Contes de la mémoire (Memory’s tales): a very appropriate title, considering the eclectic content of this compilation of tape works by Jon Appleton. San Francisco Airport Rock (1996) depicts spontaneous answers to the question posed by the composer: (Q) “What do you think about the new electronic music?” (A) “Yes, I met Robert Moog…” Oh, it is nice, I like this music…” “No, I don’t know…” “I listen to it on the radio….” The accompaniment consists of drones and gentle washes of light “techno” music with soft voices looping in the background. In a way, the piece criticizes itself. E-mu and Roland synthesizers and the Vision sequencer were used for this piece, partially realized at MlT, then mixed down at the Bregman Electronic Music Studio at Dartmouth College (of which Mr. Appleton is the director). The companion piece, Newark Airport Rock (1969), composed more than a quarter of a century earlier, is a more striking and sonically rich documentary. Newark Airport Rock, already a memory from the distant past, rings more true with answers to the same question recorded at the New Jersey airport. This piece has an atmospheric accompaniment, prepared using a Moog Mark lll synthesizer at the Bregman Studio.

Dima Dobralsa Domoy sings a completely different tune: Realized in 1993, it includes recordings of speech sounds in a declamatory style with distinct Russian echoes. These very light rhythmical phrases transmute themselves into train noises, sharing the stage with some background ethnic dances and a concertina moment. The title means “Dmitri returns home after a long journey,” and refers to the composer’s friend, Russian singer and choral director Dmitri Pokrovsky, from whom Mr.Appleton absorbed knowledge of politics, music, and his own Russian heritage.

In Media Res (1978), from the Latin “in the middle of things,” is set into a cryptic context in the liner notes: “known in Brazil as ‘Sudden Death’.” Analog multitrack tape recorders were used to store sequences performed on the Synclavier digital synthesizer. The sequences mostly sweep up and down the tessitura, or remain half frozen in static layers. There are citations of Irish folk music as well, used as a basis for the abundant . drones heard throughout this composition. The bagpipe insert contributes to a feeling of fragmentation (evident elsewhere on the disc). The technical display is not too impressive, as Mr. Appleton limits himself to shifting the speeded-up materials to the left or right channels, at times centering the acoustic image.

Times Square Times Ten (1969), at 9:02 is one of only two pieces of significant length in this collection. Sounds extracted from Edison cylinders were recorded and mixed down at the Bregman Studio. According to the composer, “…the piece moves from the street level to the levels below 42nd Street and Broadway, in the subway tunnels.” This is a good “paleo-sonic” trip through time, reflecting the soundscape of Manhattan from the 1890s to almost a century later and back. You can even read the title as x1 x 10 (times square times ten). Entertaining and impressive, with some spelunking audio intriguingly shifting the animal-like voice quality to an almost human one, then to a mechanical, nocturnal ambiance. I truly enjoyed this one.

From the same year comes CCCP (In Memoriam: Anatoly Kuznetsov), another very interesting radiophonic docurnentary, utilizing the voices of Tolstoy, Stalin, and Kuznetsov recorded from Radio Moscow and the BBC, as well as synthetic sounds from a Moog synthesizer. The defection to the west of writer Anatoly Kuzuetsov brings this piece into the realm of political storytelling. Using techniques like electronic switching, filtering, and speed variation, Mr. Appleton is at his best here.

Spuyten Duyvil (1967) is the first of three short analog pieces Mr. Appleton produced in the mid-1960 using the tape studio procedures then in vogue. In the accompanying booklet, the composer states, “I can no longer recapture the musical vision I had then.” For this listener, Spuyten Duyvil is engaging in its discovery of timbral nuances, the use of slowly evolving envelopes, and the intense sense of remoteness invoked by the music.

Georganna’s Fancy, (1966) is more ioyful, agile, and incisive, with sudden contrasting turns sounding very much like tape reversal. The disc closes with Chef d’œuvre (1967), pop-ish, almost Warholian. It is based on the sounds of a commercial for Chef-Boy-Ar-Dee (pizzas) as sung by the Andrews Sisters. The quote goes through a number of intriguing and imaginative transformatlons, spanning canonlc imitations and cartoon-like speededup moments.

