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Ed Pinsent, The Sound Projector, 14 décembre 2022
lundi 19 décembre 2022 Presse

Belgian-born Marie-Jeanne Wyckmans is another composer inspired by cinema — and also by dance, theatre, video, TV, and radio, areas in which she has worked in her career as a foley artist. Her Trajectoires is mostly made from field recordings, sound effects, and phonography, and many of these nine compositions tell stories, or at least contain strong suggestions of narrative, often with a travel theme. At least two works are inspired by literary sources, in particular two poets. Water and oceans seem to crop up quite a bit, even to the extent of her use of the word “waves” to convey her intentions, and the best pieces here have that precise effect of enveloping the listener in sound — a “dive into bleak magma”, as she calls it. The centre-piece of the album is three substantial works about the pandemic, composed between 2019 and 2021; she wanted to “hold a mirror” to the situation, to show mankind how it really is, and she was not afraid to reflect back some unpalatable truths, telling us things we might not want to hear. She achieves this with vivid images of sulphurous air, anger setting everything on fire, all of mankind screaming in pain, and a world depleted and destroyed by our own insatiable greed — the latter of which is, arguably, one of the many causes of the pandemic in the first place. The trilogy does end on a note of hope — Fin de crise — but not before Wyckmans has issued her stark warnings with the implacable certainty of a true sybil. Personally finding a lot to enjoy and appreciate in the ideas and music of Marie-Jeanne Wyckmans, her originality and her sympathetic humanism.

Personally finding a lot to enjoy and appreciate in the ideas and music of Marie-Jeanne Wyckmans, her originality and her sympathetic humanism.

Robert Normandeau: immersion dans une carrière en composition

Lori Isbister, Quartier Libre, 9 décembre 2022
samedi 17 décembre 2022 Presse

Quartier Libre a rencontré le professeur en composition électroacoustique à la Faculté de musique Robert Normandeau. Alors que l’UdeM a proposé un concert intitulé Carte blanche à Robert Normandeau le 25 novembre dernier dans le cadre du festival Vibrations, retour sur plus de 40 ans de carrière en électroacoustique pour le compositeur.

Le jeudi 24 novembre dernier, à la lumière des grandes fenêtres de son bureau qui donne sur le flan enneigé du mont Royal, le compositeur et professeur à la Faculté de musique de l’UdeM Robert Normandeau peaufine un morceau du spectacle qu’il s’apprête à présenter le lendemain dans le cadre du festival Vibrations de l’UdeM.

Une structure de métal sur laquelle sont accrochés une vingtaine de haut-parleurs surplombe son bureau, étrangement placé au centre de la pièce. Autour, une dizaine d’autres haut-parleurs sur pied donnent une allure de studio à la pièce et jurent avec l’aiguisoir de métal fixé au mur près de la porte, vestige d’une autre époque universitaire.

Dôme de son

La structure, montée à l’été 2020, permet à M. Normandeau de composer ses pièces de musique immersive multiphonique (NDLR: Qui a plusieurs sources sonores). Deux dômes similaires sont mis à la disposition des étudiant·e·s de l’UdeM dans les studio de la Faculté de musique.

Un nouveau dôme, obtenu grâce à des subventions du Fonds canadien pour l’innovation, a également été installé temporairement le 25 novembre dernier à l’occasion de la soirée «Carte blanche à Robert Normandeau». C’était la première fois que la structure était utilisée pour un spectacle devant public.

Le professeur, qui est le premier au Canada à avoir reçu un doctorat en électroacoustique, s’intéresse tout particulièrement à la spatialisation sonore. L’idée du son dans l’espace est essentielle à la composition de ses pièces acousmatiques (NDLR: Musique fixée sur un support, qui s’écoute sans se voir). «C’est moi qui ai fait la demande pour le doctorat, je voulais continuer, explique M. Normandeau, visiblement passionné par sa pratique. En 1988, quand j’ai commencé au doctorat, l’équipement coûtait horriblement cher. [Les compositeurs] dépendaient complètement des studios institutionnels.»

