Desiludam-se os que encontraram em La face cachée des choses (1995) um dos melhores discos do ano. Mais, ainda, se o anterior Duo déconstructiviste (1994), com Michel F Côté, não os seduziu tanto. É que este now álbum da teclista-cantora das Justine (esse mesmo, o quarteto free-pop constituído só por mulheres) ainda é mais arrojado que os anteriores trabalhos, não sendo obra para digerir com a maior das facilidades. Sampler, percussões electrónicas e gira-discos são os instrumentos aqui usados para fazer uma música povoada de citações surrealistas, projecções futuristas e memórias (inultra) passadas…

Deux pôles bien distincts orientent actuellement la vie du compositeur Stéphane Roy. D’une part l’électroacousticien compose intensisément accumulant commandes et créations tout en terminant une thèse de doctorat en musicologie. D’un autre côté il s’occupe activement de ses jeunes enfants — quatre ans et 2 mois — en restant à la maison. «Je compose le soir et la fin de semaine» précise Stéphane Roy. Cette entente qu’il a prise avec sa compagne lui permet de poursuivre une carrière déjà bien amorcée avant son départ du pays. «Je suis au Missouri, à Saint Louis, depuis un an et demi mais toutes mes commandes viennent encore du Canada», souligne-t-il. Au moment où je le rejoignais chez un ami, à Montréal, le compositeur enregistrait son œuvre mixte Inaccessible azur pour quatuor instrumental et bande, dans un studio de la Société Radio-Canada. La pièce était créée à Vancouver [par l’ensmeble Standing Wave le 29 mai 1997], et sera jouée, le 11 novembre à Toronto avec l’ensemble Continnum.

Stéphane compose, en ce moment, une autre œuvre pour cet ensemble dont le texte est tiré des Métamorphoses d’Ovide. «C’est un projet qui comprend cinq compositeurs, deux faisant de la musique mixte, dont moi. Après coup, sur ces musiques, un film va être fait. C’est l’inverse de ce qu’on voit habituellement. L’œuvre va quand même être autonome et sera présentée en concert». La création est prévue pour l’automne 1999. Le clarinettiste François Houle, de Montréal, lui a également commandé une œuvre mixte pour clarinette et bande «J’aime beaucoup la musique mixte. Je trouve qu’il y a énormément de choses à explorer du côté instrumental dans l’optique du mélange avec la partie électroacoustique. J’essaie de mettre sur le même plan la partie instrumentale et électro, c’est un peu mon dada.»

Stéphane Roy était de plus l’invité de la 4^e édition de Rien à voir, mini-festival de musique électroacoustique organisé par Réseaux, qui a lieu deux fois l’an. Au concert qui lui était consacré, le 28 octobre dernier, on a pu entendre Paysages intérieurs (1988), Récit pour cordes (1998), Crystal Music (1994) et, en création, Trois petites histoires concrètes (1998), une commande de Réseaux inspirée du 50^e anniversaire de la musique concrète.

Dans ce qui pourra se révéler un «cinéma pour l’oreille», le théâtre La Chapelle propose, du 28 octobre au 1^er novembre, une immersion dans la musique concrète ou «acousmatique». Cinq jours d’électro pour souligner les 50 ans d’une musique inventée par le Français Pierre Schaeffer.

Parmi les compositeurs de musique concrète, l’un des plus prolifiques est François Bayle qui dirigea à Paris, durant 30 ans, l’Ina-GRM ou Groupe de recherches musicales de l’ORTF. Ces journées organisées par Réseaux font la part du lion à Bayle que certains qualifient de «légende vivante». Le samedi 31, les concerts de 19h et de 21h (Rétrospective n^o 1 et Rétrospective n^o 2) portent entièrement sur des œuvres de Bayle. Ces concerts sont repris le dimanche (1 novembre) aux mêmes heures. François Bayle s’entretient dimanche (14h) avec de jeunes compositeurs.

Un catalogue abrégé de ses œuvres présenté par la revue d’esthétique musicale LIEN (printemps 1994) contient une cinquantaine de titres. Sous la direction de Michel Chion, LIEN a recueilli une vingtaine de témoignages de musiciens et de compositeurs sur Bayle, auteur de plusieurs ouvrages théoriques. Certains ont découvert l’électroascoustique au contact d’œuvres comme L’Oiseau chanteur ou Espaces inhabitables de Bayle, dont l’un des disques porte le titre Motion-Émotion.

Cet événement Rien à voir (4) accueille trois autres compositeurs: le Montréalais Stéphane Roy (mercredi 28); le Suédois Erik Michael Karlsson qui offre (jeudi 29) ses propres compositions (19h) suivies à 21h, d’une Carte blanche. Venu d’Allemagne, le compositeur Ludger Brümmer, qui a remporté en 1993 le prix Ars Electronica d’Autriche, offrira deux concerts le 30 octobre.

L’étiquette empreintes DIGITALes lancera (28 octobre) trois disques: Musiques naïves (Yves Daoust), Alibi (Jacques Tremblay) et Lieux inouïs (Robert Normandeau).

