettes permettent aux compositeurs d’expliquer leur travail).

Puzzles regroupe des pièces composées pour des pièces de théâtre mises en scène par Brigitte Haentjens, et écrite par Feydeau, Duras, ou Sophocle pour ne citer que les plus connus. Celles-ci sont ici présentées dans leur version originales ou parfois recomposées a posteriori en studio afin d’en faire des œuvres indépendantes. Petit avertissement enfin, Puzzles n’est pas un CD-Audio, mais un DVD-Audio, lisible par toute platine DVD, et proposant au choix une version mixée en 5.1, et une classique version stéréophonique, sachant qu’a l’origine ces pièces sont prévues pour une diffusion sur 16 pistes!!

Mais laissons là ces considérations techniques, et prenons le temps de découvrir ce nouvel opus qui propose des pièces assez variées. Le morceau titre qui sert d’ouverture nous surprend par son côté ludique, sont aspect très concret avec un véritable collage de frétillements, gargouillis, frottements, couinements de jouets et voix lançant des onomatopées. Ludique donc mais aussi très rythmé.

Après cette courte introduction, le disque se divise en quatre pièces d’environ 15 minutes chacune. On change complètement de registre avec Eden, un magnifique morceau ambient composé de choeurs et nappes orchestrales, lumineuses, cristallines. Les sons se superposent, s’enrichissent mutuellement, et forment une pièce mélancolique que quelques percussions viennent encore aggraver. Dans une même veine, on trouvera l’envoûtant StrinGDberg qui superpose deux boucles, l’une de vielle à roue, l’autre de violoncelle. Les deux éléments sont triturés au fil du morceau et finissent par former une puissante nappe texturée, source d’une belle tension, mais aussi pleine de rythme, repartant sans cesse dans un nouvel élan.

Si ces deux morceaux sont très liés au travail du matériaux sonore à la manière d’une sculpture, les deux autres sont plus orientés technique de composition, et collages. On est donc plus proche de la musique concrète, avec le développement d’une idée, d’un concept. Chorus a pour thème la tolérance, et est dédié à toutes les victimes du 11 septembre 2001. Il est découpé en sept mouvements, dont trois d’entre eux reprennent des éléments des religions juive, chrétienne et islamique, pour ensuite créer des combinaisons, des mélanges entre elles. Il s’agit d’une œuvre assez facile d’accès, toujours à la limite en ambient classique et électroacoustique purement expérimentale.

La dernière pièce, Hamlet-Machine with Actors, est beaucoup plus complexe. Il s’agit d’une relecture a posteriori, en mélangeant la musique de la pièce avec des enregistrements sur scène de répétition et de la première représentation. Aux musiques se joignent donc bruitages des acteurs dans leur jeu, et voix, pour un résultat assez dérangé, mouvementé, chaotique.

De part les différents types de composition, on a du mal à adhérer à l’ensemble du disque, mais il possède suffisamment de moments envoûtants pour ne pas hésiter à l’écouter plusieurs fois en boucle, et même à donner envie de puiser dans les œuvres passées de cet artiste.