Pour modéliser les déplacements du son dans ces dômes, le professeur a d’ailleurs développé SpatGRIS, un logiciel de spatialisation sonore, avec les étudiant·e·s du Groupe de recherche en spatialisation sonore (GRIS), qu’il a fondé en 2008. Premier du genre au monde, le logiciel permet de représenter le déplacement du son dans l’espace pour un ensemble de haut-parleurs et de composer ainsi des pièces immersives. Il est offert gratuitement sur la page web du groupe de recherche.

«On peut avoir autant de sources qu’on veut, c’est virtuel, explique M. Normandeau, souriant sous sa canopée de haut-parleurs. Le nombre de haut-parleurs n’a pas vraiment d’importance, on peut mettre les sons n’importe où dans l’espace.» Dans la lumière de l’après-midi enneigé, le compositeur semble encore s’émerveiller des possibilités du dispositif.

Expérience immersive

«[L’humain est] très précis dans sa localisation du son, poursuit M. Normandeau. L’auditeur perçoit tous les sons que je place dans le dôme, même s’il ne sait pas exactement d’où ils proviennent.» Dans ses compositions, différents sons se superposent, et renouvellent l’attention de l’auditoire en se déplaçant dans l’espace.

L’UdeM possède quatre dômes , dont le nombre de haut-parleurs varie entre 16 et 32.

Lors de la soirée du 25 novembre, une foule d’une soixantaine de personnes s’est agglutinée sur quelques rangées de sièges dans la section centrale de la salle Claude Champagne. Dans chaque allée, deux haut-parleurs s’élevaient à près de deux mètres du sol sur de gros trépieds chromés. D’autres haut-parleurs étaient suspendus au-dessus du public, pour un total de 24 haut-parleurs.

Les initié·e·s, qui connaissent le fonctionnement du dispositif, se sont empressé·e·s d’avoir une place de choix au centre du dôme pour entendre pleinement les œuvres immersives du compositeur. Si certains sont restés masqués, ils n’ont pas hésiter à frôler les coudes de leur voisins de siège pour tenter l’expérience immersive complète.

Programme rétrospectif

Le programme du concert «Carte blanche à Robert Normandeau», donné pour souligner le départ à la retraite du professeur, a offert une rétrospective chronologique de sa carrière de près de 40 ans en tant que compositeur électroacoustique. Les quatre morceaux, Jeu, Kuppel, Jeu de langues et Le ravissement, ont été composés entre 1989 et 2022.

«Je ne suis pas un intellectuel de la musique qui s’assoit devant une partition, révèle M. Normandeau. Je travaille avec des matériaux.»

Souriant, le professeur de composition, l’air décontracté avec ses cheveux blancs mi-longs et sa chemise aux motifs originaux, confie se considérer davantage comme un «artisan» de la musique.

Bien qu’il se considère comme tel, il explique néanmoins sa pratique en des termes illustratifs et précis, dignes d’un professeur d’université. «Acousmatique provient d’”akousma”, un terme grec employé par le philosophe Pythagore lorsqu’il enseignait en se cachant derrière un rideau», détaille machinalement M. Normandeau, interrogé sur le terme «musique acousmatique».

Bien que la structure soit permanente, le dôme de haut-parleurs mobile de la salle Claude-Champagne a dû être déplacé après le concert d’électroacoustique pour permettre l’usage normal de la salle.

Cinéma pour l’oreille

Pour le compositeur, dont la thèse doctorale s’intitule Un cinéma pour l’oreille, la musique électroacoustique véhicule du sens en utilisant des sons reconnaissables, qui réfèrent à «autre chose que l’aspect musical des sons». Comme à la lecture d’un roman, l’auditoire reconnaît les bruits utilisés et imagine ainsi un narratif, un «film», informé par sa propre expérience.

L’écoute de Jeu, le premier morceau du concert, s’apparente réellement à une expérience cinématographique. En entendant le bruit de rires d’enfants, le public présent dans la salle Claude-Champagne a pu successivement s’imaginer une cour d’école, puis sursauter au bruit menaçant de coups de canon se déplaçant dans le dôme de haut-parleurs. Tous ces bruits, reconnaissables, ont permis à chacun·e de s’imaginer au milieu de scènes fictives, en fermant les yeux.