In short, Contes de la mémoire is indeed a trip down memory lane — sonic snapshots from throughout the career of a well-known American composer. The style evolves from early tape music a la musique concrète to voltage-controlled synthesizers. It also exemplifies Mr. Appleton’s brilliant contribution to the development of one of the earliest computer-based digital synthesizers, the Synclavier, which he performed real-time during concerts as well.

This disc has all the traits of high quality production present in the empreintes DIGITALes releases from DIFFUSION i MéDIA. The sound is marvelous, the liner notes good, the layout excellent. The cover photo is of the painting Heliotrope (1993), by American artist Esmé Thompson.

Canadian electroacoustic composer Dolden champions a ‘theory of excess,’ a belief that the intoxication and seduction of information overload is a desirable condition, one that frees us to perceive the world afresh. L’ivresse de la vitesse compiles nine devastating sonic manifestos to make his point. Several hundred painstakingly scored and multitracked solo acoustic instruments collide to produce a super-dense musical black hole that even Iannis Xenakis would have shied away from. Trying to actually follow the impossible complexity drags you across the event horizon into a world where consciousness survives but meaning has been obliterated. Futile relief comes on a few tracks where virtuoso soloists battle in vain against the taped chaos Nirvana or nihilism? No matter, you can listen to it a thousand times without wanting it to make sense.

Je doute que trois minutes suffiraient à Christian Calon (né en 1950 à Marseille), dont le splendide Les corps éblouis, dans la série compact-compact — espèce de maxi-single —, dure 23 minutes. Si jamais une musique existait pour n’être écoutée qu’au casque, c’est celle-ci. Écoutez-là attentivement, surtout la fin — première citation de Jimi Hendrix dans la concrète?

Les vieilles différences idéologiques entre la musique électronique — les sons purement electroniques, «complètement calibrés» (Ferrari) — et la musique concrète — au debut créée à partir des sons déjà existants, des objets trouvés — sont aujourd’hui presque complètement oubliées. La musique électronique sérielle a évolué dans les années soixante — surtout dans les studios de Princeton (Babbitt, et al.) aux États-Unis — jusqu’à l’utilisation quasiment obligatoire des ordinateurs; d’autre part, l’omniprésence des échantillonneurs, en révolutionnant le travail sur l’objet trouvé, a également amené les concrets européens au même point de croisement: l’informatique.

Le concept de Miniatures concrètes, 24 morceaux de trois minutes de 24 compositeurs, chacun devant utiliser les trois mêmes sons comme matériel de base, est fascinant. Écouter comment chaque compositeur incorpore ou non les sons est en-soi intéressant: de la poésie presque campagnarde de Natasha Barrett, en passant par la (nouvelle) complexité de Paul Steenhuisen et Roger Doyle à la ‘musique d’horreur’ de Bad Room de Sylvia Eckermann et Mathias Fuchs. Certes, il y a des morceaux moins prenants (soyons patients… trois minutes passent assez vite), mais cette compilation est fortement recommandée aux gens qui cherchent un bon aperçu de genre de musique.

Avant de vous quitter pour trois petites semaines, non que je vous fasse des infidélités, seulement question de reposer ces doigts qui ont tant martelé ce clavier, et de permettre à ces oreilles d’aller respirer l’air du large, avant de VOUS quitter donc, une petite expérience hors du commun.

Il s’agit d’une production de notre essentielle étiquette de découvertes empreintes DIGITALes menée par ce Don Quichotte de l’électroacoustique qu’est Jean-François Denis. Vous l’avez sûrement vu en magasin, si vous êtes férus de lèche-rayon; reste à vous dire ce qu’il y a à entendre.

Tout d’abord, un avertissement: cet enregistrement de la Belge Annette Vande Gorne ne tombe pas dans l’électroacoustique pure et dure, celle des structures autosuffisantes et des architectures abstraites aux sonorités déroutantes.

