Kristoff K.Roll is not a person, it’s two. A duo. They travelled through Central America and recorded the sounds they met underway. The result was edited and used as a basis for a radioplay. It took some two years to finish. It shows. This is no usual sound collage presented as a composition, the sounds are carefully edited and placed in such a way that the atmosphere can be sensed by the listener. One is present at funny and mesmerizing situations that these two people have met. One feels the situation of a long busride with people crammed in the vehicle, interesting but comfortless. This is one of the best travel-radioplays I have ever heard. Soundrecordings are excellent, editing is mostly very exciting and (where needed) dreamy, laid back. There’s never a dull moment and once it’s finished I want to hear it again.

For sheer excitement, try a midi harpsichord toccata on for size. Vivienne Spiteri, harpsichordist extraordinaire, has produced a phenomenal disc of aggressive and insightful new electroacoustic music for an old instrument. For fans of mechanistic music, David Keane’s Turbo Toccata will be a sure hit. Others will find fulfillment in the classicism of Bruce Pennycook’s “The Desert Speaks.” The harpsichord has always lent itself to virtuosity, and Spiteri capitalizes on this: The energy level is high on this disk — the tension never lets up. One highlight is the amplified breathing down your neck of the hair-raising “jardin secret ii,” (secret garden ii) for tape and harpsichord, by Kaija Saariaho. As the liner note says, “au diable le conformisme!” (To hell with conformity!).

De la production discographique locale retenons deux étiquettes: empreintes DIGITALes, qui occupe avec une vitalité exemplaire le secteur de la musique électroacoustique, et Analekta qui travaille à l’élaboration d’un catalogue plus conservateur. Créée à Montréal, empreintes DIGITALes est maintenant distribuée avec un succès toujours croissant en Europe (notamment en France, en Angleterre et en Allemagne), aux États-Unis et au Japon.

Afin de répondre aux exigences du medium qu’il défend, l’éditeur ajoutera, dès le mois prochain une autre collection de disques de plus courte durée (environ 40 minutes); sous le nouveau nom de «compact-compact» seront ainsi publiés les compositeurs suivants: Mario Rodrigue (Alchimie, cinq pièces pour bande), Roxanne Turcotte (Amore, cinq pièces pour bande), Wende Bartley (Claire-voie, trois pièces pour bande et une pièce mixte), Randall Smith (L’oreille voit, cinq pièces pour bande).

À la liste d’empreintes DIGITALes viendront se greffer: Gilles Gobeil (La mécanique des ruptures, l’intégrale pour bande et 2 pièces mixtes), Robert Normandeau, son deuxième disque (Tangram, cinq pièces pour bande) et Paul Dolden (L’ivresse de la vitesse, coffret de deux DC, quatre pièces pour bande et cinq pièces mixtes).

SONGWRITERS LOVINGLY CALL their dreams muses — a vocabulary to translate the compositional process. Hip artists, such as Brian Eno and Suzanne Vega, have gone so far as to say they have even heard entire songs handed down to them while they slept.

Dreams have long fascinated composer Serge Arcuri. Yet he could never quite bring their surreal, unearthly power to the stage with orchesiral instruments that were hundreds of years old. “Dreams, like myths, express themselves in a symbolic language, communication both obscure and universal,” Arcuri writes in the liner notes to his debut CD for empreintes DIGITALes, Les méandres du rêve. “At the heart of the night, brandished against this apparent death that is sleep, the dream world is more a product of senses and seduction than one of speech.”

The breakthrough for the 39-year-old native of Beauharnois was hearing electroacoustic music. This oft-misunderstood branch ofthe musical tree was born in 1949 when Pierre Schaeffer started using a tape recorder to bulk erase the musical past and record over it the music of the future, “musique concrète.” Forged and sculpted in the multi-track recording studio with both live and synthetic sound sources, electroacoustic music has always been headphone fodder, music for our personal headspace. Like dreams, electroacoustic music offers a hot-wired short cut to the subconscious, the topology of sounds triggering something different in every listener, a soundtrack to films and visuals limited only by our imaginations.

“I like the ease with which electroacoustic music can transport yourself into many different acoustic surroundings,” says Arcuri. “That’s much more diffcult to do in a concert hall. But on the other hand, I don’t like excluding instruments. I like to have a mix of electroacoustics and live instruments, so the work is somewhere between reality of the concert stage and the ‘inouïe’.”

Arcuri studied with Yves Daoust at Conservatoire de Musique de Montréal, and has an impressive list of commissioned works to his name from the SMCQ, ACREQ, CBC and The Vancouver New Music Society. It’s not difficult to understand why: Arcuri’s work avoids the studied aridity of most “musique concrète.” It’s dazzling, texturally ravishing, and propulsive, recalling the recent pop-oriented work of John Adams on Hoodoo Zephyr — only minus the minimalist pulse.