Pour Kuppel, composé en 2006, M. Normandeau a essayé de reproduire une sensation d’immersion dans le son d’un carillon d’église, fruit d’une expérience personnelle vécue un dimanche matin à Karlsruhe, en Allemagne. «Ce n’est pas un documentaire, précise toutefois le professeur. Le son du carillon n’est pas directement dans la salle de concert, il y a une structure musicale dans l’œuvre, mais la sensation pour l’auditeur est de même nature.»

Tous les morceaux de l’album Mélancolie de Robert Normandeau, paru en octobre 2021, ont été composée à l’aide d’un dôme de haut-parleurs et sont destinées à être écoutés avec le même dispositif. Pour le compositeur, écouter ces pièces en stéréos serait comme de «voir une carte postale» des morceaux d’origine.

Texture et registre

«Aujourd’hui, je travaille d’une façon plus abstraite, j’ai une pensée plus musicale que cinématographique», ajoute M. Normandeau, qui compare la composition électroacoustique avec l’art abstrait. Selon lui, le public veut donner du sens aux sons qu’il entend dans ses pièces musicales. «Et si le sens est difficile à trouver, on en fabrique!», déclare-t-il.

Pour la pièce érotique Jeu de langues, par exemple, la performance de trois flûtistes a été transformée en une trame syncopée d’inspirations, de bruits de langues et de subtils claquements métalliques, un morceau intime qui a jeté une atmosphère de tension dans la salle. Pour Le ravissement, des enregistrements du concert de la chanteuse et violoncelliste Jorane, auxquels M. Normandeau a collaboré en 2020, devient un ensemble texturé où la voix de l’artiste et ses chansons sont méconnaissables.

Former des artistes

Dans les escaliers pour descendre de son bureau, M. Normandeau revient sur ses années d’enseignement, qui prendront fin au printemps. Il mentionne avoir parfois eu des reproches pour ne pas donner assez d’indications techniques lors de la supervision de projets créatifs. «C’était réfléchi, se défend-il en dévalant les marches. J’ai toujours essayé de développer le sens artistique des étudiants, leur créativité m’importait plus que la technique.»

Sur scène, devant la foule venue assister au concert, le professeur s’est dit ému de reconnaître les visages de proches et de collègues, ainsi que d’étudiant·e·s qu’il n’avait pas vus depuis plusieurs années. Un sentiment manifestement partagé, car le compositeur a été remercié par une longue pluie d’applaudissements, et ce, avant même le début du spectacle.

L’idée du son dans l’espace est essentielle à la composition de ses pièces acousmatiques…

Review

Ed Pinsent, The Sound Projector, 11 décembre 2022
lundi 12 décembre 2022 Presse

Robert Normandeau’s Mélancolie (IMED 21174) contains five recent compositions from 2013 up to 2021, although the dates for each of them indicate that he spends many years burnishing these works before bringing them to a state of completion. This particular release showcases his “cinema of the ear” aesthetic, a principle he has long adhered to, referring to the way that meaning/content play as important a role in his work as the sounds he makes.

As to that sound, all five pieces here were originally played back in “a dome of loudspeakers”, an image that suggest an ideal performance space that affords that truly “immersive” experience that Normandeau seeks. The music here does indeed seem to aim for that all-encompassing blanket of sound, a close-knit fabric which envelops the listener. Although he’s a maestro of digital processing, it’s true that Le ravissement here did start life as a conventional string quartet and solo singers, but after he’s finished his interventions the individual voicings of these instruments are subsumed within the larger ocean. He’s playing on the meaning of the word “rapture” to mean both a transcendent spiritual experience, and a “ravishing” with its connotations of plundering (and of rape, unfortunately); Normandeau uses these terms to express the way he is stretching “time and spectra” to the limit, through a method he likens to laminage, a specific term used in plastic manufacture.