Released as part of empreintes DIGITALes’ “bargain” range of electroacoustic CDs, Titakti provides a good opportunity to get your metaphorical feet wet in the less immediately musical aspects of electroacoustic composition. These four sonic studies address the experiences, moods and cultural differences of the artist during his time spent in the Canadian Arctic among the Inuit peoples. With the exception of occasional string instruments and various natural percussion, the disc is “built” primarily of Inuit conversations, mouth-sounds and environmental noises (including wind, animals, birds and the sounds made by humans going about their lives). The listener immediately discovers that Inuit language is very different, an extremely economical form of communication that is also far more varied in the range of sounds it employs. While Meta Incognita addresses the isolation and intimacy of the land, Nippingit—la parole deals with conversation and interviews. La guerre is an alarming, confrontational “battle” between voice and vocalization, with trance-like chants used as ranged weapons. Plan séquence is an immersive auditory tour of a small Inuit village; make sure you’ve got good speakers for this one. Like all good electroacoustic works, Titakti succeeds in entertaining despite its paradigm-shattering departure from (and total lack of resemblance to) mainstream music — perhaps this will be the one with which you begin your own exploration…

Normandeau [(Lieux inouïs)] deftly translates the listener seamlessly from one tableau to another; a children’s playground in an echo chamber morphs into what could be the sounds accompanying a ‘close encounter of the third kind’ into then a call-and-answer of clanging pipes near and far. With headphones, these 1985-1989 recordings become a hermetically sealed world bizarre and unique, begging exploration and return visits. (Normandeau: 4/5)

Appleton, an American pioneer of electronic music, might be best known for co-designing the Synclavier and as a founding member of the CIME (International Confederation for Electroacoustic Music) and the SEAMUS (Society for ElectroAcoustic Music in the United States). His academic and theoretical associations aside, Appleton has a welcome sense of humor. Take Newark Airport Rock, a witty 1969 piece in which comments on “the new electronic music” were collected during a random survey of passengers and strung together with a jumbled quasi-Beat arrangement of Moog squiggles and sequenced electronics. Some of the opinions are extremely funny (a few favorites are the clueless “You’ll hear it when you want to hear it,” and “We get enough of that in the Army!,” “You mean that stuff we hear on the airplanes?”), others are surprisingly perceptive and revelatory — and the teens who declare that it’s “with-it!,” “really neat!,” “cool,” and “a beautiful thing… really nice” give the burgeoning artform a rather prescient stamp of generational approval. San Francisco Airport Rock, a 1996 sequel constructed with reactions gathered during another (more recent) impromptu survey, finds that not as much as changed as we’d like to think, despite the apparent assimilation of electronic music into the culture of popular music. Again the teens seem most receptive, whether commenting on e-music’s noted drug-friendly aspect or on the potential for self-expression in the Computer Age, and the adults tend to be more readily dismissive — “Like the music in the elevators?,” “Oh, it’s not real!,” and the popular “I prefer music played by musicians without computers” — with the notable exception of one woman who “met Moog when he first came out with the synthesizer” and a man enamored of e-music’s disreputable sibling, New Age. Name recognition is up — one surveyee impressively namechecks Koyaanisqatsi — and, rest assured, Gen X still deems it “great,” and — yes, “cool.” Even if one girl thinks it “sucks,” a trenchant insight which Appleton accents to especially humorous effect. Twenty years later, and it appears that the “new” electronic music still has a way to go in terms of mainstream acceptance. The other pieces on Contes de la mémoire span Appleton’s prolific career and include both his “signature” works — Chef d’œuvre, a bustling concrète abstraction composed in 1967 exclusively using the sounds of the Andrews Sisters singing in an ad for Chef Boy-Ar-Dee (you have to love this guy!) — and music of more recent vintage (Appleton’s comparatively solemn electronics-and-tape paen to a friend’s Russian heritage, 1993’s Dima Dobralsa Domoy). With Appleton’s music, whether dating from the earliest days of his experiments with electroacoustics in his Dartmouth University tape studio (Georganna’s Fancy [1966] and Spuyten Duyvil [1967]) or witnessing the refinement and maturity of his compositional techniques, there is always an extraordinary energy. Timbres swell and scatter; archival recordings and extremely active electronics react to convey a sense of excitement and urgency (CCCP (In Memoriam: Anatoly Kuznetsov) [1966], prefiguring Dima Dobralsa Domoy and paying homage to the Russian writer’s courageous defection). Among Appleton’s most advanced “tape-studio” pieces, Times Square Times Ten presents Manhattan, 1969, in exacting cross-section, a musical excavation of the City from its busy streets to the subterranean whispers of life in its subway belly. Cutting a vertical swath of city-life with observant precision, Times Square Times Ten is the City in miniature — a sonic core-sample so studiously idealized that it could only have been crafted artificially. Another of Appleton’s older tape constructions, 1970’s Homage To Orpheus revisits the acousmatic tinkles and chimes of Nordheim or Bayle, so convincingly in fact that the composer confesses to feeling distanced from it, and that it “almost sounds like music composed by someone else.” No such comment can be made about In Media Res, a pinnacle of Appleton’s digital abstractions. Over nine minutes of gorgeous rippling sonorities, bagpipe-like drones and agitated multitracked synthetics — brought to a sudden close after a section of itchy organ-toned polyphonies. A startling piece of digital composition and yet another example of Appleton’s warmth and irrepressible humanness, qualities so critical to the ageless appeal of his innovative œuvre.