Dieser 1955 geborene Elektroakustiker ist mit seinen sieben Veröffentlichungen bei empreintes DIGITALes eine Richtschnur der frankokanadischen Soundart und ein roter Faden, den BA von Anfang an aufgegriffen hat mit Lieux inouis (IMED 9002), Figures (IMED 9944) und Clair de terre (IMED 0157). Hier versammelt sind fünf Theatermusiken der Jahre 2001-03 mit beträchtlichem Aboutness-Faktor. Puzzle ist eine elektropopige Clownerie aus den Geräuschen einer knarzenden Tür und onomatopoetischem Loony-Toon-Singsang, passend für die Boulevardkomödie Farces conjugales von Georges Feydeau. Éden gibt dem Stück L’Éden Cinéma von Marguerite Duras mit vietnamesischem Gesang und atmosphärischen Samples ein nostalgisches Indochina-Flair. Den Opfern des 09/11 gewidmet, nimmt Chorus, das als Soundtrack für Antigone von Sophocles entstand, aktuellen Bezug zum Clash of Civilizations. Angeregt durch Lessings Nathan der Weise repräsentiert Normandeau die Religionen Judentum, Christentum und Islam durch das Shofarhorn, Kirchenglocken und Muezzingebetsruf, aber nicht konfrontativ, sondern er lässt sie als kehlig dröhnenden Chor konsonant miteinander verschmelzen. StrinGDberg wurde für Fräulein Julie komponiert und basiert ausschließlich auf den Sounds von Hurdy-gurdy und Cello, die in sich jeweils bäurische, volksnahe Rauheit und aristokratisch-abgehobene Verfeinerung mitschwingen lassen. Hamlet-Machine with Actors schließlich interagiert mit dem Heiner-Müller-Stück durch gesampelte Geräusche des in einem Industriegebiet gelegenen Proberaumes, des theatralischen Gehampels zweier Proben und der Premiere. Normandeau versucht dabei musikalisch mit den Themen Unterdrückung, sexuelle Tabus und Grenzen der Kunst zu spielen. Das Ganze ist technisch aufbereitet als Stereoversion für daheim, 6-kanalige Surround-Sound-Version für Vorführungen in Kunsttempeln und im 320 kbps MP3-Format für was weiß ich.

Das franko-kanadische Label für Elektroakustik kommt hier mit seiner ersten DVD-Audio-Veröffentlichung, die das Material komplett jeweils in Sechs-Kanal Surround, Stereo und im MP3-Format enthält. Normandeaus siebte Veröffentlichung besteht aus fünf Theaterkompositionen für u.a. Stücke von Heiner Müller, Strindberg und Sophocles, die speziell für „Puzzles“ remixt worden sind. Die Stücke sind dementsprechend unterschiedlich, von einem kurzen vokalbasierten Track über flächige Loops zu großen digitalen Orchestern. Großes Kino fürs Ohr, glücklich derjenige, der eine Surround-Anlage besitzt. 4/5

Erst das plötzlich einsetzende Knistern, das wie Stückwerk erscheint und plötzlich ausufernde Lärmcollagen nach sich zieht. Schläge wie mit dem Dampfhammer rasen durch herzkammerflimmernde Geräusche. Puzzles versammelt fünf Stücke, die Robert Normandeau für das Theater komponierte, unter anderem für Heiner Müllers “Hamletmaschine” und “Miss Julie” von August Strindberg. Sie wurden speziell für die DVD-Audio-Produktion neu gemixt. Ausgiebig reflektieren die üppig angelegten Soundlandschaften das Charakteristische der sehr unterschiedlichen Theaterstücke. Lebensdramen und Todesfugen gleichermaßen scheinen in der Musik Normandeaus zu zerspringen. Das schäbige, perverse Lachen in Hamlet-Machine with Actors bebildert die radikale Theaterauffassung Heiner Müllers in seinen wesentlichen Strukturen. Industrie und Ästhetik scheinen da eine Symbiose eingegangen zu sein, die sich in schmerzhafter Geräuschdichte bis zur extremen Belästigung äußert.