Even more profound are the changes wrought in Melancholia, which was completely derived from the sounds made by the bandoneon (a member of the concertina family), yet what results is a largely alien, unrecognisable grey landscape filled with the shadows of sorrow and painful longing. Savour the brief passages where the bandoneon’s chords are overdubbed and treated until they resemble a grief-stricken church organ playing a funeral hymn. Tunnel azur is the most conspicuous example of the “cinema of the ear” notion, packed with audio content including sounds derived from recordings of trains, tunnels, crowds, and workers, and suggesting a fragmented narrative structured around the opposing ideas of “day and night”; Normandeau evidently likes the idea of being in a dark tunnel when the sky outside is bright blue. Perhaps surprisingly, Tunnel azur doesn’t attempt to suggest forward movement or speed, but is much more contemplative in nature, suggesting a trip to the underworld where we can enjoy the grim vistas from the safety of a passenger seat. The density and complexity is deepened by the use of an octobass, and a Mahler quote — or rather, an allusion to Normandeau’s memory of seeing Kent Nagano conducting Mahler. Of such nuances is this composer’s work woven.

The density and complexity is deepened by the use of an octobass, and a Mahler quote — or rather, an allusion to Normandeau’s memory of seeing Kent Nagano conducting Mahler. Of such nuances is this composer’s work woven.

Review

Ed Pinsent, The Sound Projector, 11 décembre 2022
lundi 12 décembre 2022 Presse

Roxanne Turcotte may have started with traditional piano conservatoire training, but by the later 1980s she’d taken an electro-acoustic and technology direction and studied under Francis Dhomont. She too is not unwilling to be aligned with ideas of cinema and is working towards an “integrated” music that is wedded to visuals, be they film, theatrical, or installations. Besides her compositional skills, the CD Réverbères (IMED 21173) showcases her work on the synthesizer, with tapes, and with wind instruments on the long bird-call suite, Les oiseaux de Nias. The opener Masques et dichotomies is understated, but still exudes an undercurrent of darkness and mystery which I like; Turcotte is experimenting with ideas about face masks, and how they distort the human voice; subtle explorations of the possibilities afforded by these distortions follow, including unrecognisable speech, coughing and sneezing. It’s a recent (2021) piece, but thankfully makes no explicit connection to face masks in the context of COVID 19.

Another enjoyable piece is Le bruit des soupirs, using the familiar collage form to piece together commonplace sounds recorded on the street — which might sound unexceptional, but Turcotte exhibits great imagination and skill in making her odd juxtapositions, which she calls “short news reports… parleying under a street lamp”. She alludes to travel diaries and “secret gardens”, and the piece feels like a genuine attempt to discover something that is hidden behind the “longing sighs” she hears everywhere. This particular work makes use of materials from 2014-15, first used in an installation about greeting cards. I have no idea what this was, but presumably it wasn’t an exhibit focussing on the designs, and perhaps alluding to revealing the hidden truths about humanity that can be implied within these banal and sentimental communications.

… but Turcotte exhibits great imagination and skill in making her odd juxtapositions…

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Neural, 8 décembre 2022
jeudi 8 décembre 2022 Presse

Once referred to as the ‘Harry Potter of the digital vanguard’, Eryk Salvaggio was an early pioneer of the net art movement. His focus now is still relentless. Salvaggio uses artificial intelligence as a tool for art, examining generative adversial networks, natural language processing and data sonification through the lens of avant-garde practices influenced by Dada, Fluxus and the Situationists. The Organizing Committee uses machine learning to create breezy cyborg pop songs that subvert dominant narratives and ideologies surrounding AI. Salvaggio has created a parallel universe where krautrock bands play on the mainframe and shrill, synthesized voices sing of the destructive, delusional habits of the human race. The eleven tracks on this album reference many alternative musical trends of recent decades including synth-pop, post-rock and new wave. Salvaggio blends everything together seamlessly in a style that is both computational and confrontational – no surprise from an artist who was once banned from eBay for trying to sell his personal contempt to the highest bidder! The Day Computers Became Obsolete features an unrivalled mix of retro-future vocals, cool guitar riffs and synthetic rhythms, all supported by keyboards and a wide range of floating, ephemeral digital effects. In Salvaggio’s latest offering criticism and irony go side by side – although the years of cyber enthusiasm may be far behind us, the idea that the future may be different has not yet been completely lost.

… an unrivalled mix of retro-future vocals, cool guitar riffs and synthetic rhythms…