Non, Annette Vande Gorne joue dans ces trois œuvres d’un art de la mise en scène sonore qu’on pourrait dire héritier du mélodrame du XVIII^e siècle, rejoignant en partie la définition d’origine: un texte parlé sur un fond musical expressif. L’experience est digne de ce que veut parfois tenter la Chaîne culturelle, sans que ses artisans, trop peu artistes, sachent y arriver.

Alors, un soir, détendu, mettez ce disque dans votre lecteur et — sans lire la pochette, je n’insisterai jamais assez là-dessus! — asseyez-vous dans la pénombre pour vous griser d’abord des paroles si bien écrites de Werner Lambersy, de la voix du narrateur — presque aussi enivrante que celle de Gérard Philipe — et du «fond» sonore de Vande Gorne.

Curieux de devoir admettre que dans ce que d’habitude on veut entendre comme événement musical, ici c’est la participation verbale qui prédomine. La compositrice fait office d’intermédiaire, de faire-valoir d’une humilité aussi expressive que sincère. Cela est d’autant plus efficace que l’oreille — comme le sentiment, cela vous semble-t-il bizarre? — navigue perpétuellement entre deux niveaux premiers d’écoute: la concentration sur la narration, l’attention au contexte acoustique.

Alors, quand on se laisse pénétrer de cet univers, on pressent un autre rythme, raffiné (j’oserais «féminin» uniquement si on accepte cette définition comme représentant une sensibilité autre que la traditionnelle, qui propose une vision sensoriellement différente des us coutumiers des bonzes acousmaticiens). On arrive même à le ressentir.

En cela, Noces noires est une expérience remarquable, symphonie verbale d’images chocs, sonorités de ponctuation des vertiges des impressions provoquées, telle une matrice qui se transmute elle-même aux transformations de son fruit généré. Le titre du disque, Impalpables trouve toute sa justification.

Les amoureux de science-fiction préféreront la porte d’entrée du Le ginkgo. Tous s’accorderont peut-être pour trouver Architecture nuit plus «ésotérique».

C’est un des autres charmes de cette musique, celui de ne pas s’enfermer dans un seul compartiment et d’explorer un genre des facettes qui tentent de s’imbriquer dans un portrait qu’on rêve parfait.

Vous ne trouverez pas musique plus bruitiste que celle qui est gravée sur ce disque, Île bizarre. Diane Labrosse, membre d’Ambiances magnétiques, échantillonne depuis des années et a participé aux formations Wondeur Brass et Justine, en plus de ses collaborations avec Michel F. Coté (Bruire, Duo déconstructiviste). Ikue Mori n’a plus besoin de présentation: ses percussions électroniques étonnent a chaque instant tant leur précision et leur diversité surprend. Martin Tétreault, autre membre d’Ambiances magnétiques, s’amuse depuis longtemps avec les tables tournantes. À la fin des années 80, il s’amusait a coller des morceaux de disques, technique également utilisée par Christian Marclay. Aujourd’hui, Tétreault est passé au delà du vinyle comme récupération d’un fond sonore. Ce qui l’intéresse, c’est la table tournante comme générateur de bruit. Amplifiée à fond, elle produit des geignements, des crissements, des hurlements. À bas le disque, le DJ plonge l’aiguille dans le moteur, la revêt d’un condom, etc. À ce point-ci, vous devriez comprendre que la musique de ce trio est bruitiste jusqu’à la moelle. Île bizarre présente onze pièces que l’on peut supposer être des improvisations. Onze films surréalistes. Ne pensez pas à Ground Zero. Ici, pas de charges sonores à décapiter l’auditeur car si l’intensité s’élève régulièrement, le tout demeure contrôlé. Belli machina ouvre la marche avec quelques décharges sonores, mais ou les atmosphères alternent et se compensent mutuellement. Diurna et nocturna insecta peint un tableau d’arrière-campagne ou les crépitements du vinyle se transforment en pépiements. Le jeu des textures et des nuances transporte l’auditeur tout au long de l’écoute. Un voyage au centre de l’abstrait qui séduit, malgré l’apparente aridité de l’équipement des explorateurs. Qui a besoin d’une note?