A professor in electroacoustic composition at Montréal University, Robert Normandeau is also one of those composers whose music can sound like a divertissement but, at times, becomes deeply revealing if not disturbing. This duality is immediately evident when one compares the first two tracks on this release: Puzzle, a rhythmic exercise scored for door sounds and vocal onomatopoeia, is lively, almost funny, yet pretty flat as far as psychic impact goes. The following Eden, on the other hand, is a detailed architecture of brilliant loops and almost (Steve) Reichian pulses, where female voices and contrasting illuminations pave the way for an emphatic tonal affirmation that remains forward looking while managing to avoid the obvious. Chorus, dedicated to the victims of 9/11, takes some of the basic chant elements of Judaism, Christianity and Islam and entangles them in liberal electrostatic vocal jargon in which immobility and desperation intertwine, hopelessly waiting for non-existent peace. StrinGDberg, for multilayered hurdy-gurdy and cello, is dramatically minimalist, but its instrumental peculiarities are so incredibly deformed that I could have sworn a vocal source was present. The majestic crescendo of its mechanical subdivision is gospel for lovers of high-density powerful consonance. Closing the DVD, Hamlet-Machine with Actors is, according to the composer, a tentative description of the oppression that society exerts on man, the representation of taboos and the end of art. It’s a dark, thrilling piece where vocal utterances, repeated laughter, lugubrious electronics and a clutter of percussion fuse in a hellish mire, not too far removed from Art Zoyd and Cassiber at their most stirring moments.

Ce cinquième opus solo de Robert Normandeau intitulé Puzzles est produit sous la forme d’un DVD-Audio en surround et stéréo, une première chez empreintes DIGITALes, label spécialisé en musique électroacoustique. Recueil de quelques-unes des plus récentes productions du prolifique compositeur, cet enregistrement permet quasiment, dans sa version multiphonique (5.1), de reproduire chez soi les conditions du concert acousmatique. Avec un tel déploiement de technologie, Puzzle est une œuvre qui en met plein les oreilles aux amateurs de haute-fidélité et aux spécialistes du genre électroacoustique. Électron libre de la scène musicale montréalaise, acousmaticien féru d’expérimentations sonores, Robert Normandeau, qui compte parmi les pionniers de l’électro québécoise et de la conquête audio, suit depuis près de vingt ans une trajectoire rigoureusement oblique qui l’a porté à la pointe des musiques chercheuses, en composant notamment pour le théâtre de véritables longs métrages sonores. Il y a chez cet éclaireur buté un côté définitivement énigmatique et insaisissable, décourageant tous ceux qui ne goûteraient que les gibiers marqués, faciles à traquer. Depuis plus d’une décennie, Normandeau compose et mixe en multiphonie plutôt qu’en stéréophonie. «Cette technique permet en quelque sorte de spatialiser la musique. Lors des concerts, les spectateurs sont littéralement entourés d’éléments sonores et peuvent vivre une expérience unique», explique le cofondateur de Réseaux, une société de concerts dédiée à la diffusion de la musique acousmatique. Au final, Puzzles se révèle une pièce charmante où Normandeau verse dans la rythmique à 4/4 non pas par simplicité, mais pour permettre un collage et recollage des différents événements sonores conçus et habilement rassemblés.

L’étiquette empreintes DIGITALes, spécialisée en musique électroacoustique, lançait récemment le tout premier DVD-Audio produit au Québec. Consacré à la musique de Robert Normandeau, Puzzles (IMED 0575) recueille quelques-unes des plus récentes productions du prolifique compositeur. Le DVD-Audio permet d’entendre exactement ce que le compositeur entend dans son studio, ni plus, ni moins. Avec cette version multiphonique (5.1), l’auditeur peut presque reproduire chez lui les conditions du concert acousmatique. La galette comprend aussi un mix stéréo réalisé par le compositeur, l’équivalent pour lecteur DVD-vidéo (5.1 et stéréo) et toutes les pièces en format MP3!

Lancé la semaine dernière par empreintes DIGITALes, Puzzles est une œuvre qui promet d’en mettre plein les oreilles aux amateurs de haute-fidélité et aux spécialistes de musique électroacoustique!

Depuis plus d’une décennie, l’auteur de Puzzles, Robert Normandeau, compose en multiphonie. Ainsi, plutôt que de mixer en stéréophonie, il utilise plusieurs haut-parleurs. «Cette technique permet en quelque sorte de spatialiser la musique. Lors des concerts, les spectateurs sont entourés d’éléments sonores et peuvent vivre une expérience unique», explique le cofondateur de Réseaux, une société de concerts dédiée à la diffusion de la musique acousmatique.