Les méandres du rêve (Dreams’ Meanders) was a long-term project begun in 1982 with Arcuri’s first electroacoustic piece Errances. Arcuri tried to keep a diary of dreams and incorporate them into the pieces as they were written, but found his dreams weren’t up to the quality of the project, so he decided to stick to themes rather than specifics. Indeed, most of the pieces here work on a visceral rather than literal level. Murmure, for example, revisits tribal myths about the origins of life and the big bang through processed and sampled breath sounds.

La porte des sables, for oboe, English horn, MIDI percussion and tape, is inspired by the fables of Moroccan writer Tahar Ben Jelloun’s novel The Sand Child. The music, while bereft of the quarter tones that permeate most Arabic music, evokes the serene, still mood of the desert through the arabesques of the horn playing. “Reading Jalloun opened my ears,” says Arcuri. “The idea of each door leading you deeper into myth, deeper into the unconscious.”

Arcuri has had the good fortune to work with intuitive and passionate soloists such as oboist Lawrence Cherney, harpist Erica Goodman, French homplayer Francis Ouellet and percussionist Trevor Tureski. “More and more instrumentalists are interested in working with electroacoustics,” Arcuri explains. “After all, these pieces were written to be included in someone’s repertory and to be easily played. I like to have open rhythm sections for the player to roam. I don’t like to be a metronome.”

Curieux disque, qui donne à entendre, à voir et à lire. En forme de journal sous-titré Carnet de voyage musical, Corazón Road est avant tout une aventure sonore pleine de couleurs et de surprises. Ici chantent les oiseaux, là cornent les sirènes de bateaux, plus loin une conversation se fait entendre ou un rameau se casse. Le tout très évocateur. La chaleur des tropiques s’installe parmi les sons, les villages vivent, la nature respire. Quelques passages se montrent plus abstraitement musicaux, la Danse au rythme prenant, Sieste, lent et paresseux, ou encore la Remontée du Rio Grande, exotique. Dans d’autres il est aisé de percevoir un signe amical envoyé à Pierre Schaeffer (bruit de locomotives) ou à Luc Ferrari (bal musette). Ce vovage à travers l’eau, l’air et la terre se termine sur Le Pacifique avec un accent final large et paisible.

Comme le dit si judicieusement Arkel, de l’opéra Pelléas et Mélisande de Debussy, «la maladie, la vieille servante de la mort», a eu raison, le 4 septembre dernier, de Michel-Georges Brégent.

Essentiellement autodidacte, le compositeur, né à Montréal le 29 janvier 1948, a suivi un parcours très singulier. Sorte de génie musical, il compose ses premières œuvres peu avant son adolescence et aborde avec le temps différents styles: tonal, romantique, sériel, etc. Selon Walter Boudreau, ami du compositeur et directeur artistique de la SMCQ, Brégent réussit la jonction de plusieurs visions musicales. Évoluant vers un style éminemment personnel, il devient quelque peu ermite. Tout comme Charles Ives, il se révèle inclassable. L’œuvre la plus représentative de sa production reste sans doute Atlantide (1985), où se dégagent des éléments aussi variés que les musiques ancienne, classique, ethnique et populaire. «Michel-Georges était un alchimiste qui cherchait la pierre philosophale. Celle-ci était à ses yeux l’œuvre ultime qui embrasserait toutes les œuvres et tous les styles et, à ce titre, il était un merveilleux utopiste», explique Boudreau. «Brégent était un musicien actuel qui n’avait pas oublié ses racines,» poursuit-il. «Il avait les deux pieds dans le fumier et la tête dans les nuages, avec tous les degrés imaginables entre ces deux extrêmes.»

Longtemps négligée, car en certains cas jugée injouable, sa musique s’achemine vers une nouvelle renaissance. La technologie numérique (échantillonages, séquenceurs) permet maintenant de faire des miracles. À cet égard, le concert qui sera donné à sa mémoire le 26 mai 1994 à la Salle Pierre-Mercure du Centre Pierre-Péladeau proposera notamment Mitzvot, une œuvre pour quatuor de saxophones commandée à Brégent par Boudreau il y a maintenant six ans, à l’époque impossible à exécuter. Walter Boudreau conclut en ces termes: «Il reste triste de constater dans nos sociétés que les utopistes meurent de chagrin. Il nous faut des gens qui rêvent, des utopistes, des visionnaires. Des gens qui se disent que si c’est pas demain, ce sera après demain et ainsi de suite. Cela donne envie de vivre et redonne de l’espoir. Hélas! tout réside dans la sacro-sainte efficacité…»

Qui osera reprendre le flambeau? Utopistes demandés!