electrocd

Blog

Recensione

Piergiuseppe Lippolis, Music Map, January 1, 2022
Wednesday, January 26, 2022 Press

Louis Dufort è un compositore canadese di musica elettroacustica. L’artista di stanza a Montréal è tornato a fine 2021 con Into the Forest, un lavoro registrato nel suo studio personale tra il 2020 e il 2021.

Il nuovo album si compone di quattro brani per una durata complessiva che si ferma poco prima dei quaranta minuti e ad aprire c’è Into, il più bucolico del ciclo, con un suono ambient disegnato prevalentemente dall’organo e da caligine elettronica che si deposita sui vari strati di suono.

La successiva Into the forest my wounded arms wide open cambia visibilmente registro, con un ritmo decisamente più sostenuto e incalzante, fra groove spezzati un’atmosfera vagamente (e sorprendentemente) sci-fi.

Il brano che dà il nome al lavoro, stipato all’inizio della seconda metà, è stato sviluppato in diversi anni ed ultimato solamente in occasione delle registrazioni di questo disco. Il pezzo si presenta come un approfondimento di delicate microstrutture che riempiono lentamente uno spazio in continuo divenire, scandagliando il rapporto esistente tra la natura, quella reale, e un’altra immaginata e sognata.

L’ultimo atto è anche il più astratto e simbolico: Into the forest I’ve seen under permette la convergenza di materiali “organici, sintetici e musicali” in un’ode alla natura che si evolve lentamente, fino a descrivere completamente l’ambiente circostante.

Louis Dufort conferma ispirazione e tecnica rendendo accessibile più o meno a chiunque un lavoro in realtà complesso.

Louis Dufort confirms inspiration and technique, making a work that is actually complex accessible to more or less anyone.

The Dialogues: Natasha Barrett

Simon Cummings, 5:4, January 24, 2022
Monday, January 24, 2022 Press

I’m delighted to present the latest instalment in my occasional long-form conversation series The Dialogues. My guest this time is UK-born, Norway-based composer Natasha Barrett, whose music I’ve deeply admired for at least 20 years. Barrett is both a veteran and a pioneer of electronic music, utilising a convoluted mixture of real-world and synthetic sounds to compose highly elaborate, immersive soundworlds. That word “immersive” is no hyperbole: Barrett’s work in ambisonics is at the forefront of creating an all-enclosing listening experience demonstrating intricate control of the 3-dimensional placement of sound. Partly for this reason, Barrett’s work is not often heard in the UK – at least, not often exactly as the composer intends, due to its extensive multi-channel/-speaker demands. The most authentic way to hear her music is therefore to go to Norway and experience it in situ; while the easiest way is via the increasing number of releases devoted to or featuring her work in specially-adapted stereo and binaural versions.

We met last September in Barrett’s office at the Norwegian Academy of Music in Oslo, and I want to express my heartfelt appreciation and thanks to Natasha for being so generous with her time and with the large quantity of unpublished or unavailable musical materials she put my way to help with my research and preparation. Our conversation took place toward the end of the 2021 Ultima festival, and i therefore would also like to thank Thorbjørn Tønder Hansen, artistic director of Ultima, whose invitation to the festival made this conversation possible.

For more information about Barrett’s work, her website contains a wealth of information, as do the pages devoted to her on the Empreintes DIGITALes label’s website; she also has a Bandcamp site with a steadily growing quantity of material, as well as a YouTube channel featuring an assortment of works, extracts, and miscellaneous field recordings. The most recent label to start featuring Barrett’s music is the London-based Persistence of Sound, and their next release is devoted to three of her more recent compositions, Urban Melt in Park Palais Meran (2019), Speaking Spaces No. 1: Heterotopia and Growth (both 2021). Released on vinyl in July, the album is available to pre-order and buy digitally now.

As usual in these Dialogues, I’ve peppered our conversation with a liberal quantity of excerpts from Barrett’s music in order to illustrate and elaborate upon what we’re talking about, and these include two early works, Caressing Eternity and Trompe l’œil, neither of which have ever been released or indeed heard since her postgraduate days. I’m especially grateful to Natasha for tracking down the vintage DAT [cassettes] (stored at her parents’ house) and for allowing me to include excerpts from these early examples of her work. A list of all the excerpts and the times when they occur can be found [online], together with links (where applicable) to buy the music.

Barrett is both a veteran and a pioneer of electronic music…

Recensione

Gilberto Ongaro, Music Map, January 1, 2022
Monday, January 24, 2022 Press

La melancolia può avere diverse forme d’espressione, e non sempre si tratta di un’apatica successione di suoni melliflui, o una tela dai colori grigiastri, o un attore con le occhiaie e l’aria stanca di chi ha già visto tutto (sì insomma, Toni Servillo… ). Al contrario, come la noia nell’infanzia, la malinconia può essere il punto di partenza per la creatività. E ce lo ricorda Robert Normandeau, compositore elettroacustico canadese, che concepisce Mélancolie, album uscito per Empreintes DIGITALes.