Pour son cinquième album solo, Robert Normandeau offre la possibilité d’écouter ses créations dans l’espace du cinéma maison, grâce au Surround 5.1.

Pourquoi le DVD-Audio?

«Avec le CD-Audio, il faut obligatoirement enregistrer en stéréo, ce qui ne convient évidemment pas aux créations en multiphonie. Grâce au format Surround 5.1 (six haut-parleurs qui produisent le même type de son que dans les salles de cinéma), la qualité sonore obtenue avec le DVD-Audio est nettement supérieure et amène les gens à s’immerger dans l’ambiance musicale.»

Pas encore 1000 titres

Le DVD-Audio est un produit récent et son standard n’a été publié que vers 2001-2002. «Nous avons mené nos recherches et en avons dénombré entre 500 et 600 dans le monde. Les derniers albums de Shania Twain et de Beck étaient d’ailleurs de ce nombre. Même si son utilisation demeure assez modeste, le public pourrait y prendre goût et changer la donne!», dit M. Normandeau.

Pulsar, voici le nom de la nouvelle série que lance le défunt Rien à voir. La manifestation renoue avec les expériences de Clair de terre [produites par l’ACREQ], ces soirées d’électroacoustiques qui ont cessé en 1993, remplacées par la série des Rien à voir [produite par Réseaux]. Les événements Pulsar auront donc lieu une fois l’an, au Planétarium.

L’inauguration s’est faite hier soir avec un concert entièrement consacré à la musique de Robert Normandeau. À part Puzzles, qui ouvrait le programme, ce sont toutes des œuvres que le compositeur a tirées des nombreuses musiques de scène qu’il a imaginées pour différentes troupes.

Puzzles est une pièce charmante et un peu facile. Normandeau y tombe dans la rythmique à 4/4 non pas par simplicité, mais pour permettre un collage et recollage des différents événements sonores conçus. Une précision s’impose d’emblée. Tout le programme devait être lancé en DVD 5.1, mais contingences techniques et esprit perfectionniste aidants, le «produit» ne sera disponible qu’à la mi-janvier. L’avantage ce cette formule est qu’avec les nouvelles possibilités des systèmes de son de cinéma-maison, chacun aura la possibilité d’enfin pouvoir écouter, voire réinventer, l’écoute de cette musique en véritable spatialisation enfin délivrée des limites de la stéréophonie, donc d’un peu recomposer l’œuvre. On attend avec impatience cette première technologique québécoise.

Suivait Éden, pièce narrative du parcours biographique sonorisé de Marguerite Duras. La musique est sensible, traitant des influences avec un sens juste de l’imaginaire, avec de belles vagues de transitions. Chorus, hommage aux victimes des attentats du 11 septembre, reste plus problématique: à vouloir faire du beau son, la guimauve des bons sentiments affleure et noie le message. Néanmoins, si ces deux œuvres semblent plus tièdes, il faut souligner — comme partout dans cette soirée — l’impeccable et, suprenamment, exceptionnelle tenue technologique. Oui, il y a là plus que de quoi s’émerveiller: se réjouir que le médium ne nuise plus au message en aucune façon.

StrinGDberg nous fait pénétrer dans l’étrangeté de la perspective acoustique. Que ce soit dans les diverses densités de couches sonores, dans les jeux de mobiles des «tempos», l’esprit combinatoire des sonorités fait penser aux Couleurs, de Rimbaud comme aux Correspondances de Baudelaire. C’était du grand Normandeau.

Qui va se surpasser en fin de concert avec Hamlet-Machine with Actors. Si, partout ailleurs, on admire le sens de la construction, l’inspiration, l’originalité, ici on se trouve devant le souffle d’un véritable chef-d’œuvre! Effets percutants, dosés et justes, violence jamais gratuite ni agressante en décibels, et une profondeur philosophique critique si actuelle et personnelle qu’on attend le disque pour mieux pénétrer tous les arcanes du grand œuvre accompli.

Pour le reste des activités de Réseaux, on inaugurera en janvier un autre type de manifestations, baptisées Akousma, où se mêleront musiques mixtes, électroniques, technologiques, visuelles, etc. Décidément, l’acousmatique bouge beaucoup! «Avis à la population!»: après la réussite totale d’hier, il faudra suivre avec attention et passion ces nouveaux développements.

Électron libre de la scène musicale montréalaise, acousmaticien féru d’expérimentations sonores, Robert Normandeau, qui compte parmi les pionniers de l’électro québécoise et de la conquête audio, suit depuis près de vingt ans une trajectoire rigoureusement oblique qui l’a porté à la pointe des musiques chercheuses et a composé pour le théâtre de véritables longs métrages sonores, à la fois tragiques, ludiques, virtuoses et parfaitement jubilatoires. Il y a chez cet éclaireur buté un côté définitivement énigmatique et insaisissable, décourageant tous ceux qui ne goûteraient que les gibiers marqués, faciles à traquer. Il y a aussi chez lui quelque chose d’un peu intimidant même, dans cette attitude résolument distanciée vis-à-vis des modes et des autres courants plus ou moins constitués/institués du moment et la nonchalance désinvolte avec laquelle il les emprunte pourtant à l’occasion, jouant sa singularité moins dans une exploration forcenée des marges et des «avant-gardes» que dans une très maîtrisée traversée libre des genres et des styles. Faut-il donc voir dans cette démarche spontanément rétive aux protocoles de l’époque – et aux servitudes volontaires qu’ils induisent – la marque d’un militantisme? Pas le moins du monde. Plutôt la rémanence d’un chant libertaire, harmonisé à la seule musique des désirs. Ainsi Robert Normandeau n’en fait-il qu’à sa tête et pioche-t-il alentour et tous azimuts (musiques savantes, improvisation libre, machines et instruments, tout le monde des sons), en une attitude parfaitement non alignée, de quoi fonder un univers affranchi de tout présupposé esthétique, de plus en plus personnel et, partant, parfaitement insituable.

Aujourd’hui, après des années d’aventure musicale aux quatre coins de l’électrosphère et de la planète (sa musique est en effet diffusée partout dans le monde), depuis ses premières armes dans le prolongement de l’œuvre du grand maître Francis Dhomont jusqu’à sa participation active aux univers de Brigitte Haentjens, Robert Normandeau, porté par le désir de créer jusqu’au bout son propre univers, aligne les chefs-d’œuvre de musicalité et d’intelligence formelle: synthèse idéale entre l’exigence d’authenticité et d’engagement émotionnel dont il se réclame et la sophistication toujours plus affirmée d’une écriture à la fois rigoureuse et ludique. Au théâtre, où il a signé depuis Quartett (1996) de Heiner Müller une dizaine de musiques uniquement pour la metteure en scène Brigitte Haentjens (Électre, Antigone, Mademoiselle Julie, Malina, Farces conjugales, L’Éden Cinéma, La Cloche de verre, Hamlet-machine et aujourd’hui Médée-Matériau), cette originalité foncière, Robert Normandeau la fonde principalement sur une vraie réflexion sur la relation musique/représentation théâtrale. Partant de sa propre expérience d’électroacousticien, il propose pour le théâtre des œuvres joyeusement impures, qui deviennent souvent ensuite des œuvres de concert(*) et qui ne cessent, comme en négatif, d’en interroger les fondements théoriques et de les transgresser, cela en ne se refusant aucune hérésie.

(*) Malina (2000), née de la musique de scène conçue pour Malina et Érinyes (2001), née de la musique pour la production d’Électre, deux œuvres disponibles sur étiquette Empreintes digitales; Chorus (2002), née de la musique pour Antigone, StrinGDberg (2001-03), née de la musique pour Mademoiselle Julie, Puzzle (2003), née de la musique pour les Farces conjugales, Éden (2003), née de la musique pour L’Éden Cinéma et Hamlet-Machine with Actors (2003), née de la musique pour Hamlet-machine: cinq œuvres qui sont publiées sur le cinquième disque solo de Robert Normandeau chez empreintes DIGITALes, Puzzles.