Si tratta di un viaggio sonoro, concepito originariamente per essere ascoltato con un set di altoparlanti che circondano chi ascolta. Lo stesso Normandeau definisce questa versione in studio, che per forza di cose è solo stereofonica, una sorta di cartolina dell’esperienza che vorrebbe farci vivere di presenza, con tutto l’ambaradan per immergerci nel suono.

Ma intanto ascoltiamo queste cinque lunghe tracce (la più breve dura 10 minuti, la più lunga 16 e mezzo) ad occhi chiusi. Le ravissement fa galleggiare in un cosmo violaceo, con suoni cangianti e ariosi. Tunnel azur invece fa correre stando fermi, come le parole panelliane di “Stanze come questa”, che accostano immagini di movimento accelerato come dai finestrini di un’auto, con pareti di una stanza dove invece si è fermi. In questo tunnel azzurro avvertiamo proprio il vuoto d’aria che si può percepire in una propulsione in galleria. Con tanto di colpo di paura intorno al terzo minuto.

Al centro dell’esperienza, il terzo brano prende il titolo Melancholia, che è… un’apatica successione di suoni melliflui. Almeno fino a 3 minuti e mezzo della traccia, quando la situazione si complica, con una perturbazione dall’Atlantico che scatenerà precipitazioni repentine, fino a giungere ad un’atmosfera tesa. Temperature in diminuzione, mare mosso…

Un suono tremolante ed avvolgente ci spinge dentro L’engloutissement. L’idea d’essere nell’oceano è confermata dall’arrivo di uccelli, forse gabbiani. Siamo soli sull’acqua e al freddo, in attesa che il vortice ci inghiotta. Sempre verso i 3 minuti e mezzo, un disturbo radiofonico interrompe il flusso, che poi riprende. Evidentemente, questa durata di 3 minuti e mezzo è un riferimento significativo per il compositore: il momento in cui il narratore, alzando le sopracciglia, dice: “Ma ad un tratto… ”. Infatti i suoni, finora distesi e distanti, iniziano ad animarsi e ravvicinarsi. L’illusione della consistenza liquida si fa sempre più realistica. Da una condizione sospesa, ci addentriamo in una tempesta. Al quattordicesimo minuto, di nuovo i repentini disturbi radiofonici ci catapultano in un non luogo, dove c’è un solo penetrante rumore.

Dopo aria e acqua, l’ultima tappa è sulla terra, più precisamente sulle rotaie. Raíl ci allarma dell’arrivo imminente di un treno. Questa sarebbe davvero da ascoltare dal vivo, circondati dagli altoparlanti. Chissà che effetto fa! Se si tratta di field recording (non è specificato nel comunicato), il materiale registrato è comunque modificato, reiterato, elaborato. Questo treno ad un certo punto arriva, ma poi continua a lanciare l’allarme del suo imminente arrivo, e disorienta. Che succede, il treno torna indietro? Ne sta arrivando un altro? C’è un intenso traffico di treni?

Decidete voi. Chiudete gli occhi, e mettete su le cuffie. Ma se disponete di un home theatre col Dolby Surround 5.1 provatelo, oppure scroccatelo dall’amico ricco, e ascoltate le vostre sensazioni.

You decide. Close your eyes, and put on your headphones. But if you have a home theater with Dolby Surround 5.1, try it out, […] and listen to how you feel.

Recensione

Roberto Mandolini, Rockerilla, no. 497, January 1, 2022
Wednesday, January 5, 2022 Press

Normandeau orchestrates sound by positioning it in 3D space to create consistently compelling narratives.

AMN Review

Mike Eisenberg, Avant Music News, December 30, 2021
Thursday, December 30, 2021 Press

A new Normandeau is always a welcome addition and, Mélancolie delivers in a big way. This, along with Paul Dolden’s Golden Dolden box (write-up coming eventually, hopefully sooner rather than later) provides a splendid end of the year Acousmatic boost.

On Mélancolie, Normandeau humbly underestimates these works by saying; “All the pieces culled on this album were composed in a dome of loudspeakers and are designed to be presented in that format. They are immersive, inviting listeners to dive into the sounds. The stereo versions found on this album are like postcards of the original pieces: they represent something akin to souvenirs of them. I hope to have one day the opportunity to present them to you on the full loudspeaker array. Until then, enjoy.” While I have no doubt how unbelievably cool it would be to hear these on the proverbial DOME O’ SPEAKERS, I have to say they sound stupendous coming out of my bookshelves (at volume) and even more breathtaking through my DAC augmented earbuds. So, until someone hooks me up with my speaker dome, I’m going to have to “settle” the OG way.

The album consists of five lengthy pieces composed between 2013-2021. Since his 2013 release Palimpsestes, Normandeau has refined his style somewhat to incorporate more of a wall of sound’ish drone-like vibe. This “new thing” was (and continues with this latest release) very elegantly layered over with what you might call a more traditional (traditional as it relates to an empreintes DIGITALes “sound”, if such a thing exists) Acousmatic feel. By this, I mean a creative organization of disparate, unidentified sound events into a highly pleasing sonic space with somewhat smooth edges and pristine sound and production.