«La musique de théâtre n’est pas à mes yeux un sous-genre musical, comme on peut le croire parfois en écoutant certaines œuvres écrites spécifiquement pour la scène. Mais je me rends compte que j’ai vraiment beaucoup de chance de travailler avec une femme comme Brigitte Haentjens, précise Robert Normandeau. J’entreprends tous mes projet avec elle comme si je démarrais une nouvelle composition. Je ne le savais pas à l’origine, mais la musique pour Malina a été vraiment déterminante sur ce point. N’oublions pas qu’il s’agissait seulement de ma seconde collaboration avec Brigitte et que c’était en fait la première musique originale que je faisais pour elle, Quartett, qui l’avait précédé, étant une série de réarrangements de mes musiques déjà endisquées. Je travaille toujours très longtemps et intensément sur un projet en adoptant une attitude quelque peu schizophrénique car je pense en même temps et parallèlement aux développements théâtral et musical. Pour Malina, Erinyes, Puzzle et Hamlet-Machine with Actors, les deux projets sont très proches, la version concert prenant alors en charge une gestion temporelle autonome débarrassée des contingences du jeu. Pour StrinGDberg, Éden et Chorus, les musiques de concert sont plus éloignées de la musique pour la pièce de théâtre dans la facture, mais pas dans l’esprit.»

De ce point de vue, ses œuvres destinées d’abord au théâtre se présentent aux auditeurs/spectateurs comme d’authentiques laboratoires formels mettant en branle d’infernales petites machineries sonores, explorant avec virtuosité les vertus évocatrices des voix réelles (celles des acteurs d’Électre par exemple), des sons réels (provenant d’une gare de triage pour Hamlet-machine) et alors des instruments traditionnels (la flûte shakuhachi pour Malina, la vielle à roue pour Mademoiselle Julie) pour les transmuer en matériau sonore puissamment (et souvent violemment) poétique. C’est précisément dans son rapport à la spatialité (espace théâtral/espace sonore) que Robert Normandeau innove singulièrement aujourd’hui, concevant dorénavant sa musique non pas tant comme une collection d’objets sonores individuels que comme l’espace d’une dramaturgie. Du coup, l’omniprésente musique de Malina (évoquant à la fois un espace industriel et le départ des trains vers les camps de la mort, l’espace intérieur fracturé d’une femme et les échos d’une échappée possible hors de son cachot mémoriel), les instantanés amusés et joyeusement déglingués des Farces conjugales de Feydeau ou alors la masse sonore étouffante conçue pour Hamletmachine dessinent l’espace d’un conflit, métaphorisent en quelque sorte le lieu de son énonciation. Du coup, dans son rapport au temps, dans sa façon d’agencer les morceaux non comme autant de séquences, mais bien plutôt comme une série de palimpsestes se superposant et dialoguant entre eux, dans son art du montage, à l’intérieur du plan pour ainsi dire (où les images sonores se recouvrent l’une l’autre), avec toutes ces sources sonores imbriquées qui créent de la profondeur de champ, mais aussi d’un plan à l’autre, avec sa science consommée du déroulement, l’œuvre pour le théâtre de Normandeau fonctionne très précisément comme une suite de films sonores, tantôt atmosphériques, tantôt expérimentaux, tantôt ludiques, toujours liés intimement à la matière dramatique. Robert Normandeau, avec ces œuvres follement sophistiquées dans leur processus d’élaboration et extrêmement limpides dans leur relation directe à la vie et à l’émotion de l’auditeur/spectateur, semble bien avoir trouvé là la place la plus juste et plus évocatrice de la musique au théâtre.