The first piece, Le ravissement exposes this sound wall in a slow build fashion. The piece is unique in the way that this base drone layer is somewhat down in the mix, immediately throwing me off guard. I would have expected this facet to be much more prominent. Normandeau inverted my expectations by overlaying gorgeously breathy, sporadic bursts of a symphonic nature (maybe strings, maybe not) that are quite loud, powerful, and wildly dramatic. As if this now true “wall of sound” wasn’t enough, he also adds other strange and unnamed sonic samples which ramps up an already chaotic and psychedelic listening experience. I can only describe the result as a sensory stimulation of the highest order.

The next piece, Tunnel azur has the composer channeling a little Gilles Gobeil energy. As the title implies, the listener can’t help but transport themselves to a dark, dank, oppressively confining tunnel inhabited by machines, steam pistons and sinister automatons of all sorts. All working in concert, is this a synthetic leviathan powering unimaginable structures? But to what end? As a warning, this work will stretch your speakers to the limit and is best listened to loud. (Of note, the very rare octobass is in use so… watch out!)

Next, we have Melancholia which has the composer further exploring the creative sound manipulation of the human voice. But wait… I just read the liner notes where I was informed that the only sound source on this piece was the Bandoneon. This demonstrates to me one of the coolest things about listening to Acousmatic music, namely sound sources and physical gestures mean nothing. Once you accept this key concept, the sound world will literally burst wide open and you’ll experience it not just physically, but, if you are committed, with an extreme heightened state of mental / psychic awareness as well. The piece itself expands beautifully starting with a vaguely metallic hum that spectrally morphs into a louder, more majestic and polyphonic layer. Key sound events drop out and what’s left becomes wonderfully sliced and chopped up by some unique studio processing. Overall effect… maximum emotion-infused drama!

On L’engloutissement we get another elevated emotional sound world that transported me to a secluded beach. Dawn light greeted by ocean waves lap at the shore and seagulls cries that are strangely re-worked into something “not of this world” hover over head. Lurking underneath this scene is the sautillé bowing of an orchestra that creates a low pitched, and somewhat menacing hum… occasionally interrupted by moments of electrostatic glitsch. As with all these pieces, experiencing this under Normandeau’s proposed speaker dome can only be stunning (squared!!!).

The final piece on the album is Raíl which pays homage to the train and all sounds that go with it. This is a very powerful work that leads you through a sonic coffee table book of whistles, steam engines, hydraulic brakes, the click-clack of metal wheels on iron tracks, the perception of movement to an outsider and the perception of commuters en route to their destination on the inside. This work brings the album to a close in a fitting whirlwind of industrial chaos.

Mélancolie is a worthy addition to the Normandeau canon and comes highly recommended. Additionally, all attributes of the empreintes DIGITALes label such as sound and production qualities are unsurprisingly firmly intact.

… the sound world will literally burst wide open […] Mélancolie is a worthy addition to the Normandeau canon and comes highly recommended.

Recensione

Roberto Mandolini, Ondarock, December 25, 2021
Saturday, December 25, 2021 Press

Dodici minuti di bucolica ambient pastorale aprono il ciclo Into the Forest del compositore Louis Dufort. Un suono multidimensionale che continua a spostarsi anche sul semplice ascolto stereofonico. Ispirato dalla Natura fotografata sulla copertina dell’album, Dufort costruisce una lenta sinfonia con lunghe note d’organo e ripetuti crescendo a intervalli irregolari. Strato su strato si addensano livelli sonori inizialmente impercettibili, poi lentamente sempre più in evidenza e infine avvolti da maestose folate di vento elettronico.

I dieci minuti della seconda parte dell’opera non potrebbero essere più diversi. Into the forest my wounded arms wide open parte come una maratona degli Autechre, tra groove interrotti e bassi che sembrano prender vita da glitch digitali. Rumori in 3D coprono l’ossessivo incedere del brano, creando un’atmosfera degna di un inseguimento in un film di fantascienza.

Nulla in confronto al caos apocalittico che genera l’omonima Into the Forest, come se Dufort avesse programmato lo spazio accendendo tutti i livelli contemporaneamente, per poi spengerli all’improvviso e lasciare una desolante sensazione di vuoto. Appena il tempo di un respiro, per capire quali strani suoni si percepiscano in lontananza, prima che lo spettro venga riempito di nuovo con una valanga ubriacante di suoni.

Il finale è travolgente: Into the forest I’ve seen under è, nelle parole dello stesso autore: “[…] il pezzo più astratto del ciclo; materiali organici, sintetici e musicali sono riuniti in un’ode alla natura”. Dopo una prima parte in cui un basso subsonico tiene il tempo a una fantasia incontenibile di dettagli, una melodia cresce lentamente per avvolgere ogni suono all’orizzonte.

L’opera è stata registrata nello studio dello stesso Dufort a Montréal (Québec) tra il 2020 e il 2021, dopo che una prima stesura era stata presentata l’11 gennaio del 2018 all’Ultrasons festival at Salle Claude-Champagne, sempre di Montréal.

… and finally enveloped by majestic gusts of electronic wind.